Interesting & unknown facts about the

ADENOID GIRL WITH THE PEARL

and her painter “THE SPHINX”, Johannes Vermeer

How does an orthodontist view the Mona Lisa of the Netherlands? What did W. Bürger, the (re)discoverer of Johannes Vermeer, write about him and his paintings in his articles in the Gazette des Beaux Arts? What does Santa Claus have to do with Vermeer and contemporaries? And what about Leonardo Da Vinci? New facts, to be investigated further, brought together by a layman.

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Introduction                                                                                           page.      5

Johannes Vermeer by W. Armstrong – 1891                                           page.      7

Johannes Vermeer by W. Bürger – 1866                                                page.    11

Alb. Plaschaert – ode                                                                             page.  111

It’s a girl!                                                                                               page.  113

American Art Newsarticles                                                                      page.  126

The riddle of the “Santa” jacket                                                              page.  129

Vermeers “Site of the assassination of William the Silent”                        page.  169

Sayings                                                                                                 page.  172

Vermeer and pottery of Delft                                                                  page.  175

La Laitière – french pub                                                                         page.  179

Paintings of Vermeer with a question mark                                             page.  180

What a story                                                                                          page.  186

Venduhuis der notarissen adverd 1881                                                    page.  189

And what do we think of this?                                                                 page.  190

Amerikan newspaperarticle about Vermeer – 1918                                  page.  197

When time goes by                                                                                page.  199

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Wie sieht ein Kieferorthopäde die Mona Lisa der Niederlande? Was schrieb W. Bürger, der (Wieder-)Entdecker von Johannes Vermeer, über ihn und seine Gemälde in seinen Artikeln in der Gazette des Beaux Arts? Was hat der Weihnachtsmann mit Vermeer und seinen Zeitgenossen zu tun? Und was ist mit Leonardo da Vinci? Neue Fakten, die es weiter zu erforschen gilt und die von einem Laien zusammengetragen wurden. Finden Sie es selbst heraus in diesem bemerkenswerten Buch!

 Johannes Vermeer (/v??r’m??r, v??r’m??r/ vur-MEER, vur-MAIR, Dutch: [v?r’me?r], see below; October 1632 – December 1675) was a Dutch Baroque Period[3] painter who specialized in domestic interior scenes of middle-class life. During his lifetime, he was a moderately successful provincial genre painter, recognized in Delft and The Hague. Nonetheless, he produced relatively few paintings and evidently was not wealthy, leaving his wife and children in debt at his death.[4] Vermeer worked slowly and with great care, and frequently used very expensive pigments. He is particularly renowned for his masterly treatment and use of light in his work.[5] Almost all his paintings, Hans Koningsberger wrote, “are apparently set in two smallish rooms in his house in Delft; they show the same furniture and decorations in various arrangements and they often portray the same people, mostly women.”[6] His modest celebrity gave way to obscurity after his death. He was barely mentioned in Arnold Houbraken’s major source book on 17th-century Dutch painting (Grand Theatre of Dutch Painters and Women Artists) and was thus omitted from subsequent surveys of Dutch art for nearly two centuries.[7][8] In the 19th century, Vermeer was rediscovered by Gustav Friedrich Waagen and Théophile Thoré-Bürger, who published an essay attributing 66 pictures to him, although only 34 paintings are universally attributed to him today.[2] Since that time, Vermeer’s reputation has grown, and he is now acknowledged as one of the greatest painters of the Dutch Golden Age. Similar to other major Dutch Golden Age artists such as Frans Hals and Rembrandt, Vermeer never went abroad. Also, like Rembrandt, he was an avid art collector and dealer. Contents 1 2 2.1 2.2 2.3 2.4 3 3.1 3.2 4 5 6 7 8 9 10 11 12 Pronunciation of name In Dutch, Vermeer is pronounced [v?r’me?r], and Johannes Vermeer as [jo?’??n?s f?r’me?r], with the /v/ changed to an [f]-sound by the preceding voiceless /s/. The usual English pronunciation is /v??r’m??r/ vur-MEER.[9][10][11] An attempt to closer approximate the Dutch with /v??r’m??r/ vur-MAIR is also heard.[10][11][citation needed] A third pronunciation, /v??r’m??r/ vair-MEER, is attested from the UK.[12] Life Delft in 1649, by cartographer Willem Blaeu The Jesuit Church on the Oude Langendijk in Delft, circa 1730, brush in gray ink, by Abraham Rademaker, coll. Stadsarchief Delft Relatively little was known about Vermeer’s life until recently.[13] He seems to have been devoted exclusively to his art, living out his life in the city of Delft. Until the 19th century, the only sources of information were some registers, a few official documents, and comments by other artists; for this reason, Thoré-Bürger named him “The Sphinx of Delft”.[14] John Michael Montias added details on the family from the city archives of Delft in his Artists and Artisans in Delft: A Socio-Economic Study of the Seventeenth Century (1982). Youth and heritage Johannes Vermeer was baptized within the Reformed Church on 31 October 1632.[15][16][a] His mother, Digna Baltens (c. 1596 – 1670[20][21][22]),[b] was from Antwerp.[23][24][25][18][22] Digna’s father, Balthasar Geerts,[21] or Gerrits,[22] (born in Antwerp in or around 1573)[21] led an enterprising life, and was arrested for counterfeiting.[21][18] Vermeer’s father, named Reijnier Janszoon, was a middle-class worker of silk or caffa (a mixture of silk and cotton or wool).[Note 1] He was the son of Jan Reyersz and Cornelia (Neeltge) Goris.[c] As an apprentice in Amsterdam, Reijnier lived on fashionable Sint Antoniesbreestraat, a street with many resident painters at the time. In 1615, Reijnier married Digna. The couple moved to Delft and had a daughter named Gertruy who was baptized in 1620.[Note 2] In 1625, Reijnier was involved in a fight with a soldier named Willem van Bylandt who died from his wounds five months later.[27] Around this time, Reijnier began dealing in paintings. In 1631, he leased an inn, which he called “The Flying Fox”. In 1635, he lived on Voldersgracht 25 or 26. In 1641, he bought a larger inn on the market square, named after the Flemish town “Mechelen”. The acquisition of the inn constituted a considerable financial burden.[Huerta 1] When Reijnier died in October 1652, Vermeer took over the operation of the family’s art business. Marriage and family In April 1653, Johannes Reijniersz Vermeer married a Catholic woman, Catharina Bolenes (Bolnes).[28] The blessing took place in the quiet nearby village of Schipluiden. Vermeer’s new mother-in-law Maria Thins was significantly wealthier than he, and it was probably she who insisted that Vermeer convert to Catholicism before the marriage on 5 April.[Note 3] According to art historian Walter Liedtke, Vermeer’s conversion seems to have been made with conviction.[28] His painting The Allegory of Faith,[29] made between 1670 and 1672, placed less emphasis on the artists’ usual naturalistic concerns and more on symbolic religious applications, including the sacrament of the Eucharist. Walter Liedtke in Dutch Paintings in the Metropolitan Museum of Art suggests that it was made for a learned and devout Catholic patron, perhaps for his schuilkerk, or “hidden church”.[Liedtke 1] At some point, the couple moved in with Catharina’s mother, who lived in a rather spacious house at Oude Langendijk, almost next to a hidden Jesuit church.[Note 4] Here Vermeer lived for the rest of his life, producing paintings in the front room on the second floor. His wife gave birth to 15 children, four of whom were buried before being baptized, but were registered as “child of Johan Vermeer”.[Montias 1] The names of 10 of Vermeer’s children are known from wills written by relatives: Maertge, Elisabeth, Cornelia, Aleydis, Beatrix, Johannes, Gertruyd, Franciscus, Catharina, and Ignatius.[Montias 2] Several of these names carry a religious connotation, and the youngest (Ignatius) was likely named after the founder of the Jesuit order.[Note 5][Note 6] Career Replica of the St. Luke Guildhouse on Voldersgracht in Delft It is unclear where and with whom Vermeer apprenticed as a painter. There is some speculation that Carel Fabritius may have been his teacher, based upon a controversial interpretation of a text written in 1668 by printer Arnold Bon. Art historians have found no hard evidence to support this.[Montias 3] Local authority Leonaert Bramer acted as a friend, but their style of painting is rather different.[30] Liedtke suggests that Vermeer taught himself using information from one of his father’s connections.[Liedtke 2] Some scholars think that Vermeer was trained under Catholic painter Abraham Bloemaert. Vermeer’s style is similar to that of some of the Utrecht Caravaggists, whose works are depicted as paintings-within-paintings in the backgrounds of several of his compositions.[Note 7] A View of Delft after the Explosion of 1654, by Egbert van der Poel On 29 December 1653, Vermeer became a member of the Guild of Saint Luke, a trade association for painters. The guild’s records make clear that Vermeer did not pay the usual admission fee. It was a year of plague, war, and economic crisis; Vermeer was not alone in experiencing difficult financial circumstances. In 1654, the city suffered the terrible explosion known as the Delft Thunderclap, which destroyed a large section of the city.[31] In 1657, he might have found a patron in local art collector Pieter van Ruijven, who lent him some money. It seems that Vermeer turned for inspiration to the art of the fijnschilders from Leiden. Vermeer was responding to the market of Gerard Dou’s paintings, who sold his paintings for exorbitant prices. Dou may have influenced Pieter de Hooch and Gabriel Metsu, too. Vermeer also charged higher than average prices for his work, most of which were purchased by an unknown collector.[32] View of Delft (1660–61): “He took a turbulent reality, and made it look like Heaven on earth.”[33] The influence of Johannes Vermeer on Metsu is unmistakable: the light from the left, the marble floor.[34][35][36] (A. Waiboer, however, suggests that Metsu requires more emotional involvement of the viewer.) Vermeer probably competed also with Nicolaes Maes, who produced genre works in a similar style. In 1662, Vermeer was elected head of the guild and was reelected in 1663, 1670, and 1671, evidence that he (like Bramer) was considered an established craftsman among his peers. Vermeer worked slowly, probably producing three paintings a year on order. Balthasar de Monconys visited him in 1663 to see some of his work, but Vermeer had no paintings to show. The diplomat and the two French clergymen who accompanied him were sent to Hendrick van Buyten, a baker who had a couple of his paintings as collateral. In 1671, Gerrit van Uylenburgh organised the auction of Gerrit Reynst’s collection and offered 13 paintings and some sculptures to Frederick William, Elector of Brandenburg. Frederick accused them of being counterfeits and had sent 12 back on the advice of Hendrick Fromantiou.[37] Van Uylenburg then organized a counter-assessment, asking a total of 35 painters to pronounce on their authenticity, including Jan Lievens, Melchior de Hondecoeter, Gerbrand van den Eeckhout, and Johannes Vermeer. Wars and death The Little Street (1657–58) Memorial (2007) of Johannes Vermeer in Oude Kerk. Delft, Netherlands In 1672, a severe economic downturn (the “Year of Disaster”) struck the Netherlands, after Louis XIV and a French army invaded the Dutch Republic from the south (known as the Franco-Dutch War). During the Third Anglo-Dutch War, an English fleet and two allied German bishops attacked the country from the east, causing more destruction. Many people panicked; courts, theaters, shops and schools were closed. Five years passed before circumstances improved. In 1674, Vermeer was listed as a member of the civic guards.[38] In the summer of 1675, Vermeer borrowed 1,000 guilders in Amsterdam from Jacob Romboutsz, an Amsterdam silk trader, using his mother-in-law’s property as a surety.[39][40] In December 1675, Vermeer died after a short illness. He was buried in the Protestant Old Church on 15 December 1675.[Note 8][Note 9] In a petition to her creditors, his wife later described his death as follows: …during the ruinous war with France he not only was unable to sell any of his art but also, to his great detriment, was left sitting with the paintings of other masters that he was dealing in. As a result and owing to the great burden of his children having no means of his own, he lapsed into such decay and decadence, which he had so taken to heart that, as if he had fallen into a frenzy, in a day and a half he went from being healthy to being dead.[41] Catharina Bolnes attributed her husband’s death to the stress of financial pressures. The collapse of the art market damaged Vermeer’s business as both a painter and an art dealer. She had to raise 11 children and therefore asked the High Court to relieve her of debts owed to Vermeer’s creditors.[Montias 1] Dutch microscopist Antonie van Leeuwenhoek, who worked for the city council as a surveyor, was appointed trustee.[42] The house had eight rooms on the first floor, the contents of which were listed in an inventory taken a few months after Vermeer’s death.[43] In his studio, there were two chairs, two painter’s easels, three palettes, 10 canvases, a desk, an oak pull table, a small wooden cupboard with drawers, and “rummage not worthy being itemized”.[Montias 4] Nineteen of Vermeer’s paintings were bequeathed to Catharina and her mother. The widow sold two more paintings to Hendrick van Buyten to pay off a substantial debt.[44] Vermeer had been a respected artist in Delft, but he was almost unknown outside his hometown. A local patron named Pieter van Ruijven had purchased much of his output, which reduced the possibility of his fame spreading.[Note 10] Several factors contributed to his limited body of work. Vermeer never had any pupils, though one scholar has suggested that Vermeer taught his eldest daughter Maria to paint.[45] Additionally, his family obligations with so many children may have taken up much of his time, as would acting as both an art dealer and inn-keeper in running the family businesses. His time spent serving as head of the guild and his extraordinary precision as a painter may have also limited his output. Style The Milkmaid (c. 1658), Rijksmuseum in Amsterdam Vermeer may have first executed his paintings tonally like most painters of his time, using either monochrome shades of grey (“grisaille”) or a limited palette of browns and greys (“dead coloring”), over which he would apply more saturated colors (reds, yellows and blues) in the form of transparent glazes. No drawings have been positively attributed to Vermeer, and his paintings offer few clues to preparatory methods. There is no other 17th-century artist who employed the exorbitantly expensive pigment lapis lazuli (natural ultramarine) either so lavishly or so early in his career. Vermeer used this in not just elements that are naturally of this colour; the earth colours umber and ochre should be understood as warm light within a painting’s strongly lit interior, which reflects its multiple colours onto the wall. In this way, he created a world more perfect than any he had witnessed.[Liedtke 3] This working method most probably was inspired by Vermeer’s understanding of Leonardo’s observations that the surface of every object partakes of the colour of the adjacent object.[46] This means that no object is ever seen entirely in its natural colour. A comparable but even more remarkable, yet effectual, use of natural ultramarine is in The Girl with the Wine Glass. The shadows of the red satin dress are underpainted in natural ultramarine,[47] and, owing to this underlying blue paint layer, the red lake and vermilion mixture applied over it acquires a slightly purple, cool and crisp appearance that is most powerful. Even after Vermeer’s supposed financial breakdown following the so-called rampjaar (year of disaster) in 1672, he continued to employ natural ultramarine generously, such as in Lady Seated at a Virginal. This could suggest that Vermeer was supplied with materials by a collector, and would coincide with John Michael Montias’ theory that Pieter van Ruijven was Vermeer’s patron. Vermeer’s works are largely genre pieces and portraits, with the exception of two cityscapes and two allegories. His subjects offer a cross-section of seventeenth-century Dutch society, ranging from the portrayal of a simple milkmaid at work, to the luxury and splendour of rich notables and merchantmen in their roomy houses. Besides these subjects, religious, poetical, musical, and scientific comments can also be found in his work. Painting materials One aspect of his meticulous painting technique was Vermeer’s choice of pigments.[48] He is best known for his frequent use of the very expensive ultramarine (The Milkmaid), and also lead-tin-yellow (A Lady Writing a Letter), madder lake (Christ in the House of Martha and Mary), and vermilion. He also painted with ochres, bone black and azurite.[49] The claim that he utilized Indian yellow in Woman Holding a Balance[50] has been disproven by later pigment analysis.[51] In Vermeer’s oeuvre, only about 20 pigments have been detected. Of these 20 pigments, seven principal pigments which Vermeer commonly employed include lead white, yellow ochre, vermilion, madder lake, green earth, raw umber, and ivory or bone black.[52] Theories of mechanical aid Vermeer’s painting techniques have long been a source of debate, given their almost photorealistic attention to detail, despite Vermeer’s having had no formal training, and despite only limited evidence that Vermeer had created any preparatory sketches or traces for his paintings.[53] In 2001, British artist David Hockney published the book Secret Knowledge: Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters, in which he argued that Vermeer (among other Renaissance and Baroque artists including Hans Holbein and Diego Velázquez) used optics to achieve precise positioning in their compositions, and specifically some combination of curved mirrors, camera obscura, and camera lucida. This became known as the Hockney–Falco thesis, named after Hockney and Charles M. Falco, another proponent of the theory. Professor Philip Steadman published the book Vermeer’s Camera: Uncovering the Truth behind the Masterpieces in 2001 which specifically claimed that Vermeer had used a camera obscura to create his paintings. Steadman noted that many of Vermeer’s paintings had been painted in the same room, and he found six of his paintings that are precisely the right size if they had been painted from inside a camera obscura in the room’s back wall.[54] Supporters of these theories have pointed to evidence in some of Vermeer’s paintings, such as the often-discussed sparkling pearly highlights in Vermeer’s paintings, which they argue are the result of the primitive lens of a camera obscura producing halation. It was also postulated that a camera obscura was the mechanical cause of the “exaggerated” perspective seen in The Music Lesson (London, Royal Collection).[55] In 2008, American entrepreneur and inventor Tim Jenison developed the theory that Vermeer had used a camera obscura along with a “comparator mirror”, which is similar in concept to a camera lucida but much simpler and makes it easy to match color values. He later modified the theory to simply involve a concave mirror and a comparator mirror. He spent the next five years testing his theory by attempting to re-create The Music Lesson himself using these tools, a process captured in the 2013 documentary film Tim’s Vermeer.[56] Several points were brought out by Jenison in support of this technique: first was Vermeer’s hyper-accurate rendition of light falloff along the wall. Neurobiologist Colin Blakemore, in an interview with Jenison, notes that human vision cannot process information about the absolute brightness of a scene.[57] Another was the addition of several highlights and outlines consistent with matching the effects of chromatic aberration, particularly noticeable in primitive optics. Last, and perhaps most telling, is a noticeable curvature in the original painting’s rendition of the scrollwork on the virginal. This effect matched Jenison’s technique precisely, caused by exactly duplicating the view as seen from a curved mirror. This theory remains disputed. There is no historical evidence regarding Vermeer’s interest in optics, aside from the accurately observed mirror reflection above the lady at the virginals in The Music Lesson. The detailed inventory of the artist’s belongings drawn up after his death does not include a camera obscura or any similar device.[58] However, Vermeer was in close connection with pioneer lens maker Antonie van Leeuwenhoek, and Leeuwenhoek was his executor after death.[59] Works See also: List of paintings by Johannes Vermeer and Category:Johannes Vermeer Vermeer produced a total of fewer than 50 paintings, of which 34 have survived.[60] Only three Vermeer paintings were dated by the artist: The Procuress (1656; Gemäldegalerie, Dresden); The Astronomer (1668; Musée du Louvre, Paris); and The Geographer (1669; Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt). Vermeer’s mother-in-law Maria Thins owned Dirck van Baburen’s 1622 oil on canvas The Procuress (or a copy of it), which appears in the background of two of Vermeer’s paintings. The same subject was also painted by Vermeer. Almost all of Vermeer’s paintings are of contemporary subjects in a smaller format, with a cooler palette dominated by blues, yellows, and grays. Practically all of his surviving works belong to this period, usually domestic interiors with one or two figures lit by a window on the left. They are characterized by a sense of compositional balance and spatial order, unified by a pearly light. Mundane domestic or recreational activities are imbued with a poetic timelessness (e.g., Girl Reading a Letter at an Open Window, Dresden, Gemäldegalerie). Vermeer’s two townscapes have also been attributed to this period: View of Delft (The Hague, Mauritshuis) and A street in Delft (Amsterdam, Rijksmuseum). A few of his paintings show a certain hardening of manner and are generally thought to represent his late works. From this period come The Allegory of Faith (c. 1670; Metropolitan Museum of Art, New York) and The Love Letter (c. 1670; Rijksmuseum, Amsterdam). Legacy Théophile Thoré-Bürger Originally, Vermeer’s works were largely overlooked by art historians for two centuries after his death. A select number of connoisseurs in the Netherlands did appreciate his work, yet even so, many of his works were attributed to better-known artists such as Metsu or Mieris. The Delft master’s modern rediscovery began about 1860, when German museum director Gustav Waagen saw The Art of Painting in the Czernin gallery in Vienna and recognized the work as a Vermeer, though it was attributed to Pieter de Hooch at that time.[61] Research by Théophile Thoré-Bürger culminated in the publication of his catalogue raisonné of Vermeer’s works in the Gazette des Beaux-Arts in 1866.[62] Thoré-Bürger’s catalogue drew international attention to Vermeer[63] and listed more than 70 works by him, including many that he regarded as uncertain.[62] The accepted number of Vermeer’s paintings today is 34. Upon the rediscovery of Vermeer’s work, several prominent Dutch artists modelled their style on his work, including Simon Duiker. Other artists who were inspired by Vermeer include Danish painter Wilhelm Hammershoi[64] and American Thomas Wilmer Dewing.[65] In the 20th century, Vermeer’s admirers included Salvador Dalí, who painted his own version of The Lacemaker (on commission from collector Robert Lehman) and pitted large copies of the original against a rhinoceros in some surrealist experiments. Dali also celebrated the master in The Ghost of Vermeer of Delft Which Can Be Used As a Table, 1934. Han van Meegeren was a 20th-century Dutch painter who worked in the classical tradition. He became a master forger, motivated by a blend of aesthetic and financial reasons, creating and selling many new “Vermeers” before turning himself in for forgery to avoid being charged with capital treason for collaboration with the Nazis, specifically, in selling what had been believed to be original artwork to the Nazis.[66] On the evening of 23 September 1971, a 21-year-old hotel waiter, Mario Pierre Roymans, stole Vermeer’s Love Letter from the Fine Arts Palace in Brussels where it was on loan from the Rijksmuseum for the exhibition Rembrandt and his Age.[67] In popular culture See also: Johannes Vermeer in popular culture Vermeer’s reputation and works have been featured in both literature and in films. Tracy Chevalier’s novel Girl with a Pearl Earring (1999), and the 2003 film of the same name, present a fictional account of Vermeer’s creation of the famous painting and his relationship with the equally fictional model. Gallery of selected works The Girl with the Wine Glass (c. 1659), Herzog Anton Ulrich Museum in Brunswick, Germany The Music Lesson or A Lady at the Virginals with a Gentleman (c. 1662–1665), Royal Collection in London Girl with a Pearl Earring (1665), considered a Vermeer masterpiece, Mauritshuis in Den Haag Girl with the Red Hat (c. 1665-1666), National Gallery of Art Mistress and Maid (1666–67) The Art of Painting or The Allegory of Painting (c. 1666–1668), Kunsthistorisches Museum in Vienna The Astronomer (c. 1668), Musée du Louvre in Paris The Geographer (1669), Städel Museum in Frankfurt am Main Lady Writing a Letter with her Maid (c. 1670–71), National Gallery of Ireland in Dublin, Ireland Lady Seated at a Virginal (c. 1670–72), National Gallery in London Notes  Vermeer was baptized as Joannis.[17][15] Jan was the most popular version of the name among Calvinists. Joannis was a Latinazied form of Jan, which was preferred by Roman Catholics and upper-middle class Protestants.[17][15] However, Vermeer was born into a lower-middle class family.[18][19] Still, according to Montias, it is unlikely that his parents were Catholics “at this time [the time of Vermeer’s baptism],” seeing that they “baptized him in the established church.”[17] Throughout his life, Vermeer never used the name Jan. Nevertheless, “most Dutch authors, in the century since his rediscovery, have dubbed him Jan, perhaps unconsciously to bring him closer to the mainstream of Calvinist culture.”[17][15]  His mother was born in Antwerp. When she married Vermeer’s father in 1615, she claimed to be twenty years old, but she may have “exaggerated her age by a year or so.”[20] Digna’s parents were married in Antwerp in 1596.  Neeltge remarried three times, the second time shortly after Jan’s death, in October 1597.[26]  His name was Reijnier or Reynier Janszoon, always written in Dutch as Jansz. or Jansz; this was his patronym. As there was another Reijnier Jansz at that time in Delft, it seemed necessary to use the pseudonym “Vos”, meaning Fox. From 1640 onward, he had changed his alias to Vermeer.  In 1647 Geertruy, Vermeer’s only sister, married a frame maker. She kept on working at the inn helping her parents, serving drinks and making beds.  Catholicism was not a forbidden religion, but tolerated in the Dutch Republic. They were not allowed to build new churches, so services were held in hidden churches (so-called Schuilkerk). Catholics were restrained in their careers, unable to get high-rank jobs in city administration or civic guard. It was impossible to be elected as a member of the city council; therefore, the Catholics were not represented in the provincial and national assembly.  A Roman Catholic chapel now exists at this spot.  The parish registers of the Delft Catholic church do not exist anymore, so it is impossible to prove but likely that his children were baptized in a hidden church.  The number of children seems inconsistent, but 11 was stated by his widow in a document to get help from the city council. One child died after this document was written.  Identifiable works include compositions by Utrecht painters Baburen and Everdingen  He was baptized as Joannis, but buried under the name Jan.[relevant?]  When Catharina Bolnes was buried in 1688, she was registered as the “widow of Johan Vermeer”.  Van Ruijven’s son-in-law Jacob Dissius owned 21 paintings by Vermeer, listed in his heritage in 1695. These paintings were sold in Amsterdam the following year in a much-studied auction, published by Gerard Hoet. References  “The Procuress: Evidence for a Vermeer Self-Portrait”. Retrieved 13 September 2010.  Jonathan Janson, Essential Vermeer: complete Vermeer catalogue; accessed 16 June 2010.  Jennifer Courtney & Courtney Sanford: “Marvelous To Behold” Classical Conversations (2018)  “Jan Vermeer”. The Bulfinch Guide to Art History. Artchive. Retrieved 21 September 2009.  “An Interview with Jørgen Wadum”. Essential Vermeer. 5 February 2003. 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1Comment un orthodontiste voit-il la Joconde des Pays-Bas ? Qu’a écrit W. Bürger, le (re)découvreur de Johannes Vermeer, sur lui et ses tableaux dans ses articles de la Gazette des Beaux Arts ? Quel est le rapport entre le Père Noël, Vermeer et ses contemporains ? Et qu’en est-il de Léonard de Vinci ? Des faits nouveaux, à approfondir, rassemblés par un profane. Découvrez-le par vous-même dans ce livre remarquable !

Jan Vermeer van Delft, auch genannt Johannes Vermeer (getauft 31. Oktober 1632 in Delft; begraben 15. Dezember 1675 in Delft; zeitgenössisch Joannis ver Meer, Joannis van der Meer), ist einer der bekanntesten holländischen Maler des Barocks. Er wirkte in der Epoche des Goldenen Zeitalters der Niederlande, in der das Land eine politische, wirtschaftliche und kulturelle Blütezeit erlebte. Der Umfang des Gesamtwerkes von Jan Vermeer ist mit heute bekannten 37 Bildern sehr klein, wobei aus alten Auktionsaufzeichnungen weitere Titel überliefert sind. Die ersten Werke Vermeers waren Historienbilder, bekannt geworden ist er jedoch für seine Genreszenen, die einen Großteil seiner Arbeiten ausmachen. Die bekanntesten Werke sind durch die heutige Rezeption die Ansicht von Delft und Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge. Aufgrund der geringen Zahl bekannter Bilder wurden ihm im 19. Jahrhundert, einer Zeit gestiegenen Interesses der Forschung über Jan Vermeer und sein Werk, fälschlicherweise Bilder anderer Künstler zugeschrieben. Heute ist sein Werkumfang jedoch von der Forschung allgemein anerkannt. Inhaltsverzeichnis Leben Ausbildung Familienleben und Werk Letzte Jahre und Tod Werk Historienbilder Stadtansichten Moralisierende Bilder Frauendarstellungen Darstellung der Wissenschaften Allegorien Zeichnungen Malmaterialien Künstlerische Innovation Bedeutung Beachtung und Bekanntheit Kunstmarktentwicklung Fälschungen Rezeption Malerei Literatur Film Liste der heute bekannten und Vermeer zugeschriebenen Bilder Literatur Weblinks Einzelnachweise Leben Über das Leben von Jan Vermeer van Delft ist nur wenig bekannt. Er wurde am 31. Oktober 1632 in der Nieuwe Kerk in Delft getauft und war das zweite Kind und der einzige Sohn seiner Eltern. Sein Vater Reynier Jansz kam ursprünglich aus Antwerpen, zog 1611 nach Amsterdam und arbeitete dort als Seidenweber. 1615 heiratete er Digna Baltens und ging unter dem Namen Vos nach Delft, wo er einen Gasthof betrieb. Nebenbei arbeitete er weiter als Weber und trat außerdem der St.-Lukas-Gilde in Delft offiziell als Kunsthändler bei. Dort begegnete Vermeer Malern wie Pieter Steenwyck, Balthasar van der Ast und Pieter Groenewegen. Ausbildung Über die Ausbildung Jan Vermeers zum Maler gibt es keine gesicherten Informationen. Er wurde als Freimeister am 29. Dezember 1653 Mitglied der St.-Lukas-Gilde. Dieser Aufnahme muss eine sechs Jahre umfassende Lehrzeit bei einem von der Gilde anerkannten Maler vorausgegangen sein. Es wird vermutet, dass Vermeer Schüler von Leonaert Bramer gewesen sein könnte. Diese Hypothese fand zwar aufgrund großer Unterschiede im Stil wenig Zustimmung, eine Verbindung Vermeers zu ihm ist jedoch urkundlich nachgewiesen. Weiterhin ist der Kontakt zu Gerard ter Borch belegt.[1] Daneben wurde angenommen, Vermeer sei ein Schüler Carel Fabritius’ gewesen, der von Rembrandt ausgebildet worden sei. Diese Hypothese war seit William Thoré-Bürger im 19. Jahrhundert lange allgemein anerkannt und ist noch heute weit verbreitet, wird jedoch von der Kunstwissenschaft inzwischen bezweifelt. Stattdessen wird Pieter de Hooch, der zwischen 1652 und 1661 in Delft lebte, eine prägende Rolle für die Malerei Jan Vermeers zugewiesen, da de Hoochs Stil in der Genremalerei Vermeers ausgemacht und als verfeinert erkannt wurde. Familienleben und Werk Jan Vermeer heiratete am 20. April 1653 Catharina Bolnes in Schipluiden, einem Dorf in der Nähe von Delft. Die Ehe stieß zunächst auf den Widerstand der Mutter Catharinas, Maria Thins. Ein Grund dafür kann der Calvinismus Vermeers gewesen sein, während Catharina Bolnes katholisch war. Erst nach Fürsprache des Katholiken Leonaert Bramer gab Maria Thins ihre Vorbehalte gegen eine Eheschließung auf. Ob Vermeer zur katholischen Kirche übertrat, ist umstritten. 1660 zog Vermeer mit seiner Ehefrau in den Haushalt seiner Schwiegermutter am Oude Langendijk. Mit Catharina Bolnes hatte er fünfzehn Kinder, von denen vier bereits im frühen Kindesalter starben. Jan Vermeer scheint zu dieser Zeit relativ viel Geld verdient zu haben, weil er seine Kinder ohne Probleme ernähren konnte. Da er durchschnittlich nur zwei Bilder pro Jahr malte,[2] muss er noch weitere Einkommensquellen gehabt haben. Bekannt ist, dass er seine Mutter beim Führen der Schänke „Mechelen“ am Delfter Großen Markt unterstützte, die sie nach dem Tod ihres Ehemannes geerbt hatte und in der Vermeer aller Wahrscheinlichkeit nach auch seinen Kunsthandel betrieb, eine verbreitete Nebentätigkeit niederländischer Maler des 17. Jahrhunderts. In den Jahren 1662 und 1663 sowie 1670 und 1671 war Vermeer Dekan der St.-Lukas-Gilde. Da im 17. Jahrhundert jeder Handwerker und Künstler zum Ausüben seines Berufes Mitglied einer Gilde sein musste, die die Regeln dafür festlegte, war die Position des Dekans eine einflussreiche und belegt, dass Jan Vermeer eine angesehene Persönlichkeit in Delft war. Bereits zu seinen Lebzeiten konnte Jan Vermeer gute Preise für seine Bilder erzielen. Vermeer malte nur wenige seiner Bilder für den freien Kunstmarkt. Seine Bilder gingen meist an Mäzene wie den Bäcker Hendrick van Buyten. Dabei ist nicht bekannt, ob Vermeer mit dem Malen der Bilder beauftragt wurde oder die Mäzene nur ein Vorkaufsrecht auf seine Werke besaßen.[3] Neben seiner künstlerischen Tätigkeit arbeitete Jan Vermeer auch als Kunstexperte. So prüfte er beispielsweise die Echtheit einer Sammlung venezianischer und römischer Bilder, die der Kunsthändler Gerard Uylenburgh dem Kurfürsten von Brandenburg Friedrich Wilhelm für eine Summe von 30.000 Gulden verkaufen wollte. Vermeer reiste 1672 nach Den Haag, wo er die Bilder zusammen mit einem anderen Künstler, Hans Jordaens, begutachtete. Er bestritt vor einem Notar deren Echtheit und erklärte, dass sie höchstens ein Zehntel des geforderten Preises wert seien. Letzte Jahre und Tod Grabplatte Jan Vermeers in Delft In seinen letzten Lebensjahren verschlechterte sich die wirtschaftliche Situation Vermeers, sodass er Kredite aufnehmen musste. Infolge des 1672 ausgebrochenen und bis 1679 andauernden französisch-niederländischen Krieges konnte er keine weiteren Bilder verkaufen. Daneben gab Catharina Bolnes in einer Bitte um teilweisen Schuldenerlass vom 30. April 1676 an, dass ihr Mann während des Krieges Bilder, mit denen er Handel trieb, unter Wert habe verkaufen müssen.[3] 1675 wurde Vermeer krank und starb innerhalb weniger Tage. Am 15. Dezember 1675 wurde er in der Familiengruft in der Oude Kerk in Delft beigesetzt. Seine Frau musste zur Abtragung der Schulden auf ihr Erbrecht verzichten und übertrug es den Gläubigern. Werk Jan Vermeers Gesamtwerk umfasst nach heutiger Kenntnis 37 Gemälde, die durchweg schwer zu datieren sind. Bei den Bildern Junge Frau am Virginal, Mädchen mit Flöte, Diana mit ihren Gefährtinnen und Die heilige Praxedis bestehen jedoch Zweifel an Vermeers Urheberschaft. Die relativ geringe Anzahl der erhaltenen eigenhändigen Werke veranlasste die Forschung immer wieder, ihm weitere Werke zuzuschreiben, die heute meist als falsch erkannt sind. Dazu kommen einige weitere Bilder, die nur durch alte Auktionskataloge oder Stiche bekannt sind, so dass die Frage nach ihrer Authentizität nach derzeitigem Wissensstand offenbleiben muss. Einige der frühesten Bilder von Jan Vermeer lassen sich der Gattung der Historienmalerei zuordnen. Diese nahm im 17. Jahrhundert, vor der Porträt-, Landschafts-, Stillleben- und Tiermalerei, in der Malerei die höchste Stellung ein. Unter die Historienmalerei fielen zur Zeit Vermeers die Darstellung von Ereignissen der Antike, von Mythen und Heiligenlegenden sowie von kirchengeschichtlichen und biblischen Motiven. In der zweiten Hälfte der 50er-Jahre des 17. Jahrhunderts wechselte Jan Vermeer von den Historienbildern zu Stadtansichten und Genreszenen. Der Grund für diesen Wechsel ist nicht bekannt. Es wird jedoch vermutet, dass Vermeer die Historienmalerei nicht in dem Maße zur Wiedergabe der Lichtverhältnisse und Perspektive nutzen konnte, wie dies in den anderen Gattungen der Malerei möglich war. Auch der Einfluss von Pieter de Hooch und Jan Steen, die beide zur Zeit des Stilwechsels in Delft lebten, könnten diesen bewirkt haben. Beide arbeiteten in ihren Bildern mit figürlichen und architektonischen Elementen des alltäglichen Lebens. Weiterhin können de Hooch, Steen und Vermeer von der Atmosphäre in Delft zu dieser Zeit so beeinflusst worden sein, dass sie inhaltliche und stilistische Neuerungen in ihre Kunst einbrachten. Für diese These sprechen Veränderungen im Stil Steens und de Hoochs nach ihrer Ankunft in Delft.[4] Historienbilder Christus bei Maria und Martha (etwa 1654/1655) Diana mit ihren Gefährtinnen (um 1655/1656) Im Vergleich zu den späten Werken Vermeers hatten seine drei frühen Historienbilder Christus bei Maria und Martha mit 160?cm × 142?cm, Diana mit ihren Gefährtinnen mit 98,5?cm × 105?cm und Die heilige Praxedis mit 101,6?cm × 82,6?cm ein großes Format. Ein Beispiel für die Größe der späteren Werke ist Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge, das nur 45?cm × 40?cm misst. In dem Bild Christus bei Maria und Martha, um 1654/1655 entstanden, greift Jan Vermeer eine Stelle aus dem Lukasevangelium auf: Jesus Christus kehrt bei Maria und Martha ein. Während Martha das Essen zubereitet, hört Maria Jesus zu. Martha fragt ihn, warum er Maria nicht dazu auffordere, ihr zu helfen, und erhält die Antwort: „Marta, Marta, du machst dir viele Sorgen und Mühen. Aber nur eines ist notwendig. Maria hat den guten Teil gewählt, der wird ihr nicht genommen werden“ (Lk 10,38-42 EU). Diese Perikope war seit dem 16. Jahrhundert ein häufig in der Malerei behandeltes Sujet, weil sich an ihr das von den Reformatoren aufgezeigte Problem des guten Werkes verdeutlichte, das sie als oberflächliche, äußerliche Handlung betrachteten. Die Komposition ist im Vergleich zu späteren Werken Vermeers schlicht und nach dem Schema der Pyramide angelegt. Martha steht mit einem Brotkorb in der Hand hinter Jesus, der auf einem Stuhl sitzt und dessen Kopf von einem schwachen Heiligenschein umgeben ist. Im Vordergrund sitzt Maria mit aufgestütztem Kopf auf einem Schemel. Diese Geste Marias soll Nachdenklichkeit verdeutlichen. Als Zeichen der Demut trägt sie keine Schuhe. Der ausgestreckte, auf sie zeigende Arm Jesu soll Martha bedeuten, dass ihre Schwester sich für die bessere Tätigkeit entschieden hat. Vermeer setzte kräftige Farbkontraste ein zwischen dem Weiß des Tischtuches und dem Rot von Marias Oberteil sowie dem Blau des Gewandes von Jesus. Vermeer verwendete Smalt für das blaue Gewand von Christus anstelle des üblichen Ultramarins. Das zweite Historienbild Vermeers, Diana mit ihren Gefährtinnen, entstand um 1655/1656. Diana, auch Artemis genannt, ist die jungfräuliche Göttin der Jagd aus der griechischen Mythologie. Auf dem Bild wird sie auf einem Stein sitzend und von vier Nymphen umgeben dargestellt. Diana wurde mit kurzem Gewand oder auch gern als Badende abgebildet. Vermeer stellt sie bekleidet dar, ein Zugeständnis an den Zeitgeist, der Nacktheit als anstößig empfand. So wendet sich auch eine nur halbbekleidete Nymphe hinter Diana vom Betrachter ab und dreht ihm den Rücken zu. Das Bild ist handlungsarm, zwei Nymphen sitzen mit Diana auf dem Stein, eine steht im Hintergrund und betrachtet, wie die Vierte einen Fuß Dianas wäscht. Diese rituelle Handlung stellt einen Bezug her zum Motiv der Fußwaschung beim letzten Abendmahl. Es dämmert, weshalb die Gesichter der Frauen im Schatten liegen. Die Dunkelheit und das Diadem mit der Mondsichel sind eine Anspielung auf die häufige Gleichsetzung Dianas mit der Mondgöttin Selene. Dem Bild Diana mit ihren Gefährtinnen wurden, vor allem in der Darstellung der Körperhaltungen, Mängel nachgesagt. Deshalb wurden wiederholt stilkritische Zweifel laut, dass es überhaupt ein Werk Vermeers sei. Diese Zweifel lassen sich bis heute weder bestätigen noch entkräften. Stadtansichten Ansicht von Delft (etwa 1660/1661) Vermeer malte zwei Bilder mit Bezug zu seiner Heimatstadt: die Straße in Delft und die Ansicht von Delft. Stadtansichten wurden meist infolge von öffentlichen oder privaten Aufträgen, nur selten für den freien Markt gemalt. Sie erzielten deshalb auch höhere Preise als nicht auftragsgebundene Landschaftsbilder. Das Bild Ansicht von Delft entstand wohl um 1660/1661. Jan Vermeer gestaltete es wahrscheinlich mit Hilfe einer Camera obscura von einem höheren Stockwerk eines Hauses aus. Der Umstand des erhöhten Standpunktes wird vor allem an der Aufsicht der Figuren am linken unteren Bildrand deutlich. Das Bild zeigt eine Ansicht der Stadt mit dem Fluss Schie im Vordergrund. Jan Vermeer ordnete hier, ähnlich wie in seinen anderen Bildern, die architektonischen Elemente parallel zum Bildrand an, im Gegensatz zu anderen Malern, die mit in die Tiefe führenden Straßen das Innenleben einer Stadt zugänglich machen wollten. Daneben legte Vermeer in der Komposition im Vordergrund einen dreieckigen Uferstreifen an. Dieses Element, das von Pieter Brueghel eingeführt wurde, fand häufig Verwendung, beispielsweise in dem Bild Blick auf Zierikzee von Esaias van de Velde. Vermeer benutzte für die Farbgebung seiner Delfter Ansicht vor allem Braun- und Ockertöne. Auf die im Schatten liegenden Gebäude im Vordergrund und an die Schiffsrümpfe setzte er Farbtupfen, um die Fugenstruktur und die Verkrustungen zu zeigen. Das die Wolken durchbrechende Licht beleuchtet vor allem sich im Hintergrund befindende Gebäude und den Turm der Nieuwe Kerk. Mit dem hell erleuchteten Kirchturm wollte Jan Vermeer vermutlich ein politisches Statement abgeben.[5] In der Nieuwe Kerk befand sich das Grabmal des 1584 bei einem Attentat in Delft gestorbenen Wilhelm I. von Oranien, der als Held des Widerstandes gegen Spanien galt. Moralisierende Bilder Bei der Kupplerin (1656) Schlafendes Mädchen (etwa 1657) Bei der Kupplerin aus dem Jahr 1656 ist das früheste Bild Jan Vermeers, das der Genremalerei zuzuordnen ist. Wahrscheinlich ist, dass Vermeer sich von dem gleichnamigen Bild des Malers Dirck van Baburen, das sich im Besitz seiner Schwiegermutter Maria Thins befand, inspirieren ließ.[6] Dieses Bild erscheint weiterhin in einigen Werken Vermeers als Anspielung auf das behandelte Thema. Bei der Kupplerin lässt sich der Kategorie des „Bordeeltje“, des Bordellbildes, zuordnen, die eine Unterkategorie des Genrebildes darstellt. Das Bild zeigt vier Personen, zwei Frauen und zwei Männer. Für eine konkrete Bezeichnung der Figuren fehlt die Klarheit, ob es sich tatsächlich um eine Szene in einem Bordell handelt oder um eine häusliche Szene. Im ersten Fall würde es sich bei der Frau am rechten Bildrand um eine Prostituierte handeln, bei dem Mann, der hinter ihr steht, um einen Freier. Die schwarz gekleidete Frau wäre die Kupplerin, die das Geschäft organisiert hätte. Handelt es sich jedoch um eine häusliche Szene, würde das Bild das Entstehen einer außerehelichen Beziehung darstellen. In diesem Fall wäre die Kupplerin wohl eine Frau aus der Nachbarschaft, welche diese Beziehung organisiert hätte. Bei dem Mann mit dem Wasserglas am linken Rand des Bildes könnte es sich um Vermeer selbst handeln. Es wäre sein einziges Selbstbildnis. Von den abgebildeten Personen sind nur die Oberkörper sichtbar, da sich im Vordergrund ein Tisch befindet. Diese Komposition des Bildes erzeugt beim Betrachter Distanz zu den Figuren. Da Genrebilder auch Werte vermitteln sollten, enthielten sie oft Mahnungen. Durch das Weinmotiv, dargestellt in der Karaffe und dem Weinglas in der Hand der Prostituierten, deren Wangen durch den Alkoholkonsum gerötet sind, sollte vermittelt werden, dass der Mensch trotz der sinnlichen Verführungen bei klarem Verstand bleiben sollte. Der zentrale Aspekt des Bildes, die Käuflichkeit der Liebe, wird nur indirekt dargestellt, indem die Prostituierte ihre Hand öffnet, um eine Münze von dem Freier entgegenzunehmen. Damit ist Vermeer im Vergleich mit anderen Künstlern, die drastischere Anspielungen verwendeten – wie zum Beispiel Frans van Mieris, der im Hintergrund des Bildes Der Soldat und das Mädchen kopulierende Hunde darstellte – relativ zurückhaltend. Das Bild Schlafendes Mädchen, das um 1657 gemalt wurde, ist ein weiteres Werk Vermeers mit moralisierender Aussage. Die abgebildete junge Frau sitzt an einem Tisch, der mit einem orientalischen Teppich bedeckt ist. Dieser bildet am vorderen Ende des Tisches ein Dreieck und wurde von Vermeer zusammen mit einer Weinkaraffe und einem Obstteller arrangiert. Die Frau schläft und stützt dabei ihren Kopf mit dem Arm ab, was symbolisch den Müßiggang unterstreichen soll. Die Kleidung lässt erkennen, dass es sich nicht um eine Dienstmagd, sondern um eine den Haushalt verwaltende Ehefrau handelt. Jan Vermeer hatte anfangs in dem Bild mehrere erzählerische Elemente verwendet, um die Frau innerhalb des Bildes interagieren zu lassen. So zeigte eine Röntgenuntersuchung, dass sich in der Tür ein Hund und im linken Bildhintergrund ein Mann befanden, die später übermalt wurden. Damit wurde das Bild von der Komposition her für Interpretationen offener. Das Motiv des Weingenusses wird in diesem Bild durch die Karaffe erneut aufgegriffen und bestimmte auch den Titel des Bildes als Ein betrunkenes, schlafendes Mädchen an einem Tisch beim Verkauf am 16. Mai 1696: Infolge des durch den Weinkonsum bedingten Schlafes vernachlässigt die Frau ihre Pflichten im Haushalt. Frauendarstellungen Briefleserin am offenen Fenster (mit übermaltem Cupido) (etwa 1657) Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge (etwa 1665) Die meisten Darstellungen von Frauen in den Bildern Vermeers legen eine Geschichte nahe, wobei Attribute wie etwa Musikinstrumente oder Haushaltsgegenstände die Vorstellung der Handlung beeinflussen. Nur drei Bilder unterscheiden sich in größerem Maß davon und können als Porträts bezeichnet werden. Das Bild Briefleserin am offenen Fenster, das um 1657 und damit in Vermeers Frühphase gemalt wurde, zeigt eine Frau mit einem Brief, der hauptsächlich die Handlung des Bildes bestimmt. Das Element des Briefes greift Vermeer auch in anderen Bildern auf. In diesem Bild zeigt der Künstler eine in der Mitte des Bildes positionierte Frau mit einem Brief in der Hand vor einem offenen Fenster. Im Vordergrund steht ein Tisch, davor befindet sich am rechten Bildrand ein Vorhang. Die Frau ist im Profil abgebildet, der Betrachter kann jedoch die Andeutung ihres Gesichts als Spiegelung im Fenster sehen. Dass es sich bei dem Brief wahrscheinlich um einen Liebesbrief handelt, wird an Details deutlich wie der Andeutung des Sündenfalls durch die mit Pfirsichen und Äpfeln gefüllte Obstschale. Der Vorhang, der im Vordergrund zu sehen ist, kann diese Aussage noch verstärken, wenn er als Zeichen der Offenbarung zur Seite geschoben ist. Es kann jedoch auch sein, dass er lediglich eines von Vermeer mehrmals benutzten Elementen der Komposition ist. Rechts neben der Briefleserin wurde bei einer Röntgenaufnahme 1979 ein nackter Amor entdeckt, der mit mehreren Schichten überholt wurde. Er hat in etwa dieselbe Größe wie das Mädchen. Laboruntersuchungen haben ergeben, dass die Übermalung zweifelsfrei nicht von Vermeer stammt.[7] Im Zuge einer Restaurierung wurden auch diese Übermalungen entfernt. Das Bild ist seit September 2021 wieder im Originalzustand, also mit Cupido, öffentlich zu sehen.[8] In den meisten Frauendarstellungen von Jan Vermeer spielen moralische Aussagen eine bedeutende Rolle. Auch in den Bildern mit musizierenden Frauen wird dieses Thema aufgegriffen. Ein Beispiel dafür ist das zwischen 1673 und 1675 entstandene Werk Stehende Virginalspielerin. Schon der Name des Instrumentes Virginal ist eine Anspielung auf die Jungfräulichkeit des abgebildeten Mädchens. Sie ist vor allem vor dem Hintergrund zu verstehen, dass im 17. Jahrhundert in den Niederlanden strikt darauf geachtet wurde, dass die Frau bis zur Heirat keinen Geschlechtsverkehr hatte. Das Bild mit der Cupidodarstellung im Bildhintergrund bildet einen Kontrast zu diesem Moralverständnis. Das populärste Bild von Jan Vermeer ist das um 1665 entstandene Porträt Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge. Diese Bekanntheit beruht vor allem auf der modernen Rezeption und darauf, dass dieses Werk der Aufhänger einer erfolgreichen Vermeer-Ausstellung im Mauritshuis in Den Haag in den Jahren 1995 und 1996 war. Das abgebildete Mädchen ist aus unmittelbarer Nähe und ohne erzählerische Attribute dargestellt, was dieses Bildnis von den anderen Werken Vermeers deutlich abhebt. Es ist nicht bekannt, wer die Abgebildete ist. Es könnte sich um ein Modell handeln, vielleicht war das Bild aber auch eine Auftragsarbeit. Der Hintergrund des Bildes ist neutral und sehr dunkel, durch seine Vielfarbigkeit aber nicht schwarz. Der dunkle Hintergrund verstärkt die Helligkeit des Mädchens, insbesondere die seiner Haut. Es neigt den Kopf, was den Anschein von Gedankenverlorenheit beim Betrachter hervorruft. Das Mädchen interagiert mit dem Betrachter, indem es ihn direkt anblickt und den Mund leicht geöffnet hält, was in der niederländischen Malerei häufig die Andeutung einer Ansprache des Bildbetrachters darstellt. Die Kleidung des Mädchens wurde von Vermeer mit annähernd reinen Farben gemalt, die Anzahl der auf dem Bild vorhandenen Farben ist begrenzt.[9] Die Jacke des Mädchens ist bräunlichgelb und bildet damit einen Kontrast zum blauen Turban und zum weißen Kragen. Der Turban mit dem gelben herabfallenden Tuch ist ein Zeichen für das in der damaligen Zeit vorhandene Interesse an der morgenländischen Kultur in der Folge der Türkenkriege. Im 17. Jahrhundert waren Turbane deshalb ein beliebtes und weit verbreitetes Accessoire in Europa. Daneben fällt besonders die Perle am Ohr des Mädchens auf, die aus der Schattenzone des Halses hervorsticht. Darstellung der Wissenschaften Der Astronom (1668) Der Geograph (1668/1669) In dem Gemälde Der Astronom aus dem Jahr 1668 sowie dem Parallelbild Der Geograph, das in den Jahren 1668 und 1669 entstand, setzt Jan Vermeer Disziplinen der Wissenschaft und deren Vertreter in Szene. Auch in einigen anderen Bildern wie Der Soldat und das lachende Mädchen finden sich Anspielungen, etwa Gerätschaften oder im Bildhintergrund dargestellte Karten. Die Kartografie war eine junge Wissenschaftsdisziplin und befand sich noch in der Entwicklung, insbesondere hinsichtlich der verschiedenen Verfahren von Kartenprojektionen, durch deren Entwurf ein flaches Bild der runden Erde gezeigt werden konnte. Im 17. Jahrhundert waren Karten ein Luxusgut, sie stehen in Vermeers Bildern nicht nur als ein Zeichen von Reichtum, sondern auch für Bildung. Darüber hinaus verweisen sie auf die Stellung der Niederlande als einer See- und Handelsmacht, die im Fernhandel weltweit aktiv und mit den ertragsreichen Niederländischen Kolonien eine bedeutende Kolonialmacht war. In ihrem Goldenen Zeitalter verstand sich die Republik der Vereinigten Niederlande militärisch, wirtschaftlich und wissenschaftlich als Weltmacht. Ihre Vorherrschaft im Überseehandel konnte sie nach dem Zweiten der Englisch-Niederländischen Kriege im Frieden von Breda 1667 noch behaupten, hatte sich aber aus Nordamerika zurückgezogen und das vormalige Nieuw Amsterdam hieß nun New York. Nach dem Rampjaar Hollands von 1672 bekamen die Sieben Provinzen wieder einen Statthalter, Wilhelm III. (Oranien), der dann in Personalunion nach der britischen Glorious Revolution von 1688 im Vereinigten Königreich auch König von England, Schottland und Irland wurde. Das Bild Der Geograph zeigt in Bildmitte den Wissenschaftler in einem Zimmer neben dem Fenster stehend als zentrales Motiv. Er trägt eine lange Robe und sein langes Haar hinter die Ohren gestrichen offen. Vor ihm liegt eine entrollte Karte ausgebreitet, die im einfallenden Licht hell aufscheint. Ein die Tischplatte bedeckender Bildteppich ist beiseite geschoben und hängt Falten werfend im Vordergrund über den Tisch bis auf den Boden, sodass die stützende Konstruktion darunter verborgen bleibt. Daneben ist eine niedrige Truhe zu sehen, auf dem Boden dahinter liegen gerollte Kartenblätter. An der Wand im Hintergrund steht ein hoher Schrank, darauf ein Globus. Der Geograph hält in der rechten Hand einen Stechzirkel, mit dem auf einer Karte Entfernungen abgetragen werden, mit der linken stützt er sich auf ein Kantholz, das zum Glattstreichen und Fixieren des Kartenblatts dient. Er ist in einem Augenblick dargestellt, da er den Kopf hebt und sein Blick nach draußen in die Ferne geht. Sein Gesicht leuchtet im Lichteinfall auf, sodass dessen noch jugendlichen Züge im Halbprofil zu erkennen sind. Requisiten, Bekleidung und Erscheinung lassen den Geographen in dieser Szene als geheimnisvollen Charakter wirken. Mit diesen Darstellungen eines Geographen und eines Astronomen griff Jan Vermeer einen wichtigen Paradigmenwechsel auf. Bis in das 17. Jahrhundert hinein war es verpönt, sich mit der Ausdehnung, Gestalt und Geschichte der Erde sowie mit den Sternen zu beschäftigen. Dies wurde als Zuwiderhandlung gegen den Heilsplan Gottes verstanden und als vermessen betrachtet. Trotzdem entwickelten sich die Wissenschaften, die sich mit der Erde und den Sternen auseinandersetzten, seit dem Ende des 15. Jahrhunderts in großem Umfang weiter. Seit den außereuropäischen Entdeckungen in Amerika, Asien und Afrika benötigten Kaufleute, Seefahrer und Adelige immer mehr geographisches Wissen, das in Büchern, Karten und Globen aufbereitet wurde.[10] Allegorien Die Malkunst (etwa 1665/1666 oder 1673?) Bildausschnitt mit der Muse Klio im Detail Jan Vermeer malte neben seinen naturalistischen Bildern, die sich meistens mit Themen aus dem Alltag beschäftigten, auch zwei Allegorien, in denen er abstrakte Themen personifizierte und durch Symbole und Verweise persönlich dazu Stellung nahm. Diese beiden Bilder tragen die Titel Allegorie des Glaubens, entstanden zwischen 1671 und 1674, und Die Malkunst (Allegorie der Malerei). Dabei stützte Vermeer sich auf Cesare Ripas Abhandlung über Ikonografie. Die Allegorie der Malerei hat eine Größe von 130?cm × 110?cm, womit es eines der größten Gemälde Vermeers ist. Das Bild wurde von vielen Kunsthistorikern als Vermeers malerisches Vermächtnis betrachtet. So verwendete Hans Sedlmayr den Titel Der Ruhm der Malkunst.[11] Diese Betitelung ist auf den Namen des Bildes bei der Schuldentilgung nach Vermeers Tod zurückzuführen, als es „Ein Stück Malerei, […], worauf die Malkunst dargestellt ist“ hieß.[12] Das Bild zeigt ein Atelier, das eventuell von Vermeers eigenem inspiriert war, da ein Eichentisch wie der dargestellte in dessen Inventarliste auftauchte. Auf diesem Tisch befindet sich neben einem Buch, Symbol der Weisheit und der Kontemplation, auch ein Heft, das als Symbol der künstlerischen Eingebung zu verstehen ist.[13] Als zentrale Person in diesem Bild sitzt der Maler in der Mitte des Bildes vor einer fast leeren Leinwand. Er wendet dem Betrachter den Rücken zu, so dass er seine Anonymität wahrt. Im Bildhintergrund befindet sich eine junge Frau, die dem Maler Modell steht. Sie trägt eine blaue Robe aus Seide und einen gelben Rock. In ihrer linken Hand hält sie ein Buch, in ihrer Rechten eine Trompete. Auf ihrem Kopf trägt sie einen Kranz aus Lorbeerblättern, alles ewigen Ruhm darstellend. Die leere Leinwand galt seit der Renaissance als ein Symbol für die künstlerische Idee, die im Malprozess dann Gestalt annimmt. Dass der Maler an einem Bild arbeitet, während auf dem Tisch eine Maske liegt, wurde als Ergebnis des Wettstreites der Künste, des „Paragone“, gedeutet. Somit hätte die Malerei über die Bildhauerei triumphiert. Nach dem heutigen Stand der Forschung wird angenommen, dass die junge Frau nicht einfach ein Modell ist – oder Fama –, sondern die Muse Klio darstellt.[14] Diese ist in der griechischen Mythologie die Muse der Geschichtsschreibung und Heldendichtung. Damit ist das Thema des Bildes nicht die Malerei, sondern die Geschichte! Dies versinnbildlicht auch die Karte von Nicolaes Visscher an der Wand im Hintergrund, welche die siebzehn Provinzen vor dem Waffenstillstand mit Spanien 1609 zeigt.[15] Die Karte aus dem Jahre 1636 ist an beiden Rändern mit Stadtansichten gesäumt, und Klio steht vor Den Haag mit der Ansicht des königlichen Hofes. Dies kann als Huldigung Vermeers an Wilhelm III. von Oranien gedeutet werden. Das Bild könnte in der Anfangszeit des Französisch-Niederländischen Krieges entstanden sein, der von 1672 bis 1678 dauerte, zu einer Zeit innerer Unruhen in den Niederlanden, in der die Hoffnung auf den Oraniern ruhte. Daneben wird eine positive Einstellung gegenüber dem Heiligen Römischen Reich Deutscher Nation zum Beispiel durch den Kronleuchter mit dem habsburgischen Doppeladler deutlich. Das Bild ist somit kein Lob der Malerei, sondern vielmehr eine Stellungnahme Vermeers zur aktuellen politischen Situation in den Niederlanden.[16][17] Zeichnungen Es gibt keine Zeichnungen, die Jan Vermeer zweifelsfrei zugeordnet werden können. Ihr Fehlen hat dazu geführt, dass viele Autoren davon ausgehen, dass Vermeer keine Studienzeichnungen für sein Schaffen benötigte. Dem entgegen steht die umstrittene Zeichnung Magd mit Fußwärmer, die von Befürwortern Vermeer zugeschrieben und auf das Jahr 1655 datiert wird. Sie ist 25,5 cm × 16,5 cm groß, mit Kreide auf blauem Papier ausgeführt und befindet sich heute in der Graphischen Sammlung im Schlossmuseum Weimar. Befürworter führen die Zuordnung der Zeichnung zu Vermeer vor allem auf stilistische Gemeinsamkeiten und die Ähnlichkeit des Monogramms auf dem Fußwärmer mit den Signaturen auf den Gemälden Briefleserin am offenen Fenster und Ansicht von Delft zurück. Zweifler führen beispielsweise das blaue Zeichenpapier als Begründung für ihre Position an, da sie davon ausgehen, dass dieses Papier erst in späteren Jahrhunderten hergestellt wurde. Dem widerspricht eine Darstellung Karel van Manders, der vor Vermeer lebte und Autor des Schilderboeks war. Van Mander führte einen Schüler des Porträtisten Michiel Miereveld aus Delft: „Er ist eifrig im Untersuchen der reifsten Schönheit der Malkunst, praktiziert im Kolorieren verschiedene selbsterfundene Manieren, zeichnet dazwischen auch auf blauem Papier …“ Das bedeutet, dass es schon lange vor Jan Vermeer im Delfter Gebiet blaues Zeichenpapier gab.[18] Malmaterialien Die Wahl der verwendeten Malerfarben war ein wichtiger Aspekt der aufwändigen Maltechnik Vermeers. Er ist vor allem für seine großzügige Verwendung des teuren natürlichen Ultramarins bekannt („Dienstmagd mit Milchkrug“ und „Briefleserin in Blau“). Charakteristisch für ihn waren auch die Pigmente Bleizinngelb („Briefschreiberin in Gelb“), Krapplack („Christus bei Maria und Martha“) und Zinnober. Für seine Stadtansichten und Hintergründe setzte Vermeer auch Erdfarben, Beinschwarz und das billigere blaue Pigment Azurit ein.[19][20] Künstlerische Innovation Jan Vermeer war in der Malerei seiner Zeit ein Vorreiter neuer Gestaltungsprinzipien. Er verwendete eine ausgewogene Aufteilung der Flächen, mit der er auch komplexe Sachverhalte und Strukturen einfach und mit wenigen Elementen darstellte. Dabei spielte die Geometrie eine wichtige Rolle für die Komposition. Vermeer ging in seinen Bildern so mit dem Licht um, dass annähernd der Eindruck von Freilichtmalerei erreicht wurde. Weiterhin verwendete er keine grauen Farbtöne zur Darstellung von Schatten. Der niederländische Maler Vincent van Gogh schreibt an den französischen Maler Émile Bernard: „Es stimmt, dass man in den paar Gemälden, die er gemalt hat, die ganze Farbtonleiter finden kann; doch das Zitronengelb, das blasse Blau und Hellgrau zu vereinen ist bei ihm so kennzeichnend, wie bei Velázquez die Harmonisierung von Schwarz, Weiß, Grau und Rosa.“ Es wird immer wieder behauptet, dass Jan Vermeer beim Malen seiner Bilder eine Camera obscura benutzte.[21] Norbert Schneider zum Beispiel schreibt:[22] „Wir wissen heute, dass Vermeer bei den meisten seiner Bilder Gebrauch von der Camera obscura gemacht hat, und zwar in einer Weise, die die Konditionen dieses Mediums nicht verhehlt, sondern geradezu sichtbar macht, wie an den Randunschärfen und Lichtpunkten, dem berühmten ‚Pointillé‘ zu erkennen ist. Die Bilder erhalten bei ihm auf diese Weise eine ‚abstrakte‘ Qualität, da sie nicht vorgeben, die Wirklichkeit so, wie sie ist, wiederzugeben, sondern so, wie man sie sieht, […] Man kann sagen, dass die ‚Camera obscura zu einer Quelle des Stils‘ wird.“ Nicht alle Experten teilen diese Meinung. In einer Vielzahl von Studien ist das Thema untersucht worden. Doch selbst unter jenen Wissenschaftlern, die sich sicher sind, dass Vermeer in der Tat mit einer Camera Obscura gearbeitet habe, werden immer noch große Debatten darüber geführt, in welchem Umfang er dies tat.[23] Die Diskussionen fingen an, als der US-amerikanische Lithograph, Joseph Pennell 1891 bei dem Vermeer-Bild Der Soldat und das lachende Mädchen erstmals auf die fotografischen Perspektiven hingewiesen hat. 1934 machte Paul Claudel erneut die Kunstgeschichte auf die photographischen Qualitäten der Kunst Vermeers aufmerksam.[24] Charles Seymour[25] und Arthur K. Wheelock jr.[26] behaupten unter Verweis auf die zu erkennenden Halo-Lichteffekte, dass Vermeer für seine Ansicht von Delft, Die Malkunst, das Mädchen mit rotem Hut und Die Spitzenklöpplerin eine Camera Obscura benutzt habe. Jørgen Wadum dagegen legt mehr Wert auf Vermeers Entwicklung und seine Qualitäten als Maler von Perspektiven: Dreizehn Gemälde haben ein kleines Loch, das mit einer Nadel in das Leinen gestochen wurde.[27] Bedeutung Beachtung und Bekanntheit Jan Vermeer und sein Werk blieben zu seinen Lebzeiten den meisten unbekannt, da seine Gemälde über einen kleinen Kenner- und Liebhaberkreis hinaus kaum Beachtung fanden. Das lag an seinem kleinen Gesamtwerk und daran, dass nur selten Gemälde von ihm auf Auktionen gehandelt wurden.[28] Zwar wurde die Qualität der Werke Vermeers wahrgenommen, jedoch fand sein Gesamtwerk kaum Beachtung. Im 17. und 18. Jahrhundert geriet Jan Vermeer nicht vollkommen in Vergessenheit, wurde jedoch nur selten in der Literatur erwähnt. Dabei wurde sein Werk meist gelobt. Mit Beginn des 19. Jahrhunderts wuchs das Interesse an Jan Vermeer wieder, auch wenn kaum biographische Informationen über ihn bekannt waren. Vermeers Bilder wurden in Auktionskatalogen besonders angepriesen und erzielten hohe Preise. Daneben wurde Vermeers Werk durch Künstler aufgegriffen, so wie beispielsweise durch Wybrand Hendriks, der die Ansicht von Delft kopierte und Genreszenen im Stile Vermeers malte. 1821 veröffentlichte Christian Josi einen Aufsatz mit dem Titel Discours sur l’état ancien et moderne des arts dans les Pays-Bas, in dem er alle Informationen über Vermeer zusammenzutragen versuchte und dessen Werk rühmte.[29] Nachdem Vermeers Gemälde Ansicht von Delft in der Literatur besonders gerühmt worden war, entschied sich König Wilhelm I. der Niederlande für den Ankauf dieses Werkes durch das Mauritshuis. In der dortigen Königlichen Galerie wurde der britische Kunstsammler John Smith auf das Werk Jan Vermeers aufmerksam.[30] Smith erwähnte Vermeer in seinem Verzeichnis von Gemälden aus Frankreich, Flandern und den Niederlanden, das acht Bände umfasste. Den niedrigen Bekanntheitsgrad Vermeers erklärte Smith mit dessen kleinem Gesamtwerk. In Anbetracht dessen wunderte sich John Smith über Vermeers Kunstfertigkeit, weshalb er ihn für einen Imitator und Schüler anderer Maler hielt. Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde Vermeers Malerei breiter rezipiert. Der französische Publizist und Politiker William Thoré-Bürger lernte auf seinen Reisen durch Holland und Belgien die niederländische Malerei aus dem 17. Jahrhundert kennen, darunter auch Werke Vermeers. Thoré-Bürger erkannte dabei, dass der Realismus in der Darstellung des Alltagslebens den Vorstellungen der Ästhetik seiner Zeit entsprach. Er verhalf Vermeer mit drei sehr positiven Zeitschriftenaufsätzen zum Durchbruch. In diesen Aufsätzen katalogisierte William Thoré-Bürger die Werke Vermeers und charakterisierte dessen Malerei. Mit der Arbeit Thoré-Bürgers ging Jan Vermeer erstmals in größerem Ausmaß in die Kunstliteratur ein. Die Impressionisten kamen durch die Beobachtung des Lichts zu ähnlichen Feststellungen wie Vermeer, dessen Bilder die Lichtverhältnisse in ihrer natürlichen Art wiedergaben. So erfuhren Jan Vermeer und sein Werk immer größere Würdigung. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden Gemälde Vermeers, wie zum Beispiel das Mädchen mit rotem Hut, in Privatsammlungen wiederentdeckt.[29] Diese Werke waren anderen Künstlern wie Gabriel Metsu und Pieter de Hooch zugeschrieben worden. Jedoch wurden durch Thoré-Bürger und andere Kunstkritiker und Kunsthistoriker auch fälschlicherweise Werke Jan Vermeer zugeordnet, wie etwa die von Jacobus Vrel und Jan Vermeer van Haarlem. So beschäftigte sich die Vermeer-Forschung im 20. Jahrhundert vor allem mit der genauen Feststellung des Gesamtwerkes. Heute zählt Jan Vermeer zu den populärsten niederländischen Malern. So besuchten 1995/96 in nur 14 Wochen 460.000 Besucher die Den Haager Ausstellung Johannes Vermeer, in der 22 seiner Werke zu sehen waren. Außergewöhnlich war, dass alle Tickets bereits im Vorverkauf verkauft wurden. Dieselbe Ausstellung in Washington, D.C. besuchten 327.551 Besucher. Kunstmarktentwicklung Jan Vermeer wurde von Mäzenen unterstützt, die einen Großteil seiner Werke erwarben. Eine bedeutende Sammlung seiner Werke befand sich dabei im Besitz des Druckereibesitzers Jacob Dissius und seiner Frau Magdalena van Ruijven, die nach einer 1682 verfassten Inventarliste 19 Gemälde Vermeers besaßen. Einige der Bilder stammten aus dem Besitz ihres Vaters Pieter Claesz. van Ruijven. Andere können aber auch von Magdalena van Ruijven, Jacob Dissius oder dessen Vater, Abraham Jacobsz Dissius, erworben worden sein, als am 15. Mai 1677 im Saal der Lukasgilde 26 Werke Vermeers aus dessen Nachlass verkauft wurden. So haben wahrscheinlich beide Familien bedeutende Stücke aus Vermeers Gesamtwerk erworben.[31] Kommerziell hatten die Werke Vermeers eine herausgehobene Stellung. So wurden am 16. Mai 1696 bei einer Auktion von Gerard Houet 134 Bilder versteigert, von denen 21 Stücke Gemälde Vermeers gewesen sein sollen. Die geforderten Preise für diese Bilder lagen zwischen 17 und 200 Gulden. Dass seine Bilder so hohe Preise erzielten, ist ein Zeichen dafür, dass Vermeer ein gesuchter Künstler war. In der gleichen Auktion wurde beispielsweise ein Kopfbildnis von Rembrandt für etwas über sieben Gulden und eine Carel Fabritius zugeschriebene Enthauptung Johannes des Täufers für 20 Gulden verkauft, was den Stellenwert Vermeers unterstreicht. Mit zunehmender Bekanntheit und Beliebtheit Vermeers zu Beginn des 19. Jahrhunderts stiegen auch die Preise. So wurde Der Geograph 1798 für sieben Louis gekauft und 1803 für 36 wieder verkauft. Ein Jahr später erwarb der Staat auf Wunsch des Königs die Ansicht von Delft für die damals extrem hohe Summe von 2900 Gulden und ließ es dem Mauritshuis zukommen.[29] Ende des 19. Jahrhunderts wurden immer mehr Werke Vermeers zu immer höheren Preisen gehandelt. Amerikanische Millionäre wie John Pierpont Morgan, Henry Clay Frick, Henry Marquand und Isabella Stewart Gardner kauften Vermeers und wurden von den Museen umworben, ihnen diese zu leihen und auch zu übereignen. Ein Beispiel für die Preisentwicklung ist die Allegorie des Glaubens. 1899 erwarb Abraham Bredius dieses Gemälde für rund 700 Gulden und lieh es in der Folge dem Mauritshuis und dem Boymans van Beuningen Museum. Schließlich verkaufte Bredius das Bild für 300.000 Dollar an den Amerikaner Michael Friedsam, der es dem Metropolitan Museum hinterließ.[32] Für 625.000 Gulden erwarb Henri W. A. Deterding 1921 das Bild Straße in Delft aus der nach dem Kunstsammler Jan Six benannten Collectie Six und schenkte es dem holländischen Staat. Auf Deterdings Verfügung hin wird das Bild im Rijksmuseum in Amsterdam gezeigt.[33] Die Preisentwicklung und die große Nachfrage machten Vermeer für Fälscher attraktiv. 1940 erwarb Adolf Hitler Die Malkunst (Allegorie der Malerei) für 1.650.000 Reichsmark von den Österreichern Eugen und Jaromir Czernin. Die Steuern von etwa 500.000 Reichsmark wurden ebenfalls durch Hitler übernommen. Im Vorfeld gab es schon mehrere Kaufangebote, unter anderem über sechs Millionen Dollar vom US-Staatssekretär Andrew Mellon, die Ausfuhrgenehmigung wurde aber nicht erteilt.[34] Das Bild war für das geplante Kunstmuseum in Linz vorgesehen und befand sich nach dem Erwerb durch Hitler zunächst in München. Gegen Ende des Zweiten Weltkrieges wurde es im Salzbergwerk Altaussee versteckt und nach Kriegsende von Angehörigen der US-Armee geborgen.[35] Diese übergaben Die Malkunst dem Kunsthistorischen Museum in Wien. 2004 wurde das Bild Junge Frau am Virginal für 30 Millionen Dollar durch Steve Wynn ersteigert. Es war das erste Mal seit 1921, dass ein Werk Vermeers auf einer Auktion angeboten wurde.[36] Fälschungen Da die Urheberschaft Vermeers heute nur bei 37 Bildern als gesichert gilt, gab es immer wieder Gerüchte über die Existenz weiterer Bilder, deren Aufbewahrungsort bisher nur nicht bekannt sei. Dieser Umstand führte dazu, dass immer wieder Fälscher angeblich bisher unentdeckte Bilder Vermeers herstellten und auf den Kunstmarkt brachten. Die Nachfrage nach Werken Vermeers war so groß, dass sie nicht durch sein kleines Gesamtwerk abgedeckt werden konnte. Der Niederländer Han van Meegeren stellte so perfekte Fälschungen her, dass selbst der Vermeer-Experte Abraham Bredius Expertisen über die Echtheit dieser Bilder ausstellte. Dieser bestätigte unter anderem die Echtheit des Emmausmahls von van Meegeren, welches das Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam 1938 erwarb. Daneben kaufte auch der deutsche Reichsmarschall Hermann Göring eine Fälschung von Han van Meegeren, ebenso wie der niederländische Staat. Dieser kaufte das Bild Fußwaschung im Jahre 1943, das sich heute im Rijksmuseum in Amsterdam befindet. Neben Bredius stellten auch Wilhelm von Bode und der Direktor des Mauritshuis, Wilhelm Martin, Expertisen für falsche Vermeers aus. Diese Bilder gehören heute der National Gallery of Art in Washington. Inzwischen kann mit Untersuchungsmethoden eindeutig bestimmt werden, ob Jan Vermeer zugeschriebene Werke überhaupt zu seinen Lebzeiten gemalt worden sein können. Fälschungen mit Bleipigmenten aus heutigem Blei bzw. Bleiverbindungen weisen eine abweichende Isotopenzusammensetzung auf und können mit Hilfe der Blei-210-Methode erkannt werden. Blei-210 ist ein aus Radium-226 entstehendes Bleiisotop der Uran-238-Zerfallsreihe, das mit einer Halbwertszeit von 22 Jahren weiter zerfällt. Diese kurze Halbwertszeit kann zur Erkennung von Fälschungen aus jüngster Zeit genutzt werden. Zudem wurde das zu Lebzeiten Vermeers in den Niederlanden verwendete Blei aus Lagerstätten in den europäischen Mittelgebirgen gewonnen. Seit dem 19. Jahrhundert werden jedoch Bleierze aus Amerika und Australien eingeführt, so dass sich das moderne Bleiweiß im Gehalt an Spurenelementen und in der Isotopenzusammensetzung des Bleis vom älteren Bleiweiß unterscheidet. Dieses zeichnete sich zusätzlich durch hohe Silber- und Antimongehalte aus, während das moderne Bleiweiß diese Elemente nicht mehr enthält, da diese bei der Verhüttung vom Blei getrennt werden. Rezeption Malerei Malerisch wurde Jan Vermeer durch Salvador Dalí rezipiert. Als Kind faszinierte Dalí eine Reproduktion von Vermeers Die Spitzenklöpplerin, die sich im Arbeitszimmer seines Vaters befand. 1934 malte er einige Bilder mit Bezug zu Werken Jan Vermeers wie The Ghost of Vermeer of Delft Which Can Be Used As a Table,[37] welches Vermeer als eine dunkle, kniende Figur zeigt, die ein Bein weit abspreizt, so dass es eine Tischplatte bildet. Auf diesem Tisch befinden sich eine Flasche und ein kleines Glas. In dem Bild Paysage avec elements enigmatiques[38] aus demselben Jahr wird Jan Vermeer vor der Staffelei sitzend dargestellt. Im Jahr 1936 entstand Apparition de la ville de Delft,[39] welches im Hintergrund einen Teil der Ansicht von Delft zeigt. Salvador Dalí bat den Louvre, eine Kopie der Spitzenklöpplerin anfertigen zu dürfen und erhielt die Erlaubnis. So entstand 1955 die Kopie[40] und das Bild Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer[41] (deutsch: Paranoisch-kritisches Gemälde der Spitzenklöpplerin von Vermeer), in dem er das Gemälde in Form von Rhinozeroshörnern explodieren lässt. Diese Form entstand schon in Dalis Kindheit, weil er beim Betrachten der Reproduktion des Gemäldes an diese denken musste.[42] Salvador Dalí bewunderte Vermeer und verglich die Spitzenklöpplerin mit der Sixtinischen Kapelle. Dazu sagte er wörtlich: „Michelangelo mit dem Jüngsten Gericht ist nicht großartiger als Vermeer van Delft mit seiner Spitzenklöpplerin im Louvre, eine Handspanne im Quadrat groß. Wenn man die plastischen Dimensionen in Betracht zieht, so kann man Vermeers Spitzenklöpplerin der Sixtinischen Kapelle gegenüber als großartig bezeichnen.“[43] Unter den Gegenwartskünstlern ist es Gerhard Richter, dessen Bewunderung für Vermeer immer wieder genannt wird[44] und in seinen „unscharfen“ Foto-Adaptionen zum Ausdruck kommt. Literatur Großer Bekanntheit erfreut sich die Rezeption des Bildes Ansicht von Delft durch den französischen Schriftsteller Marcel Proust. Er bereiste im Oktober 1902 die Niederlande und sah dort neben anderen Bildern auch Vermeers Ansicht von Delft, die ihm am besten gefiel.[45] Als im Frühling 1921 im Museum Jeu de Paume in Paris eine Kollektion von Werken niederländischer Meister gezeigt wurde, besuchte Proust diese Ausstellung, obwohl er an Asthma erkrankt war und sich zurückgezogen hatte, da auch die Werke Ansicht von Delft, Dienstmagd mit Milchkrug und Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge von Vermeer ausgestellt wurden. Auf der Treppe zur Ausstellung erlitt er einen Schwächeanfall, den er einem vorher verzehrten Kartoffelgericht zuschrieb. Marcel Proust griff die Delfter Ansicht ebenso wie den Schwächeanfall in seinem Monumentalwerk A la recherche du temps perdu (entstanden zwischen 1913 und 1927, dt.: Auf der Suche nach der verlorenen Zeit) auf, und zwar im fünften Teil, La Prisonnière (1923, Die Gefangene) mit seiner Romanfigur Bergotte. Diese wird durch eine Kritik auf ein „gelbes Mauerstück“ in der Ansicht von Delft aufmerksam. Dieses Mauerstück gibt noch heute Rätsel auf, da es auf dem Gemälde nicht zu finden ist. Die Lage wird im französischen Original mit Le petit pan de mur jaune avec un auvent und du tout petit pan de mur jaune (deutsch etwa: „eine kleine Fläche gelben Mauerwerks mit einem Vordach“) angegeben.[46] Da diese Stelle auf dem Bild nicht vorhanden ist, geht man heute davon aus, dass Proust entweder diese Mauerstelle für seinen Roman erfunden hat oder, möglicherweise aufgrund seiner Krankheit, beim Schreiben dieser Passage einem Erinnerungsfehler zum Opfer gefallen ist. In jüngerer Vergangenheit erlangte Jan Vermeer durch den 1999 erschienenen Roman Das Mädchen mit dem Perlenohrring von Tracy Chevalier größere Popularität, der 2003 von Peter Webber verfilmt wurde. Er befasst sich mit der Frage, wer die Frau auf dem Bild Das Mädchen mit dem Perlenohrgehänge ist und entwickelt eine fiktive Geschichte um die Magd Griet, die für das Bild Modell sitzt. Ebenfalls fiktiv ist die Geschichte, die Susan Vreeland in dem Buch Das Mädchen in Hyazinthblau erzählt. Das von ihr erfundene Gemälde Vermeers Mädchen mit Nähkorb, das seine Tochter zeigt, wird durch die Geschichte zurückverfolgt und damit die Beschreibung der verschiedenen Besitzer verknüpft. Vermeer selbst wird nur am Ende des Buches direkt behandelt, ansonsten stellt sein Bild das einzige verbindende Element der verschiedenen Episoden dar. Mit Das Pentomino-Orakel greift auch ein Kinderbuch Jan Vermeer auf. Das Buch der Autorin Blue Balliett bezieht sich vor allem auf die Bilder Der Geograph und Die Briefschreiberin in Gelb. Letzteres wird gestohlen, um darauf aufmerksam zu machen, dass einige Bilder fälschlicherweise Vermeer zugeschrieben wurden. Weiterhin schrieb Luigi Guarnieri 2005 den Roman Das Doppelleben des Vermeer, der die Geschichte des Kunstfälschers Han van Meegeren erzählt, der durch die Fälschung von angeblichen Vermeer-Gemälden berühmt wurde. Film Unter der Regie von Jean Oser entstand 1952 der Oscar-prämierte Kurzfilm Light in the Window, der sich mit dem Leben und Wirken von Vermeer beschäftigt. Peter Greenaway versuchte 1985 in seinem Film Ein Z und zwei Nullen die Werke von Jan Vermeer in der Realität nachzustellen. Im Film All the Vermeers in New York von Jon Jost aus dem Jahr 1990 wird Jan Vermeer beiläufig erwähnt, als sich eine französische Schauspielerin vor den Vermeer-Bildern im Metropolitan Museum mit einem Makler trifft. 2003 wurde das Buch Das Mädchen mit dem Perlenohrring von dem britischen Filmregisseur Peter Webber verfilmt. Die Hauptrolle der Magd spielte Scarlett Johansson, Vermeer wurde von Colin Firth verkörpert. Das Mädchen mit dem Perlenohrring erhielt mehrere Preise und wurde für drei Oscars nominiert. Neben seiner malerischen Rezeption griff Salvador Dalí Jan Vermeer auch filmisch auf. 1954 begannen er und Robert Descharnes mit Dreharbeiten für einen Film namens L’Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros, auch L’aventure prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros. Dieser Film, der thematisch mit der Spitzenklöpplerin und dem Rhinozeros zu tun hatte, wurde jedoch nicht fertiggestellt. Auch in dem surrealistischen Film Ein andalusischer Hund aus dem Jahr 1929, an dem Dali ebenfalls beteiligt war, taucht kurz das Bild Die Spitzenklöpplerin als Abbildung in einem Buch auf. Im Jahr 2013 erschien eine Dokumentation über den Erfinder Tim Jenison, Tim’s Vermeer. Er folgte einer Theorie, dass Vermeer beim Malen optische Instrumente verwendet hat. So baute er einen Raum nach Vorbild des Gemäldes Die Musikstunde nach und malte nach, was er durch seine Instrumente sah. Eine Ausbildung zum Malen hatte er nicht. Nach vier Monaten beendete er seine Arbeit. Er selbst sieht die Theorie bestätigt, während Kunsthistoriker daran zweifeln, dass Vermeer tatsächlich optische Instrumente auf diese Weise verwendet hat. 2015 entstand unter der Regie von Jean-Pierre Cottet und Guillaume Cottet die Dokumentation Vermeer – Die Revanche. Sie ist ein Lebenslauf anhand von Vermeers Bildern (Frankreich 2015, 95 Min.).[47] Liste der heute bekannten und Vermeer zugeschriebenen Bilder Die zeitliche Einordnung der Gemälde von Vermeer ist ein grundsätzliches Problem für die Kunstgeschichtsschreibung, weil der Maler selbst nur drei seiner Gemälde datiert hat: Bei der Kupplerin, Der Astronom und Der Geograph. Die Datierungen aller übrigen Bilder können nur vermutet werden, da die wenigen vorhandenen Angaben keine ausreichenden Anhaltspunkte für eine zeitliche Einordnung bieten.[48] Nr. 1 (1654/1655) Öl auf Leinwand in Edinburgh 2 -1655 Öl auf Leinwand 3 (1655/1656) Öl auf Leinwand in Den Haag 4 -1656 Öl auf Leinwand in Dresden 5 -1657 Öl auf Leinwand in New York 6 -1657 Öl auf Leinwand in Dresden 7 (1657/1658) Öl auf Leinwand in Amsterdam 8 -1658 Öl auf Leinwand in New York 9 (1658–1660) Öl auf Leinwand in Berlin 10 (1658–1660) Öl auf Leinwand in Amsterdam 11 (Die Dame mit zwei Herren) (1659/1660) Öl auf Leinwand in Braunschweig 12 (1660/1661) Öl auf Leinwand in Den Haag 13 (1660/1661) Öl auf Leinwand in New York 14 (1662–1664) Öl auf Leinwand in Amsterdam 15 (Herr und Dame am Virginal) (1662–1665) Öl auf Leinwand im Buckingham Palace in London 16 (1662–1664) Öl auf Leinwand in Washington D.C. 17 -1664 Öl auf Leinwand in New York 18 -1664 Öl auf Leinwand in Berlin 19 (1664/1665) Öl auf Leinwand in New York 20 -1665 Öl auf Leinwand in Den Haag 21 (1665/1666) Öl auf Leinwand in Boston (seit 1990 gestohlen) 22 (1665–1670) Öl auf Leinwand in Washington D.C. 23 Bildnis eines jungen Mädchens (1666/1667) Öl auf Leinwand in New York 24 (1665/1670) Öl auf Holz in Washington D.C. 25 (1666/1667) Öl auf Holz in Washington D.C. 26 (1667/1668) Öl auf Leinwand in New York 27 -1668 Öl auf Leinwand in Paris 28 (1668/1669) Öl auf Leinwand in Frankfurt am Main 29 (1669/1670) Öl auf Leinwand in Amsterdam 30 (1669/1670) Öl auf Leinwand, auf Holz aufgezogen in Paris 31 -1670 Öl auf Leinwand in Dublin 32 -1670 Öl auf Leinwand 33 (1671–1674) Öl auf Leinwand in New York 34 -1672 Öl auf Leinwand in London 35 um 1666/1668 Öl auf Leinwand in Wien 36 (1673–1675) Öl auf Leinwand in London 37 (1673–1675) Öl auf Leinwand in London Literatur Ludwig Goldscheider (Hrsg.): Johannes Vermeer: Gemälde. 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Vermeer’s complete works united: 36 paintings from 18 museums across 7 different countries. Google, abgerufen am 5. Dezember 2018 (englisch).(Informationen: Andreas Wilkens: Google Arts & Culture: Alle Werke Vermeers in virtuellem Museum vereint. In: Heise Online. 4. Dezember 2018, abgerufen am 5. Dezember 2018.) Essential Vermeer Vermeer Zentrum Delft johannesvermeer.org – Die Werke von Johannes Vermeer (englisch) Vermeer, Delfter Kuenstler, Digitales Vermeer-Haus Johannes Vermeer, ColourLex Einzelnachweise Ben Broos, Arthur K. Wheelock: Vermeer. Das Gesamtwerk. S. 15, 16. Norbert Schneider: Vermeer sämtliche Gemälde. Taschen, Köln 2004, S. 8. DuMont: Vermeer. DuMont Literatur- und Kunstverlag, Köln 2003, S. 12. Ben Broos, Arthur K. Wheelock (Hrsg.): Vermeer. Das Gesamtwerk. Belser, Stuttgart 1995, S. 20, 21. Norbert Schneider: Vermeer sämtliche Gemälde. Taschen, Köln 2004, S. 19. Norbert Schneider: Vermeer sämtliche Gemälde. Taschen, Köln 2004, S. 23. 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Forbes-Artikel: Bild: The Ghost of Vermeer of Delft Which Can Be Used As a Table Bild: Paysage avec elements enigmatiques Bild: Apparition de la ville de Delft Bild: Kopie der Spitzenklöpplerin Bild: Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer Katalog der Daliausstellung Zürich, Hatje Verlag, Stuttgart 1989, ISBN 3-7212-0222-8, S. 340. Katalog der Dali-Retrospektive 1920–1980, Prestel, München 1980, ISBN 3-7913-0494-1, S. 342. T. Briegleb: Im Atelier mit Gerhard Richter – Der Unsichtbare. (Memento vom 3. Februar 2014 im Internet Archive) In: art – Das Kunstmagazin. Februar 2012, S. 18–37. Dieter E. Zimmer: Auf der Suche nach dem gelben Mauerstück. S. 4. (PDF; 169 kB) Dieter E. Zimmer: Auf der Suche nach dem gelben Mauerstück. S. 3. (PDF; 169 kB) Vermeer – Die Revanche. (Memento vom 6. März 2017 im Internet Archive) Senderinformationen zur Biographie und Werkdokumentation; arte, 2017. Irene Netta: Das Phänomen Zeit bei Jan Vermeer van Delft. 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1¿Qué opina un ortodoncista de la Mona Lisa de los Países Bajos? ¿Qué escribió W. Bürger, el (re)descubridor de Johannes Vermeer, sobre él y sus cuadros en sus artículos de la Gazette des Beaux Arts? ¿Qué tiene que ver Papá Noel con Vermeer y sus contemporáneos? ¿Y qué hay de Leonardo Da Vinci? Nuevos datos, que hay que seguir investigando, reunidos por un profano. Descúbralo usted mismo en este extraordinario libro.

1Johannes Vermeer van Delft /jo’??n?s v?r’me?r v?n d?lft/ (bautizado en Delft el 31 de octubre de 1632-ibídem, 15 de diciembre de 1675), llamado por sus contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural. La obra completa de Vermeer es muy reducida; solamente se conocen 33 a 35 cuadros.2? Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.3? Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá debido al escaso número de pinturas que producía, y a su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos. Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de mediados del siglo XIX la pintura de Vermeer tuvo un amplio reconocimiento. Théophile Thoré contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente es considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. También es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz. Índice Biografía Formación Vida familiar y trabajo Últimos años y muerte Obra Pintura histórica Paisajes urbanos Pintura moralizante Cuadros de mujeres Representación de las ciencias Alegorías Dibujos Evolución de su técnica Importancia Innovación artística Consideración y fama Éxito comercial Falsificaciones Influencia posterior Pintura Literatura Cine Véase también Referencias Bibliografía Enlaces externos Biografía Plano de Delft en 1649, por Joan Blaeu. Existe poca información sobre la vida de Johannes Vermeer, únicamente algunos hechos básicos anotados en registros y documentos legales, así como comentarios sobre él de otros artistas. Debido a esto, Thoré lo denominó la “Esfinge de Delft”.4? La fecha de nacimiento no se conoce con precisión, aunque se sabe que fue bautizado como cristiano en la iglesia protestante Nieuwe Kerk de la ciudad de Delft el 31 de octubre de 1632, bajo el nombre de Joannis. Fue el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y Digna Baltens. Su padre procedía de Amberes, y se trasladó en 1611 a Ámsterdam, trabajando como tejedor de seda, oficio entonces propio de la clase media. En 1615 se casó con Digna, nacida en Amberes, trasladándose con el nombre de Vos a Delft, donde abrió en 1641 una fonda llamada la Mechelen en recuerdo a una famosa beffroi (torre-campanario) de Malinas (Mechelen en flamenco) que se encontraba en las proximidades del «halle» o plaza del mercado de la ciudad de Delft. Allí Joannes realizó siendo casi niño los menesteres de comercio; tras el deceso de su padre, en 1652, Joannes heredó el local con los asuntos comerciales de su padre. Además, Reynier Jansz pertenecía oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como Pieter van Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen. No obstante aunque Vermeer van Delft era de familia protestante, se casó con una joven católica llamada Catharina Bolnes en abril del 1653. Fue un matrimonio desafortunado: además de las diferencias religiosas (muy en ascuas para aquella época), la familia de la esposa era más rica que la Vermeer. Parece que él mismo se habría convertido antes del matrimonio porque su progenie tuvo nombres del santoral católico; además -entre otras cosas- una de sus pinturas llamada La alegoría de la fe, refleja la fe en la eucaristía, pero no se sabe si se refiere a la fe de Vermeer o la de su comitente. Poco tiempo después de las nupcias, la pareja se mudó a la casa de la madre de Catharina, Maria Thins, una viuda de buena condición económica que vivía en el barrio católico de la ciudad. Vermeer habría vivido aquí con toda su familia durante el resto de su vida. Maria tuvo un rol fundamental en la obra de este pintor: no solo la primera nieta fue llamada con su nombre, también utilizó sus rentas para conseguir la fama de su yerno en el mundo del arte. Johannes y su esposa tuvieron quince hijos, cuatro de los cuales murieron antes del bautizo. Formación Sobre su formación como pintor no existe información segura. Se hizo miembro del gremio de San Lucas el 29 de diciembre de 1653 como pintor libre. A este hecho tuvo que precederle una amplia formación de seis años de aprendizaje, pues solo como maestro se podía ser miembro del gremio. Es posible que Vermeer fuera alumno de Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucho eco por las diferencias de estilo, a pesar de que está documentada una relación entre ambos. También se han demostrado contactos con Gerard ter Borch.5? Asimismo se ha especulado con que fuera alumno de Carel Fabritius, que a su vez había sido educado en el taller de Rembrandt. Esta hipótesis fue ampliamente aceptada desde que en el siglo XIX, Théophile Thoré la defendió y sigue estando muy extendida, pero en la actualidad los expertos dudan de su veracidad. En su lugar, se suele mencionar a Pieter de Hooch, que vivió en Delft entre 1652 y 1661, como una de las principales influencias de Vermeer, ya que se puede reconocer el estilo de Hooch, refinado y perfilado, en la pintura costumbrista de Vermeer. Vida familiar y trabajo Militar y muchacha riendo (1658). Johannes Vermeer se casó el 20 de abril de 1653 con Catharina Bolnes en Schipluy, un pueblo cerca de Delft. La madre de Catharina, Maria Thins, se opuso inicialmente al matrimonio. Una de las razones pudiera ser la confesión calvinista de Vermeer, mientras que Catharina Bolnes era católica. Solo tras la recomendación del pintor católico Leonaert Bramer decidió Maria Thins aceptar el matrimonio. Si Vermeer se hizo católico o no, sigue siendo discutido. En 1660, Vermeer se trasladó con su mujer a casa de su suegra en el Oude Langendijk. Con Catharina Bolnes tuvo quince hijos, de los que como mínimo cuatro murieron siendo niños. Parece que Johannes Vermeer no ganaba el suficiente dinero para poder alimentar a su numerosa familia. Debido a que pintaba un promedio de solo dos cuadros al año,6? debía tener otras fuentes de financiación. Se sabe que ayudaba a su madre en la tasca Mechelen, en el Gran Mercado de Delft, que esta había heredado a la muerte de su marido y en la que Vermeer muy probablemente tenía instalado su negocio de arte, una actividad muy extendida entre los pintores neerlandeses del siglo XVII. En los años 1662 y 1663, así como en 1670 y 1671, Vermeer fue decano del gremio (o gulde) de San Lucas. Como todos los artesanos del siglo XVII debía pertenecer a un gremio para poder realizar su actividad y este, a su vez, fijaba las reglas con las que trabajaban sus miembros. La posición de decano era muy influyente, lo que demuestra que Vermeer era un personaje respetado en Delft. Vermeer pudo ver en vida que sus cuadros alcanzaban altos precios. Pintó pocos cuadros para el mercado libre del arte; sus cuadros eran en su mayoría para mecenas, como el panadero Hendrick van Buyten. Pero no se sabe si los mecenas encargaban al pintor los cuadros o si solo tenían un derecho preferencial a la compra.7? Ya se ha mencionado que además de su actividad artística, Vermeer trabajaba como experto en arte. Así, por ejemplo, comprobó la autenticidad de una colección de cuadros venecianos y romanos que el tratante de arte Gerrit van Uylenburgh quería vender por 30 000 florines al príncipe elector de Brandeburgo Federico Guillermo I. Viajó en 1672 a La Haya, donde examinó los cuadros junto con el pintor Hans Jordaens. Negó la autenticidad de los cuadros ante notario, declarando que el valor de los cuadros era como máximo un décimo del precio solicitado. Últimos años y muerte Dama con dos caballeros o Muchacha con copa de vino, hacia 1659-1660 (Herzog Anton Ulrich-Museum, Brunswick). En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A causa de la Guerra Franco-Neerlandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta del 30 de abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba que su marido tuvo que vender cuadros con los que comerciaba durante la guerra a menor precio de su valor.7? En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días. El 15 de diciembre de 1675 fue enterrado en el sepulcro familiar de la Oude Kerk (Iglesia vieja, en español) en Delft. Su mujer tuvo que renunciar a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar a los acreedores.8? Obra Artículo principal: Anexo:Cuadros de Johannes Vermeer Su obra completa comprende 33-35 cuadros, difíciles de datar. Todavía existen dudas sobre la autoría de los cuadros Dama sentada en un virginal, La joven con una flauta, Diana y sus compañeras y Santa Práxedes. La relativamente escasa producción de los cuadros conservados ha tentado a los estudiosos para atribuirle una y otra vez cuadros, que hoy son considerados en su mayoría como atribuciones falsas. Aunque por la época se le adscribe al Barroco, lo cierto es que la pintura conocida de Vermeer se diferencia mucho de la de su época, en ciertos aspectos está por su “intemporalidad” y “cristalinidad” más cerca de la obra de Jan Van Eyck; en efecto: a diferencia del barroco común la obra de Vermeer carece de muchos adornos, es aséptica, con un aire casi cristalino, limpio, depurado, e intemporal como si detuviera el instante en un momento claro y eterno. Su obra resulta así muy singular en cuanto a que es muy personal y por esto difícilmente encasillable en un estilo; con una cristalina austeridad y una fidelidad obsesiva (muy ajenas al Barroco más común) Vermeer -como en las perlas que adornan a las muchachas que ha representado- acaso sin darse cuenta representa la fragilidad de la vida en retratos que parecerían -usando la nomenclatura actual- hiperrealistas aunque de un hiperrealismo muy meditado y quieto y profundamente intimista, en ciertos cuadros más que al barroco se aproxima al tenebrismo manierismo caravagiano, esto es ostensible en la Muchacha con turbante. Varios de los primeros cuadros de Vermeer se consideran pintura histórica. Este género consiguió en el siglo XVII el nivel más alto de prestigio, por encima de la pintura de retratos, paisajes, bodegones y animales. En época de Vermeer, dentro de la pintura histórica se incluía los acontecimientos de la Antigüedad clásica, los mitos y leyendas de santos, además de motivos eclesiásticos y bíblicos. En la segunda mitad de la década de 1650, Johannes Vermeer cambió su interés hacia la pintura de escenas urbanas y costumbristas. La razón de este cambio no es conocida, pero se supone que Vermeer no podía emplear las técnicas de la perspectiva e iluminación en cuadros históricos como lo permitían otros géneros pictóricos. También el cambio de estilo se pudo producir por la influencia de Pieter de Hooch y Jan Steen, que vivían ambos en Delft. Ambos incluían en sus cuadros elementos arquitectónicos y figurativos de la vida diaria. Además, puede que Hooch, Steen y Vermeer se vieran influidos por el ambiente de Delft e introdujeron cambios de contenido y estilo en su pintura. Esta tesis podría estar respaldada porque los cambios de estilo de Steen y de Hooch se produjeron tras su llegada a Delft.9? Pintura histórica Cristo en casa de Marta y María, hacia 1654-55 (Galería Nacional de Escocia, Edimburgo). En comparación con las obras posteriores de Vermeer, las tres pinturas históricas tempranas son de gran formato: Cristo en casa de Marta y María, con 160 × 142 centímetros, Diana y sus compañeras, con 98,5 × 105 centímetros, y Santa Práxedes, con 101,6 × 82,6 centímetros. Un ejemplo del tamaño de sus obras posteriores es Muchacha con turbante, de solo 45 × 40 centímetros. En el cuadro Cristo en casa de Marta y María, pintado hacia 1654-1655, Vermeer retoma una escena del Evangelio de San Lucas: Jesús, estando en el mercado, es invitado a comer a casa de Marta. Mientras Marta prepara la comida, María escucha a Jesús. Marta pregunta a Jesús por qué no conmina a María a que le ayude y Jesús responde: «Marta, Marta, tú andas preocupada y te pierdes en mil cosas: una sola es necesaria. María ha elegido la mejor parte, que no le será quitada.»10? La historia era un tema tratado con frecuencia en la pintura desde el siglo XVI, porque en ella se reflejaba bien el problema de las buenas obras señalado por los protestantes, que las consideraban una acción superficial y para las apariencias. La composición es sencilla en comparación con otras obras posteriores y en forma de pirámide. Marta, con una cesta de pan en la mano, está situada detrás de Jesús, que está sentado en una silla y cuya cabeza está rodeada de una débil aureola. En primer plano está sentada María en una banqueta, con la cabeza apoyada en la mano. El gesto de María debía indicar reflexión. Como señal de devoción frente a Jesús, no lleva zapatos. El brazo extendido de Jesús señalando a María debía expresar que esta se había decidido por la mejor actividad. Vermeer empleó contrastes de color fuertes entre el blanco del mantel y el rojo del corpiño de María, así como con el azul de la toga de Jesús. La segunda pintura histórica de Vermeer, Diana y sus compañeras, fue pintada hacia 1655-1656. Diana, también llamada Artemisa, es la diosa griega de la caza y se la consideraba especialmente casta. En el cuadro se la representa sentada en una piedra y rodeada por cuatro ninfas. En arte, Diana era representada a menudo con vestido corto o desnuda bañándose; Vermeer la representa vestida, una concesión al puritanismo que consideraba abyecta la desnudez. Así, una ninfa medio desnuda que se encuentra detrás de Diana, vuelve la espalda al observador. El cuadro no tiene mucha acción, dos ninfas están sentadas con Diana sobre una piedra, una se encuentra al fondo y observa como la cuarta lava los pies de Diana. Esta acción ritual crea un nexo con el motivo cristiano del lavado de los pies de Jesús. La escena ocurre durante el crepúsculo, por lo que las caras de las mujeres permanecen en la sombra. La oscuridad y la diadema en forma de luna creciente son una alusión al hecho de que Diana es confundida a menudo con Selene, diosa de la Luna. Al cuadro Diana y sus compañeras se le han encontrado fallos, sobre todo en la representación de las posturas, por lo que se han expresado en repetidas ocasiones dudas de la autoría de Vermeer. Estas dudas no se han podido ni confirmar ni negar hasta el presente. Paisajes urbanos Vista de Delft es uno de sus cuadros más admirados, hacia 1660-1661, (Mauritshuis, La Haya). Fue su segundo y último paisaje urbano y corresponde a una vista muy fiel. Seguramente se ayudó de una cámara oscura. La impresión de la luz está expresada con una inigualable maestría. Vermeer pintó dos cuadros relacionados con su ciudad natal: La callejuela y Vista de Delft. Los paisajes urbanos eran habitualmente resultado de encargos públicos o privados, muy rara vez se pintaban para el mercado libre. Razón por la que alcanzaban precios mayores que la pintura paisajística. El cuadro Vista de Delft se pintó hacia 1660 o 1661. Vermeer lo realizó probablemente con ayuda de una cámara oscura desde un piso alto. La altura de su punto de vista queda patente sobre todo en las figuras de la esquina inferior izquierda. El cuadro muestra una vista de la ciudad con el río Schie en primer plano. Vermeer ordenó los elementos arquitectónicos en el cuadro paralelos al borde del lienzo, al igual que hizo sus demás cuadros y al contrario que otros pintores, que intentan transmitir la vida interior de la ciudad con calles que se adentran. Además colocó en primer plano dentro de la composición un área triangular de la orilla del río. Este elemento, que fue introducido en la pintura por Pieter Brueghel el Viejo, ha sido empleado con frecuencia, como por ejemplo en el cuadro Vista del Zierikzee de Esaias van de Velde. Vermeer empleó para colorear el paisaje sobre todo colores ocres y marrones. Sobre los edificios en la sombra en primer plano y los cascos de los barcos colocó puntos de color para representar la estructura de juntas y las incrustaciones. La luz, que se introduce entre las nubes, ilumina sobre todo los edificios que se encuentran al fondo y la torre de la Nieuwe Kerk. Con esta iluminación de la torre de la iglesia, Vermeer quería probablemente hacer una declaración política.11? En la Nieuwe Kerk se encontraba la tumba de Guillermo de Orange, asesinado en un atentado en 1584 en Delft, considerado como un héroe de la resistencia contra España. Pintura moralizante La alcahueta, pintada en 1656, es el primer cuadro de Vermeer que puede encuadrarse dentro de la pintura costumbrista. Es probable que Vermeer se inspirara en el cuadro de igual nombre de Dirck van Baburen que estaba en posesión de su suegra, María Thins.12? El cuadro aparece en varias obras de Vermeer como insinuación del tema tratado. La alcahueta se puede incluir en la categoría de los Bordeeltje, cuadros de burdeles, que son una subcategoría de la pintura costumbrista. El lienzo muestra a cuatro personas, dos mujeres y dos hombres. Para clasificar con detalle la escena faltan los datos, podría tratarse tanto de una escena en un burdel como de una escena hogareña. En el primer caso, la mujer de la derecha sería una prostituta y el hombre que se encuentra detrás de ella sería un proxeneta. La mujer vestida de negro sería la alcahueta, que habría organizado el negocio. En cambio, si fuera una escena hogareña, el cuadro representaría el inicio de una relación extra matrimonial. En este caso, la alcahueta sería una mujer del vecindario que habría organizado el encuentro. En cuanto al hombre en el lado izquierdo, podría tratarse del mismo Vermeer; siendo este su único autorretrato. De las personas retratadas, solo se ven los troncos, ya que las piernas están tapadas por una mesa que se encuentra en primer plano. La composición produce sensación de lejanía respecto a la escena en el observador. Como los cuadros costumbristas también debían transmitir valores, a menudo contenían advertencias. El vino, representado por la jarra y la copa en la mano de la prostituta, cuyas mejillas están sonrosadas por el alcohol, debía comunicar que el ser humano debía permanecer de ánimo despierto a pesar de las tentaciones de los sentidos. El aspecto central del cuadro, la venalidad del amor, solo se representa indirectamente, con la mano abierta de la prostituta que espera la moneda del proxeneta. Así, Vermeer es mucho más comedido, en comparación con otros pintores que emplean señales más drásticas, como por ejemplo Frans van Mieris, que muestra en el fondo del cuadro El soldado y la doncella a dos perros copulando. Muchacha dormida, hacia 1657 (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). El cuadro Muchacha dormida, que fue pintado hacia 1657, es otra obra de Vermeer con mensaje moralizante. La joven mujer pintada está sentada a una mesa tapada con una alfombra oriental. La alfombra forma en la parte anterior de la mesa un triángulo y Vermeer la arregló junto con una jarra de vino y un plato de fruta. La mujer duerme apoyada en la mano, con el codo en la mesa, con la finalidad de subrayar el ocio. El vestido deja ver que no se trata de una criada, sino de la esposa del señor de la casa, encargada de la administración del hogar. Johannes Vermeer había incluido inicialmente en el cuadro varios elementos significativos más para hacer que la mujer tuviese más interacción. Así, un estudio con rayos X mostró que en la puerta se encontraba un perro y en el fondo izquierdo del cuadro un hombre, que fueron sobrepintados más tarde. Con estos elementos la interpretación de la composición se hace más fácil. El motivo del gusto por el vino se vuelve a retomar en este cuadro gracias a la presencia de la jarra, pero también en su título Muchacha bebida y durmiendo en una mesa que se le dio en una venta el 16 de mayo de 1696: como consecuencia de la ingesta de vino, el ama de casa descuida sus obligaciones en el hogar. Cuadros de mujeres Muchacha leyendo una carta, hacia 1657 (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde). La mayoría de las representaciones de mujeres en los cuadros de Vermeer están relacionadas con una narrativa en la que instrumentos musicales u objetos del hogar influyen en la percepción de la acción. Solo tres cuadros se desvían de forma importante de esta tónica y se pueden denominar retratos. Es muy probable que las modelos, dadas las edades y aspectos de las representadas, las jóvenes mujeres que con una minuciosidad cariñosa pintara Johannes Vermeer, se trataran de sus propias hijas. El cuadro Muchacha leyendo una carta, pintado hacia 1657 y, por lo tanto, en la primera fase de Vermeer, muestra a una mujer con una carta, que determina la acción en el cuadro. El elemento de la carta fue retomado por Vermeer en otros cuadros. En este, la muchacha está situada en el centro del cuadro, con una carta en la mano, delante de una ventana abierta. En el lado derecho se ve una cortina, en primer plano una mesa. La mujer está representada de perfil, pero el observador puede ver su cara en un reflejo en la ventana. Que la carta sea posiblemente de amor se puede leer en detalles, como la fuente llena de manzanas y melocotones, en relación a la historia de Adán y Eva. La cortina del primer plano puede reforzar esta idea, ya que está abierta en señal de revelación, pero también puede tratarse de un elemento de la composición, empleado a menudo por Vermeer. En la mayoría de las representaciones de mujeres de Vermeer, la moralidad tiene un papel importante. Incluso en los cuadros de mujeres tocando música aparece el tema. Un ejemplo es el cuadro Dama al virginal o Dama parada cerca del clavicordio, pintado entre 1673 y 1675. Incluso el instrumento, un «virginal» es un indicio de la virginidad de la muchacha pintada. El hecho se deduce sobre todo porque en los Países Bajos del siglo XVII se cuidaba estrictamente de que la mujer llegase virgen al matrimonio. El cuadro de la pared, con la representación de Cupido, representa un contraste a esta forma de entender la moral. La lechera (1658-1660). Rijksmuseum (Ámsterdam). El cuadro más conocido de Vermeer es su Muchacha con turbante o La joven de la perla, pintado hacia 1665. Su fama se debe sobre todo a su recepción moderna y a que la obra fue la imagen elegida para representar una exitosa exposición en el Mauritshuis, en La Haya, en los años 1995 y 1996. La muchacha está representada desde un punto cercano y sin atributos narrativos, lo que diferencia notablemente este cuadro de las demás pintados por Vermeer. La identidad de la retratada es desconocida. Se podría tratar de una modelo, pero también podría tratarse de una obra de encargo. El fondo del cuadro es neutro y muy oscuro, pero multicolor y por lo tanto no es negro. El fondo oscuro refuerza la claridad de la muchacha, sobre todo la de su piel. La cabeza se inclina ligeramente, lo que le da un aire de ensoñación. La muchacha interactúa con el observador al mirarlo directamente y abrir ligeramente la boca, lo que en la pintura neerlandesa a menudo indica una conversación con el observador. La ropa de la muchacha fue realizada en colores prácticamente puros. El número de colores que se observan en el cuadro está limitado.13? La chaqueta de la muchacha es de color marrón amarillento y forma un contraste con el turbante azul y el cuello blanco. El turbante, con el paño amarillo cayendo hacia atrás, es una señal del interés que despertó en la época la cultura oriental, como consecuencia de las guerras contra el Imperio otomano. Así, los turbantes pasaron a ser un complemento muy apreciado y extendido en la Europa del siglo XVII. Destaca sobre todo una perla en la oreja de la muchacha, que brilla en la zona de sombra del cuello. Representación de las ciencias El geógrafo, hacia 1668-1669 (Instituto Städel, Fráncfort del Meno). En el cuadro El geógrafo, pintado en los años 1668 y 1669, así como en el cuadro paralelo El astrónomo, de 1668, Vermeer trata las ciencias. También hace referencia a la Cartografía en otros cuadros, en los que el fondo está ocupado por mapas. La Cartografía era una ciencia joven y todavía se encontraba en desarrollo. En el siglo XVII, los mapas eran un objeto de lujo, pero, además de ser una señal de riqueza, en los cuadros de Vermeer también representan el conocimiento. Además, los mapas representan el poder de los Países Bajos como potencia comercial, que traficaba con países lejanos. Los Países Bajos pertenecían, Gracias a su imperio, a las potencias coloniales más importantes del siglo XVII. Un ejemplo del uso de mapas en los cuadros de Vermeer es Militar y muchacha riendo. El geógrafo muestra al científico en medio del lienzo como motivo central. El geógrafo lleva el pelo largo recogido detrás de la oreja y está vestido con una toga larga. Sobre la mesa, en primer plano, hay un mapa y una manta empleada para extender los mapas. Sobre el armario del fondo hay un globo terráqueo. El científico comprueba con ayuda de un compás una distancia en el mapa, pero en ese momento mira por la ventana. La luz le da en la cara, lo que indica iluminación y sabiduría. La toga da al geógrafo un aire de misterio, lo que debe entenderse como una percepción del científico generalizada en la época. Con la representación de un geógrafo y un astrónomo, Johannes Vermeer retoma un importante cambio de paradigma. Hasta el siglo XVII estaba mal visto el ocuparse de la extensión, forma e historia de la Tierra, así como de las estrellas. Ello se entendía como temerario y contrario al plan divino. Y a pesar de ello aparecieron ciencias que estudiaban de la Tierra y las estrellas desde finales del siglo XV. Desde el descubrimiento de América, Asia y África por los europeos, los comerciantes, navegantes y nobles necesitaron un mayor conocimiento geográfico, que se acumulaba en libros, mapas y globos.14? Alegorías Alegoría de la fe (c. 1670) Johannes Vermeer pintó además de sus cuadros realistas, que tratan habitualmente de asuntos banales, dos alegorías en las que personificó temas abstractos y tomó posición a través de símbolos y referencias. Los cuadros llevan por título Alegoría de la fe, pintado entre 1671 y 1674, y Alegoría de la pintura o El arte de la pintura. En ellos Vermeer se basó en el conocimiento de Cesare Ripa de la iconografía. Detalle de la musa Clío de Alegoría a la pintura, hacia 1666. El arte de la pintura fue pintado hacia 1666 y tiene un tamaño de 120×110 centímetros, que lo convierte en una de las mayores obras pintadas por Vermeer. Muchos historiadores del arte consideran este cuadro el legado pictórico de Vermeer. Así, Hans Sedlmayr empleó el título El elogio del arte de la pintura. El nombre del cuadro se puede trazar hasta el pago de las deudas tras la muerte de Vermeer, donde se dice que «es una pintura, […], en la que está representado el arte de la pintura.»15? El cuadro muestra un taller de pintura, posiblemente inspirado en el del propio Vermeer, ya que una mesa de roble como la que se puede apreciar en el cuadro aparece en la lista de inventario del pintor. Sobre la mesa se encuentra un libro, símbolo de la sabiduría y la contemplación, y una máscara, que se debe entender como una representación de la escultura. Como personaje principal aparece el pintor en el centro, delante de un lienzo casi vacío. Está de espaldas al observador, de forma que mantiene su anonimato. En el fondo se encuentra una joven mujer que sirve de modelo al pintor. Lleva una capa de seda azul y una falda amarilla. En la mano izquierda tiene un libro, en la derecha un trombón. Sobre la cabeza lleva una corona de laurel, representando la fama eterna. El lienzo vacío es desde el Renacimiento símbolo de la idea artística que toma forma en el proceso pictórico. Que el pintor trabaje en un cuadro mientras sobre la mesa permanece una máscara ha sido interpretado como la competición de las artes, la Paragone. De esta forma, la pintura triunfa sobre la escultura. Estudios modernos dan casi por seguro que la mujer no es simplemente una modelo o alegoría de la Fama, sino que representa a la musa Clío, musa de la Historia en la mitología griega. A favor de esta interpretación habla también el mapa de Nicolaus Visscher colgado en la pared, al fondo, en el que aparecen las 17 antiguas provincias de los Países Bajos antes de la paz con España en 1609. El mapa está rodeado a ambos lados con vistas de ciudades y Clío aparece con su trombón, que es símbolo de la fama, delante de La Haya, con la vista del palacio real. Esto se puede interpretar como homenaje de Vermeer a la Casa de Orange. El cuadro fue pintado a comienzos de la Guerra Franco-Neerlandesa, que se extendió de 1672 a 1678, en una época de desórdenes internos en los Países Bajos, en la que la esperanza recaía sobre los Orange. Además, se revela una actitud positiva hacia el Sacro Imperio Romano Germánico por ejemplo a través de la lámpara con el águila bicéfala de los Habsburgo. Dibujos No se han encontrado dibujos que puedan ser atribuidos con seguridad a Johannes Vermeer. Su falta ha provocado que muchos autores supongan que Vermeer no necesitaba estudios para sus cuadros. A esta idea se opone el controvertido dibujo Muchacha con calentador de pies que es atribuido a Vermeer y datado en 1655. Es un dibujo de 25,5 × 16,5 centímetros, dibujado con tiza sobre papel azul y se encuentra en la actualidad en la colección de Museo del Palacio de Weimar. Los defensores de la atribución la fundamentan sobre todo en parecidos estilísticos y el parecido del monograma que aparece sobre el calentador de pies con las firmas sobre los cuadros Muchacha leyendo una carta y Vista de Delft. Aquellos que se oponen afirman que el papel azul solo empezó a fabricarse en siglos posteriores. Lo que se contradice con una noticia de Karel van Mander, anterior a Vermeer y autor del Schilderboeks. Van Mander describió a un alumno del retratista Michiel Miereveld de Delft: «es aplicado investigando la belleza más madura de la pintura, al dar color emplea diferentes maneras inventadas por él mismo, también dibuja entre medio en papel azul […]» Esto indica que existía papel azul en el área de Delft mucho antes de Vermeer.16? Evolución de su técnica En Mujer con una jarra de agua, hacia 1662. Vermeer evolucionó su técnica hacia un modelado más sutil, evitando contrastes pronunciados y usando una iluminación tenue. El refinamiento es cada vez más complejo. La obra de Vermeer fue realizada entre 1654 y 1675. Solamente tres de sus cuadros tiene fecha y de los demás solo se estima el momento de ejecución por el estilo empleado.17? El primero que tiene fecha es la alcahueta de 1656. Su estilo está muy alejado de los interiores y de los paisajes que lo han encumbrado. Hay otros dos cuadros que deben ser anteriores a esa fecha, se trata de Cristo en casa de María y El descanso de María, en ambos casos se consideran obras juveniles.17? El género de interiores con varios personajes representados en una habitación había sido creado entre 1620-30 y se había consolidado en los Países Bajos. En La joven dormida, pintado sobre 1657, seguramente posterior a La alcahueta, Vermeer se confiesa seguidor de este género.18? La muchacha del collar de perlas (1662-66). Es uno de los tres cuadros de mujeres pintados en su mejor momento. El amarillo y el blanco determinan la luz y el ambiente. En 1653, se había establecido en Delf, el pintor Pieter de Hooch, tres años mayor que Vermeer. Entre 1658 y 1660 realizó una serie de interiores que debieron asombrar por su calidad. Su influencia sobre Vermeer está confirmada en cuatro cuadros que recuerdan de forma clara la manera de Hooch. Se trata de Muchacha leyendo una carta, Militar y muchacha riendo, Dama bebiendo con un caballero y La lechera. Vermeer reduce los personajes a 1 o 2, pero sobre todo se dedica a representar los detalles con la máxima perfección, como el pulido de la madera o la suavidad de las telas. En cuadros como la Dama bebiendo con un caballero consigue una unidad, intimidad y serenidad que sobrepasa la obra de Hooch.18? Las experiencias en Delft de los pintores con el paisaje urbano tuvieron un momento magistral en la serie de cuadros de Hooch fechados en 1658, entre ellos el sorprendente Patio interior. Según Albert Blankert estos cuadros de Hooch debieron incitar a Vermeer a ensayar la pintura de exteriores. Pero Vermeer nuevamente realiza un mejor cuadro, La callejuela, donde en lugar de un planteamiento en profundidad como en Patio interior representó en un mismo plano una sucesión de fachadas y puertas con un colorido más claro y un modelado más preciso empleando su famosa técnica del punteado. En esta técnica, también llamada pointillé (la cual no debe ser confundida con el “puntillismo”), los colores transparentes los producía aplicando pintura perdidamente en capas granulares del lienzo.19? Posiblemente después de La callejuela, Vermeer se aventuró con un paisaje exterior más amplio: Vista de Delft. Se trata de una vista totalmente exacta y fiel y seguramente se ayudó de una cámara oscura. En ella consiguió expresar la impresión de la luz con total maestría.19? Estas obras, desde La muchacha leyendo una carta hasta Vista de Delft pintadas de 1656 a 1661, corresponden a un mismo estilo. Se encuentra en ellas el mismo modelado firme y enérgico y el color es aplicado en capas bastantes espesas, sobre todo en las partes claras.19? En sus obras posteriores, la transición se estima en 1662, Vermeer utilizó otra técnica con un modelado delicado, los contrastes pronunciados los evitaba, empleó una iluminación tenue y un refinamiento cada vez más complejo. Es el caso de Dama con dos caballeros y Mujer con aguamanil.19? Después realizó siete cuadros pintados con minuciosidad y factura más madura pintados entre 1662 y 1666 pues no pertenecen a su última época que surgió en 1667. Son las mejores obras de Vermeer.19? Los tres primeros tienen una única protagonista femenina y son composiciones similares. Una mesa horizontal recubierta con un tapete y con varios objetos contrasta con la verticalidad de una mujer de pie. El trazado de líneas y el modelado de formas son de una gran delicadeza. Se trata de la Lectora en azul, La tasadora de perlas y La muchacha del collar de perlas. Cada cuadro difiere en la luz y el colorido, en la muchacha del collar el amarillo y el blanco dominan, la luz difusa y el azul son los colores de la lectora de azul, mientras que una luz filtrada por una cortina naranja envuelve en penumbra la tasadora de perlas. Vermeer dispuso estas figuras en una actividad que las mantuviera inmóviles buscando el recogimiento y la armonía en reposo.19? El momento cumbre de su arte Lectora en azul (1662-66) La tasadora de perlas (1662-66) La lección de música (1662-66) El arte de la pintura hacia 1666 En los tres siguientes y buscó continuar con la minuciosidad de los tres cuadros de mujeres anteriores y desarrollando un efecto espacio mucho más complejo. Tanto en La lección de música como en El concierto estableció un potente ritmo entre los elementos que se suceden desde el primer plano hasta la pared del fondo donde una serie de rectángulos (cuadros, espejo, clavicordio) contribuyen a resaltar esta alineación de objetos en profundidad. En la misma línea desarrolló su gran obra maestra El arte de la pintura. Allí articuló con una ejecución naturista, una composición compleja y un espacio inundado de luz, llegando a alcanzar su máximo nivel. Por último, también en La joven de la perla alcanzó un efecto de gran naturalidad, se centró en la mirada de la joven que constituye la esencia del cuadro, prescindiendo de todo la accesorio.20? La joven de la perla, hacia 1665. Corresponde al momento cumbre de su pintura. La mirada es la gran protagonista y se complementa con un gran modelado del rostro, donde los labios son un segundo centro de atención. Después de la perfección de El arte de la pintura era difícil seguir progresando y Vermeer decidió cambiar de estilo buscando la estilización. Así, en el cuadro Dama al virginal prescinde de detalles anecdóticos de otros cuadros. Luces y sombra se ordenan de manera más rigurosa. Además para mostrar esa realidad más simplificada vuelve a cambiar de técnica. Abandona las transiciones progresivas de color y opta por la yuxtaposición de colores claros y oscuros. Realizó varios cuadros de esta forma como el astrónomo del Louvre, pero donde consiguió mejorar en esta nueva técnica es en La encajera donde representó una mujer concentrada en su trabajo, lo consiguió centrando la atención en el rostro y las manos y prescindiendo de detalles que podían desviar la atención. Consiguió la misma maestría en Una dama que escribe una carta y su sirvienta donde combinando elementos habituales consiguió representar una serenidad que no se encuentra en cuadros anteriores.21? El estilo tardío se extrema en Mujer tocando la guitarra, algunos detalles son tratados esquemáticamente, pero Vermeer que siempre había optado por figuras inmóviles y tranquilas, abandona su ideal que siempre había buscado haciendo reír y moverse a su protagonista. a partir de 1672 vieren unos años de dificultades económicas y parece que pintó una serie de obras por encargo donde se aprecia su decadencia. Se aprecia en cuadros como Alegoría de la fe donde prescinde de sus búsquedas y de sus hallazgos o en mujer sentada tocando la espineta donde también se aprecia el declinar de su fuerza creadora como en los pliegues del vestido que ya no tienen su maestría o el cuadro ya no tiene no tiene su luz y aparece en penumbra.21? A lo largo de su vida, Vermeer trabajó lentamente y con sumo cuidado usando colores brillantes, así como algunos caros pigmentos: como el azul intenso que destaca en algunas de sus obras. No hay dibujos que puedan atribuírsele exactamente a Vermeer y sus pinturas ofrecen pocas claves sobre métodos preliminares. No hay otro artista del siglo XVII que haya utilizado sus primeros trabajos, en forma tan exuberante, el caro pigmento que manifiesta el tono lapislázuli o ultramarino natural. Vermeer no solo empleaba esta técnica en elementos de este tono; los colores terrosos y ocres debían ser entendidos como luz cálida en una pintura fuertemente iluminada, que reflejaba sus múltiples tonos en la pared. Este método fue inspirado muy probablemente por la comprensión que Vermeer tenía de las observaciones de Leonardo, donde manifestaba que la superficie de todo objeto compartía el color del objeto adyacente.22? Esto significa que ningún objeto es visto propiamente en su color natural puro. Destacable es el uso de este efecto con el ultramarino natural en Dama con dos caballeros o Muchacha con copa de vino. Las sombras del vestido satinado rojo son pintadas con ultramarino natural, y gracias a este azul puesto en capa de pintura, la mezcla de rojo y bermellón sobrepuesto adquiere un suave purpúreo, frío y crispante que es más poderoso. A pesar de sus problemas financieros, Vermeer continuó utilizando el ultramarino natural ampliamente; tal es el caso de la Dama sentada en un virginal. Importancia Innovación artística La callejuela hacia 1657-1658. Inspirado por las fachadas urbanas de Hooch ensayó aquí por primera vez la pintura de exteriores. Usó un colorido claro y un modelado preciso mediante una técnica especial que empleaba, denominada punteado. Johannes Vermeer fue un precursor en la pintura en relación a los principios de la composición. Empleó una división equilibrada de superficies, con las que también expresaba estructuras y situaciones complejas de forma sencilla y con pocos elementos. La geometría tenía un papel importante en la composición. Vermeer empleaba la luz de manera que casi llegaba a dar la impresión de que pintaba al aire libre. Además, no empleaba tonos grises para representar sombras. Vermeer se destacaba en la restitución de la luz, de la textura, de la perspectiva y de los colores trasparentes. El pintor neerlandés Vincent van Gogh escribió al también pintor Émile Bernard: Es cierto que en el par de cuadros que pintó, se puede encontrar toda la paleta de colores; pero unir el amarillo limón, el azul pálido y el gris claro es tan característico de él, como la armonización del negro, el blanco, el gris y el rosa en Velázquez. Una y otra vez se ha afirmado que Vermeer empleó una cámara oscura en sus cuadros para lograr el posicionamiento preciso de sus composiciones.23? Por ejemplo, Norbert Schneider escribió:24? Sabemos hoy que Vermeer empleó una cámara oscura en la mayoría de sus cuadros y, de hecho, de forma que no oculta las condiciones de ese medio, sino que las hace visibles, como se puede reconocer en la falta nitidez de los bordes y los puntos de luz, el famoso «pointillé». Sus cuadros alcanzan de esta forma una calidad «abstracta», ya que no reproducen la realidad tal como es, sino tal como se ve, […] Se puede decir que la «cámara oscura [se convierte] en una fuente del estilo» David Hockney entre otros historiadores y promovedores de la tesis Hockney-Falco, también ha especulado que Vermeer utilizaba cámara obscura, ratificando esta idea ciertos efectos de luz y perspectiva que resultaban del manejo de lentes, en lugar del uso de directo de la vista humana.25? No todos los expertos comparten esta opinión. Una multitud de estudios se han dedicado al tema. También entre los estudiosos que afirman con seguridad que Vermeer empleó la cámara oscura, todavía surgen importantes debates sobre la frecuencia con la que la usó.26? Las discusiones comenzaron cuando el litógrafo estadounidense Joseph Pennell señaló en 1891 por primera vez la «perspectiva fotográfica» del cuadro Militar y muchacha riendo. Charles Seymour27? y Arthur K. Wheelock jr.28? afirman que Vermeer empleó una cámara oscura en los cuadros Vista de Delft, Alegoría de la pintura, Mujer joven con sombrero rojo y La encajera a causa del efecto visual de halo. Jørgen Wadum en cambio hace más hincapié en el desarrollo de Vermeer y su calidad como pintor de perspectivas: trece cuadros tienen un pequeño agujero que fue realizado con una aguja en el lienzo.29? Consideración y fama En Dama al virginal, hacia 1667–1669, hay una transición de estilo buscando una estilización. Abandonó las transiciones de color y empleó la yuxtaposición de colores. Se aprecia bien en el marco dorado de la pared. En La encajera, hacia 1669, mejoró su nueva técnica de estilización. Representó la concentración en el trabajo cuidando el rostro y las manos y prescindiendo de detalles que desvíen la atención. Dalí, que tenía admiración por este cuadro, realizó una copia y una versión surrealista del mismo. Una dama que escribe una carta y su sirvienta, hacia 1670, pertenece también al periodo estilizado, combinó elementos habituales consiguiendo representar la serenidad con maestría. Jan Vermeer y su obra permanecieron en su mayor parte desconocidas durante su vida, ya que sus cuadros no encontraron un público más allá de un pequeño círculo de conocedores y seguidores. La razón es su escasa producción y que cuadros suyos llegaban solo alguna vez a subastas.30? Y aunque la calidad de la obra de Vermeer era apreciada, su obra apenas suscitó atención. Johannes Vermeer no fue completamente olvidado durante los siglos XVII y XVIII, pero era raramente mencionado en la literatura. Aun así, su obra era alabada en general. A comienzos del siglo XIX creció el interés en Johannes Vermeer, a pesar de que hubiese poca información biográfica disponible. Los cuadros de Vermeer fueron especialmente ensalzados en los catálogos de subastas y alcanzaron buenos precios. Por otra parte, la obra de Vermeer fue retomada por otros artistas, como por ejemplo Wybrand Hendriks, que copió la Vista de Delft y pintó cuadros costumbristas al estilo de Vermeer. En 1821, Christian Josi publicó un artículo con el título Discours sur l’état ancien et moderne des arts dans les Pays-Bas, en el que intentó reunir toda la información sobre Vermeer y que encumbró la obra del pintor.31? Después de que el cuadro Vista de Delft fuese especialmente elogiado en la literatura especializada, el rey Guillermo I decidió comprar la obra a través del Mauritshuis. La obra de Vermeer de la galería real del Mauritshuis llamó la atención del coleccionista de arte británico John Smith.32? Smith mencionó a Vermeer en su catálogo de cuadros de Francia, Flandes y los Países Bajos, que ocupaba ocho volúmenes. Smith explicó la corta fama de Vermeer con su escasa obra. Como consecuencia, John Smith se extrañó de su habilidad, tomándolo como un imitador y alumno de otro pintor. A partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo una amplia recepción. El publicista y político francés Théophile Thoré conoció la pintura neerlandesa del siglo XVII durante sus viajes por los Países Bajos y Bélgica, entre la que se encontraba la de Vermeer. Thoré reconoció que el realismo en la representación de la vida diaria se correspondía bien con la estética de su tiempo. Ayudó a la consagración de Vermeer con tres artículos periodísticos muy positivos. En los textos, William Bürger, seudónimo de Théophile Thoré, catalogaba las obras de Vermeer y caracterizaba su pintura. Con los trabajos de Thoré-Bürger Vermeer entraba por primera vez de forma importante en la literatura sobre el Arte. Los impresionistas llegaron a través de la observación de la luz a conclusiones similares a las de Vermeer, en cuyos cuadros la luz se reproducía de forma natural. Así, la obra de Vermeer consiguió cada vez más apreciación. A principios del siglo XX, se descubrieron cuadros de Vermeer en colecciones privadas, como por ejemplo Mujer joven con sombrero rojo.31? Estas obras habían sido atribuidas a otros pintores, como Gabriël Metsu y Pieter de Hooch. Pero Thoré-Bürger y otros críticos e historiadores del arte también atribuyeron a Vermeer cuadros que no eran suyos, como los de Jacobus Vrel y Jan Vermeer van Haarlem. El estudio de Vermeer en el siglo XX se ocupó sobre todo en la identificación exacta de la autoría. No fue hasta 1935 que el museo de Róterdam le dedicó su primera exposición individual. En la actualidad, Vermeer es uno de los pintores neerlandeses más famosos. Así, en 1995 y 1996, 460.000 personas visitaron durante 14 semanas la exposición Johannes Vermeer en La Haya, en la que se exponían 22 de sus obras. Más extraordinario fue que las entradas se agotaran en la venta anticipada. En Washington D. C. la exposición fue visitada por 327.551 personas. Éxito comercial Johannes Vermeer fue apoyado por mecenas, que compraron la mayoría de sus cuadros. Una importante colección acabó en manos de Jacob Dissius y su esposa Magdalena van Ruijven, dueños de una imprenta, que según un inventario realizado después de 1682 poseían 19 obras de Vermeer. Algunos provenían del padre de ella, Pieter Claesz van Ruijven. Otros pueden haber sido comprados por Magdalena van Ruijven, Jacob Dissius o su padre, Abraham Jacobsz Dissius, ya en la venta de la herencia, realizada el 15 de mayo de 1677 en el local del gremio de San Lucas, se vendieron 26 obras de Vermeer. Así que es probable que ambas familias compraran cuadros del pintor.33? Comercialmente, las obras de Vermeer siempre tuvieron una posición destacada. El 16 de mayo de 1696 en una subasta de Gerard Houet, en la que se subastaron 134 cuadros, 21 de ellos eran aparentemente de Vermeer. Los precios exigidos por estos cuadros se encontraban entre los 17 y los 200 florines. El hecho de que sus cuadros alcanzaran precios tan altos es una señal de que era un artista buscado. En la misma subasta, por ejemplo, un retrato de Rembrandt se vendió por algo más de siete florines y la Decapitación de San Juan Bautista atribuido a Carel Fabritius se vendió por 20 florines, lo que subraya el valor de Vermeer. Con la creciente fama y aprecio de la obra de Vermeer a principios del siglo XIX, también aumentaron los precios, Así, El geógrafo se vendió en 1798 por siete luises y en 1803 vendido de nuevo por 36. Un año más tarde, el Estado neerlandés compró Vista de Delft por deseo expreso del rey, por 2900 florines, una cantidad muy alta en la época y lo entregó al Mauritshuis.31? A finales del siglo XIX se iban negociando cada vez más cuadros de Vermeer a precios cada vez más altos. Millonarios norteamericanos como John Pierpont Morgan, Henry Frick, Henry Marquand e Isabella Stewart Gardner compraron obras de Vermeer y fueron cortejados por los museos, para que se los prestasen o quizás traspasasen la propiedad. Un ejemplo del desarrollo de los precios es la Alegoría de la fe. En 1899, Abraham Bredius compró este cuadro por unos 700 florines y lo prestó al Mauritshuis y al museo Boymans van Beuningen. Bredius vendió finalmente el cuadro por unos 300.000 dólares al estadounidense Michael Friedsam, que lo entregó en herencia al Museo Metropolitano de Nueva York.34? Por 625.000 florines compró Henri W. A. Deterding en 1921 el cuadro La callejuela de la colección Collectie Six, llamada así por el coleccionista Jan Six, y se lo regaló al Estado neerlandés. Por voluntad de Deterding el cuadro se muestra en el Rijksmuseum en Ámsterdam.35? El desarrollo de los precios y la gran demanda convirtieron a Vermeer en un autor atractivo para falsificadores. En 1940, Adolf Hitler compró El arte de la pintura (Alegoría de la pintura) por 1.650.000 reichsmark a los austríacos Eugen y Jaromir Czernin. Los impuestos de unos 500.000 reichsmark también fueron pagados por Hitler. Anteriormente ya había habido varias ofertas, entre otras, una de más de seis millones de dólares del secretario de estado de Estados Unidos Andrew Mellon, pero no se dio el permiso de exportación.36? El cuadro fue comprado para el museo de arte que tenía planeado en Linz y, tras su compra, el cuadro quedó temporalmente en Múnich. Hacia finales de la Segunda Guerra Mundial fue escondido en la mina de sal de Altaussee y después de la guerra fue tomado prestado por los estadounidenses.37? Estos entregaron El arte de la pintura al Museo de Historia del Arte de Viena. En 2004, Steve Wynn subastó Mujer joven sentada al virginal por treinta millones de dólares. Era la primera vez que un Vermeer era subastado desde 1921.38? Falsificaciones Debido a que la autoría de Vermeer solo se considera segura en 37 cuadros, ha habido una y otra vez rumores sobre la existencia de más cuadros, cuya localización sería desconocida. Esta circunstancia ha sido aprovechada para que falsificadores crearan cuadros de Vermeer supuestamente desconocidos hasta el momento y los vendiesen en el mercado del arte. La demanda de cuadros de Vermeer era tan grande que no podía ser cubierta por su escasa obra. El neerlandés Han van Meegeren (1898-1947) creaba falsificaciones tan perfectas que incluso el experto en Vermeer Abraham Bredius realizó peritajes sobre la autenticidad de estas obras. Bredius confirmó entre otros la autenticidad del cuadro Cena de Emaús de van Meegeren, comprado por el Museo Boijmans van Beuningen de Róterdam en 1938. Incluso el Estado neerlandés compró el falso Vermeer El lavapiés en 1943, que se encuentra en la actualidad en el Rijksmuseum en Ámsterdam. También el Reichsmarschall Hermann Göring compró una falsificación de Han van Meegeren para la colección que estaba creando mediante el expolio en los países ocupados de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. La falsificación era tan buena, que las autoridades neerlandesas también la dieron por auténtica y le acusaron de traición por haber vendido bienes artísticos neerlandeses a los nazis. Para demostrar que él era el autor del cuadro en cuestión, Van Meegeren compuso un nuevo cuadro atribuible a Vermeer ante el atento examen de la policía neerlandesa. Las autoridades neerlandesas cambiaron los cargos de traición a falsificación, por los que Van Meegeren fue condenado a dos años de prisión. Además de Bredius, también Wilhelm von Bode y el director del Mauritshuis, Wilhelm Martin, realizaron peritajes positivos para falsificaciones de Vermeer. Estos cuadros pertenecen en la actualidad a la National Gallery of Art de Washington.39?40? Entretanto existen métodos de estudio con los que se puede fijar con seguridad si un cuadro atribuido a Johannes Vermeer ha sido pintado en la época adecuada. Falsificaciones en las que se empleó plomo moderno o compuestos de plomo moderno en los pigmentos, se pueden detectar con ayuda del método del plomo 210. El plomo 210 es un isótopo del plomo de la familia de desintegración del uranio 238, creado a partir del radio 226 con un tiempo medio de vida de 22 años. Este tiempo de vida medio tan corto puede ser empleado para identificar falsificaciones más recientes. Además, en la época de Vermeer se empleaba en los Países Bajos plomo procedente del Mittelgebirge de Europa Central. A partir del siglo XIX se comenzó a emplear plomo de América y Australia, de forma que la cerusa (el pigmento blanco) tiene trazas de elementos y composición isotópica diferentes que se distinguen de la cerusa antigua. Este además se caracterizaba por un alto contenido de plata y antimonio, mientras que la cerusa moderna ya no contiene estos elementos químicos, que se separan del plomo por reducción. Influencia posterior Pintura Mujer tocando la guitarra, hacia 1672. El estilo tardío se extrema, algunos detalles son tratados esquemáticamente. Abandona su ideal de figuras inmóviles haciendo reír y moverse a esta mujer. Mujer sentada tocando la espineta, hacia 1675. Se aprecia la decadencia de su fuerza creadora tanto en la composición, como en la luz y los detalles. En pintura, Vermeer supuso una importante influencia para Salvador Dalí. De niño, Dalí estaba fascinado por una reproducción de La encajera de Vermeer que colgaba en el despacho de su padre. En 1934, pintó algunas obras relacionadas con obras de Johannes Vermeer, como Masquerader, intoxicated by the limpid atmosphere («El que participa en un baile de máscaras, intoxicado por una atmósfera límpida») o Espectro de Vermeer de Delft,41? que representa a Vermeer como una figura oscura arrodillada, de manera que la pierna forma una mesa. Sobre la mesa se encuentra una botella y una pequeña copa. En el cuadro Paysage avec elements enigmatiques («Paisaje con elementos enigmáticos»)42? del mismo año, Jan Vermeer está representado frente al caballete. En 1936, pintó Apparition de la ville de Delft («Aparición en la villa de Delft»),43? que muestra al fondo una parte de la Vista de Delft. Salvador Dalí pidió permiso al Louvre para hacer una copia de La encajera, que le fue concedido. De esta forma pintó en 1955 la copia44? y el cuadro Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer («Pintor paranoico-crítico de la encajera de Vermeer»),45? en el que hace explotar el cuadro en forma de cuernos de rinoceronte. Esta forma ya había aparecido en la niñez de Dalí, porque al mirar el cuadro tenía que pensar en los cuernos.46? Salvador Dalí admiraba a Vermeer y comparó La encajera con la Capilla Sixtina, señaló literalmente: Miguel Ángel con su Juicio Final no es más extraordinario que Vermeer van Delft con su encajera en el Louvre, de tamaño un palmo cuadrado. Cuando se tienen en cuenta las dimensiones plásticas, se puede afirmar que La encajera es extraordinaria frente a la Capilla Sixtina. Dalí47? Literatura Gran fama tiene la alusión al cuadro Vista de Delft en la obra del escritor francés Marcel Proust. Proust viajó en octubre de 1902 a los Países Bajos y vio allí, entre otros cuadros, también Vista de Delft de Vermeer, que fue la que más le gustó.48? Cuando en primavera de 1921 se mostró una colección de cuadros de maestros neerlandeses en el museo del Jeu de Paume en París, Proust fue a verla, a pesar de que estaba enfermo de asma y se había retirado de la vida pública, ya que se mostraban Vista de Delft, La lechera y La joven de la perla. En la escalera de entrada a la exposición tuvo un ataque de debilidad, que achacó a las patatas que había comido antes. Marcel Proust retomó tanto la vista de Delft como su ataque de debilidad en su obra monumental A la recherche du temps perdu (escrito entre 1913 y 1927, «En busca del tiempo perdido»), concretamente en su quinta parte, La Prisonnière (1923, «La prisionera») con su personaje Bergotte. Gracias a una crítica, Bergotte ve fijada su atención por un «trozo de muro amarillo» en la Vista de Delft. Este trozo de muro resulta todavía en la actualidad un misterio, ya que no se ha encontrado en el cuadro. El lugar es descrito en el francés original como Le petit pan de mur jaune avec un auvent y du tout petit pan de mur jaune («el pequeño trozo de muro con un tejadillo»).49? Ya que este elemento no está en el cuadro, actualmente se supone que o bien fue inventado por Proust para su novela, o bien es debido a un fallo en su memoria. Recientemente, Vermeer ha conseguido una gran popularidad gracias a la novela La joven de la perla de Tracy Chevalier. El libro trata la cuestión de la identidad de la mujer que aparece en el cuadro La joven de la perla, desarrollando una historia ficticia alrededor de la criada Griet, que hace de modelo. También es ficción la historia de Susan Vreeland en su libro La joven de azul jacinto. En el libro, un cuadro ficticio de Vermeer, Niña con costurero, que mostraría a la hija del pintor, es mostrado a través de sus dueños, desde el presente hasta el mismo Vermeer, que solo es tratado al final del libro. Con El enigma Vermeer, el pintor llega a la literatura infantil. El libro de la autora Blue Balliett trata sobre todo los cuadros El geógrafo y Dama en amarillo escribiendo. Este último es robado en la historia para llamar la atención sobre el hecho de que algunos cuadros han sido atribuidos por error a Vermeer. En 2005, Luigi Guarnieri escribió la novela La doppia vita di Vermeer («La doble vida de Vermeer»), que cuenta la historia del falsificador Han van Meegeren, que consiguió hacerse famoso con sus falsificaciones de Vermeer. Cine La obra de Vermeer no solo dejó su huella en la pintura de Dalí, sino también en su obra cinematográfica. En 1954 Dalí y Robert Descharnes comenzaron los trabajos para la realización de una película titulada L’Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros o también L’aventure prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros. La película, relacionada con La encajera y el rinoceronte, no llegó a terminarse. También en la película surrealista Un perro andaluz de 1929, coescrita por Dalí, aparece brevemente La encajera como ilustración en un libro. Peter Greenaway intentó reproducir las obras de Vermeer en su película A Zed & Two Noughts (1985; «Una Z y dos ceros»). En la película All the Vermeers in New York (1990; «Todos los Vermeer en Nueva York») de Jon Jost se menciona a menudo a Vermeer cuando una actriz francesa se encuentra con un agente en el Metropolitan Museum. En 2003, el director británico Peter Webber adaptó el libro La joven de la perla. La protagonista, Griet, la criada, fue interpretada por Scarlett Johansson y Vermeer por Colin Firth. La película La joven de la perla consiguió varios galardones y fue nominada a tres premios Óscar. En 2013 Teller dirigió la película documental Tim’s Vermeer. Se observa al inventor Tim Jenison en un proceso de 5 años para reproducir el cuadro Lección de música recreando los modelos y técnica originales. Véase también Anexo:Cuadros de Johannes Vermeer Un pintor en quien se inspiró: Pieter de Hooch Su principal falsificador: Han van Meegeren Referencias  “The Procuress: Evidence for a Vermeer Self-Portrait”. Consultado el 6 de julio de 2016 (en inglés).  Blankert, Catálogo, p.171-201  Schneider, Norbert (2010). Vermeer. La obra completa. Taschen.   978-3-8365-1375-3.  Vermeer: A View of Delft The Economist. Retrieved January 9, 2008.  Ben Broos, Arthur K. Wheelock: Vermeer. Das Gesamtwerk Pág. 15, 16  Norbert Schneider: Vermeer sämtliche Gemälde. Taschen, Köln 2004. Pág. 8  DuMont: Vermeer. DuMont Literatur- und Kunstverlag, Köln 2003. pág. 12  Schneider, Norbert (2010). Vermeer. 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(enlace roto disponible en Internet Archive; véase el historial, la primera versión y la última).  Cuadro: The Ghost of Vermeer of Delft Which Can Be Used As a Table  Cuadro: Paysage avec elements enigmatiques  Cuadro: Apparition de la ville de Delft  Cuadro: Copia de la encajera  Cuadro: Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière de Vermeer  Catálogo de la exposición de Dalí en Zúrich, Hatje Verlag, Stuttgart 1989   3-7212-0222-8, pág. 340  Katalog der Dali-Retrospektive 1920–1980, Prestel, München 1980,   3-7913-0494-1 pág. 342  Dieter E. Zimmer: Auf der Suche nach dem gelben Mauerstück, pág 4  Dieter E. Zimmer: Auf der Suche nach dem gelben Mauerstück, pág 3 Bibliografía Norbert Schneider: Vermeer sämtliche Gemälde. Taschen, Colonia 2004,   3-8228-6377-7 Piero Bianconi, István Schlégl: Das Gesamtwerk von Vermeer. Kunstkreis, Luzern 1967 Ben Broos, Arthur K. Wheelock (Hrsg.): Vermeer. Das Gesamtwerk. Belser, Stuttgart 1995,   3-7630-2322-4 Blankert, Albert (1986). «Catálogo». 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Museum Folkwang, Essen 1979,   3-7759-0201-5 Enlaces externos  Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre Johannes Vermeer.  Wikilibros alberga un libro o manual sobre Werkverzeichnis Jan Vermeer. Vermeer de Delft. Johannes Vermeer en Artehistoria (en español) con lista de cuadros por orden alfabético, cronológico y galería Vermeer Centrum Delft (en inglés) Sobre el falsificador Meegeren (en inglés) Vermeer y la pintura de género neerlandesa (National Gallery of Art, Washington) Control de autoridades Proyectos WikimediaWd Datos: Q41264Commonscat Multimedia: Johannes Vermeer IdentificadoresWorldCatVIAF: 51961439ISNI: 0000 0001 0901 268XBNE: XX914312BNF: 11940023b (data)CANTIC: a10460536GND: 118626590LCCN: n79006488NDL: 00459685NKC: jn20000701890NLA: 35580238CiNii: DA00375717SNAC: w60002hcSUDOC: 027336336ULAN: 500032927BIBSYS: 90170004UB: a1240462ICCU: IT\ICCU\RAVV\025546BPN: 41717663Open Library: OL134473ARKD: 80476Diccionarios y enciclopediasBritannica: urlRepositorios digitalesPersée: 693769Europeana: agent/base/60404 Categorías: HombresNacidos en 1632Fallecidos en 1675Nacidos en DelftFallecidos en DelftJohannes VermeerPintores del Siglo de oro neerlandésPintores de escenas mitológicasPintura de género del Siglo de oro neerlandésConversos al catolicismo desde el calvinismo

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1Absolu de Rochas, 20021. Absolutely Irrésistible de Givenchy, 2008. Notes : fleur d’oranger, cèdre, baies rouges, héliotrope et jasmin2. A*Men de Thierry Mugler,  Jacques Huclier, 1996. Le flacon est dessiné par Thierry Mugler. Notes : grain de café, cèdre et musc3,4. A*Men Pure Coffee de Thierry Mugler, 1998. A*Men Pure Arabica de Thierry Mugler, 2008. Acqua Allegoria de Guerlain. Acqua Allegoria Pampeplune de Guerlain,  Mathilde Laurent, 19985. Aqua Allegoria Herbafresca de Guerlain,  Mathilde Laurent, 19996,5. Acqua Allegoria Bergamote Calabria de Guerlain,  Delphine Jelk, 2017 Acqua Di Giò de Giorgio Armani,  Alberto Morillas et Jacques Cavallier, 19967,8. Acqua Di Gioia de Giorgio Armani, 2011. Notes : cèdre, citron, menthe, sucre roux, labdanum et jasmin9. Acqua di Gioia Essenza de Giorgio Armani. Adastra de Caron, 193910. Agua Brava de Puig, 1968. Eau de cologne pour hommes11. Agua Lavanda de Puig,  Jean Carles, 194012. Alchimie de Rochas, 199813. Alien de Thierry Mugler,  Dominique Ropion et Laurent Bruyère (IFF), 2005. Notes : ambre14. Alien Eau Luminescente de Thierry Mugler,  Dominique Ropion. Notes : mandarine, fleur de tiaré, ambre. Alien Sunessence de Thierry Mugler, 2011. Note : kiwi15. Alix de Grès, 198216. Alliage d’Estée Lauder, 19726. Allure de Chanel,  Jacques Polge, 199614. Allure Sensuelle de Chanel,  Jacques Polge, 2005. Flacon rouge métallisé. Notes : encens, vanille bourbon et patchouli ambré. Allure Homme de Chanel,  Jacques Polge, 1999. Un boisé ambré, notes : ambre, bois, épices, agrumes14. Allure Homme Sport de Chanel,  Jacques Polge, 200417. Allure Homme Sport Cologne Sport de Chanel,  Jacques Polge, 200718. Allure Homme édition blanche de Chanel,  Jacques Polge, 200819. Allure Homme Sport Eau Extrême de Chanel,  Jacques Polge, 201217. Alpona de Caron, 193910. Amarige de Givenchy,  Dominique Ropion, 199120. Amarige Mariage de Givenchy. Notes : orange, magnolia, jasmin, santal, patchouli. Amazone d’Hermès,  Maurice Maurin, 197420. Amber & patchouli Cologne de Jo Malone,  Christine Nagel, 201021. Amber pour Homme de Prada,  Daniela Andrier, 200622. Amber pour Homme Intense de Prada, 2011. Notes : vanille Bourbon, myrrhe, bergamote23. Ambra d’Etro, 198924. Ambre de Guerlain, 189025. Ambre de Molinard, 199324. Ambre Antique de Coty,  François Coty, 190526. Ambre Gris de Balmain,  Guillaume Flavigny, 2008. Notes : épices, myrrhe, tubéreuse, ambre gris, bois de gaïac et musc blanc27,28. Ambre Royal de Violet29. Amérique de Courrèges, 197430. Amor Amor de Cacharel,  Dominique Ropion et Laurent Bruyère, 200331. Amor Amor Catch Me de Cacharel,  Dominique Ropion, 201232. Amor Amor Elixir de Cacharel. Flacon bleu nuit. Notes : fleurs blanches sur fond de bois exotiques et de benjoin. Amor Amor Tentation de Cacharel, 2008. Notes : mandarine, lierre, jasmin, fleur de tiaré, cèdre et vanille2. Amor Amor Absolu de Cacharel,  Dominique Ropion, 201033. Amouage d’Amouage (Sultanat d’Oman),  Guy Robert, 198434. Amour Amour de Jean Patou, 192534. Anaïs Anaïs de Cacharel,  Annette Louit, Roger Pellegrino (Firmenich), 1980. Notes : tubéreuse, chèvrefeuille, jacinthe et rose. Le flacon est imaginé par Annegret Beier et la photo est prise par Sarah Moon35 Ange ou démon de Givenchy,  Jean-Pierre Béthouart, 200636. Notes : Lys blanc, héliotrope amandée et poudrée. Ange ou Démon, le secret de Givenchy, 200937. Angel de Thierry Mugler, 19927. Angel Innocent de Thierry Mugler,  Laurent Bruyère, 199838. Angélique Noire de Guerlain,  Daniela Andrier, 200522. Antaeus de Chanel, 198139. Antaric d’Yves Rocher, 199040. Antidote de Viktor & Rolf, 2006. Parfum pour homme41. Apparition d’Ungaro,  Francis Kurkdjian et Françoise Caron, 20048,42. Après l’Ondée de Guerlain, 1906.  Jacques Guerlain43. Aquawoman de Rochas, 200213. Aquazur de Lancaster,  Francis Kurkdjian8. Armani de Giorgio Armani, 198244. Armani Code de Giorgio Armani,  Antoine Lie, Antoine Maisondieu et Clément Gavarry, 2004. Armani Code Ultimate d’Armani,  Antoine Maisondieu, 2012. Notes : pamplemousse, mandarine, badiane, cyprès, vanille et fève tonka45. Armani Mania de Giorgio Armani,  Francis Kurkdjian8. Aromatics Elixir de Clinique (Estée Lauder),  Bernard Chant, (IFF), 197146,47. Arpège de Lanvin,  André Fraysse et Paul Vacher, 192746. Éclat d’Arpège de Lanvin,  Karine Dubreuil, 200248. Éclat d’Arpège Pour Homme de Lanvin, 2015 Arsène Lupin de Guerlain, 201049. A Scent by Issey Miyake d’Issey Miyake,  Daphné Bugey, 20096,50. A Scent by Issey Miyake Eau de parfum florale d’Issey Miyake, 201051. Ashes of Roses de Bourjois, 190952. A Suma de François Coty,  Vincent Roubert, 1934 53,54. Aura de Thierry Mugler, 2017 Azzaro de Loris Azzaro, 1975. Son flacon est  Pierre Dinand55. Azzaro Couture de Azzaro, automne 2008, nouvelle version du parfum Azzaro. Azzaro 9 de Loris Azzaro, 198456. Azzaro pour Homme de Loris Azzaro,  Gérard Anthony (Firmenich), 1978. Notes : Fougère hespéridée, musquée, ambrée et boisée57,8. Azzura de Loris Azzaro,  Laurent Bruyère, 199958,38.  Sommaire : B B de Boucheron, 200859. Notes boisé floral : cèdre, santal, patchouli, rose, osmanthus, fleur d’oranger et épices2. Baby Doll d’Yves Saint Laurent,  Cécile Matton, 199960. Baby Doll Candy Pink d’Yves Saint-Laurent, 2005. Baghari de Robert Piguet  Francis Fabron, 1950. Bal à Versailles de Jean Desprez, 196261. Balahé de Léonard, 198362. Balenciaga Paris de Balenciaga, 2010. Note : violette63,64. Balenciaga pour Homme de Balenciaga, 199061. Balmain Homme de Balmain, 201565. Bandit de Robert Piguet,  Germaine Cellier, 194466 Bang de Marc Jacobs, 201067. Be Delicious de DKNY,  Maurice Roucel, 200468,69. Beautiful d’Estée Lauder,  Max Gavarry, 1986. Le flacon est  Ira Levy70,71. Beige de Chanel,  Jacques Polge, 200972. Bel Ami, d’Hermès,  Jean-Louis Sieuzac, 198673. Bel Respiro de Chanel,  Jacques Polge et Christopher Sheldrake, 200774. Notes : herbe de feuilles, garrigue et cuir, en référence à la maison de Garches de Coco Chanel73. Belle de Minuit de Nina Ricci, 200074 Belle en Rykiel Blue and Blue de Sonia Rykiel, 20081. Belle France de Guerlain, 189225. Bellodgia de Caron,  Ernest Daltroff, 192775. Beyond Paradise d’Estée Lauder,  Calice Becker, 200372. Beyond Paradise pour Homme d’Estée Lauder,  Calice Becker, 200472. Bint el Sudan Eric Burgess, 192076 Bizarre de Piguet,  Jean Carles, 194512. Black Orchid de Tom Ford, 200677. Blenheim Bouquet de Penhaligon’s, 1902. Notes : agrumes et pin78. Bleu de Chanel,  Jacques Polge, 2010. FiFi Award aux États-Unis en 201179. Blue Grass d’Elizabeth Arden,  Georges Fuchs, 193479. Body Power d’Estée Lauder, 20006. Bois d’Encens d’Armani Privé,  Michel Almairac, 200480. Bois d’Orange de Roger & Gallet, 200977. Bois des Îles de Chanel,  Ernest Beaux, 192681. Bon vieux temps de Guerlain, 1902.  Jacques Guerlain43. Boss de Hugo Boss, 199959 Boss Blue Edition de Hugo Boss,  Gérard Anthony (Firmenich), 20048. Boucheron de Boucheron, 198859. Boucheron pour Homme de Boucheron, 199159. Boudoir de Vivienne Westwood, 199882. Bowling Green de Geoffrey Beene, 199083. Boxeuses de Serge Lutens, 2010. Notes : prune, la réglisse et violette84. Byzance de Rochas,  Nicolas Mamounas, 1987. Notes : citron, jasmin, tubéreuse, rose de Turquie, santal, vanille, musk, cardamome85,86. Sommaire : C C’est la vie ! de Christian Lacroix,  Roure, 199087. C’est la fête de Christian Lacroix,  Jean Jacques, 200788. Cabochard de Grès, 195989. Cabotine de Grès, 199090. Cabotine Gold de Grès, 200974. Cachet bleu de Lancôme, 193591. Calandre de Paco Rabanne,  Michel Hy, 196992. Calèche d’Hermès, 196189. Calendal de Molinard, 192993. Caline de Jean Patou, 196489. Candide Effluve de Guerlain,  Jacques Guerlain, 192494. Canoë de Dana, 193595. Cantilène de Revillon, 194896. Capricci de Nina Ricci, 196289. Captain de Molyneux, 197597. Caractère de Daniel Hechter, 198998. Carbonne de Balmain, 201065. Cardin de Pierre Cardin, 197699. Carnation de By Terry,  Mona Di Orio, 2006100. Carnegie Blue de Carnegie, 1944101. Carnet de bal de Revillon, 193791. Ce Soir ou Jamais d’Annick Goutal,  Annick Goutal, 1999102. Celui de Jean Dessès, 1962103. Cerruti Image Woman de Cerruti, 20006. Chaldée de Jean Patou, 192791. Chamade de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 196989,104. Champs-Élysées de Guerlain, 1re version créée par Jacques Guerlain, 1904. Le flacon est en forme de tortue105. Deuxième version créée par Jean-Paul Guerlain, 1996106. Too Much Champs-Élysées de Guerlain, 2000107. Champion de Davidoff,  Aurélien Guichard108. Champion Energy de Davidoff,  Aurélien Guichard, 2011108. Chance de Chanel, 2003109 Chant d’Arômes de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1962110,104. Chantilly de Houbigant,  Marcel Billot, 1941110. Cherry Blossom de Guerlain, 2000107. Cherry Blossom Glittering de Guerlain, 2004107. Chicane de Jacomo, 197189. Chloé de Karl Lagerfeld, 197599. Choc de Pierre Cardin, 198199. Christian Lacroix de Christian Lacroix, 1999. Notes : pêche, estragon, coriandre, vétiver, santal88. Le Chypre de Coty,  François Coty, 1917. Notes : mousse de chêne, patchouli, ciste et bergamote111,112. Chypre de Paris de Guerlain, 1909113. Cialenga de Balenciaga, 197399. Ciao d’Houbigant, 1984114. Cigalia de Roger & Gallet, 1911115. Cinnabar d’Estée Lauder, 1978116. Citizen Queen de Juliette Has A Gun,  Francis Kurkdjian, 2008. Un chypré poudré117. Citron Citron de Miller Harris,  Lyn Harris118. CK in U de Calvin Klein,  Bruno Jovanovic, 2007119. CK One de Calvin Klein,  Alberto Morillas de Firmenich, 1995120. CK One Summer de Calvin Klein,  Harry Fremont. Notes fraîches et sucrées : agrumes frais, fleur d’oranger, pamplemousse, menthe et gingembre. CK One Shock de Calvin Klein, 2011121. CK One Shock street édition de Calvin Klein, 2013. Il existe une version masculine créée par Céline Barel et Pierre Wargnye et une version féminine créée par Clément Gavarry. La décoration des flacons est imaginée par deux graffeurs, Miss 163 et Fabel121. Clair de Jour de Lanvin, 1983122. Clandestine de Guy Laroche, 1986123. Classique de Jean Paul Gaultier, 1996. Note : rose124. Climat de Lancôme, 1967125. Clin d’œil de Bourjois, 1984126. Coco de Chanel,  Jacques Polge, 1984127. Coco Mademoiselle de Chanel,  Jacques Polge, 2001109. Coco Noir de Chanel,  Christopher Sheldrake et Jacques Polge, 2012128. Cocktail de Jean Patou, 193091. Cœur de Jeannette d’Houbigant,  Paul Parquet129. Cœur Joie de Nina Ricci, 1946130. Collection Extraordinaire de Van Cleef & Arpels, 200937. Cologne de Thierry Mugler,  Alberto Morillas, 2001131. Cologne Bigarade des Éditions de parfums Frédéric Malle,  Jean-Claude Ellena, 2001109,132. Cologne Blanche de Dior,  Francis Kurkdjian8. Colony de Jean Patou, 193891. Comme des Garçons de Comme des Garçons, 19947.Francis Kurkdjian Comme une Evidence L’Eau d’Yves Rocher, 2011. Notes : agrumes, patchouli, jasmin15. Complice de Coty, 197499. Cool Water de Davidoff,  Pierre Bourdon, 1988133,134. Cool Water Pure Pacific de Davidoff8. Coque d’or de Guerlain, 193791. Coriolan de Guerlain, 1999107. Cordon Vert de François Coty, 1905. Cordon Rouge de François Coty, 1909. Coromandel de Chanel, 200724. Notes : encens et benjoin. Coryssima de Coryse Salomé, 197299. Courrèges in Blue de Courrèges, 1983135. Cralliam de Roger & Gallet, 1886115. Création de Coryse Salomé, 1951136. Crêpe de Chine de Millot,  Jean Desprez, 1925113,137. Cristalle de Chanel, 197499. Cuir Beluga de Guerlain, 2005138. Cuir de Russie de Chanel, 1924139. Cyprisine de Guerlain, 189425.  Sommaire : D D de Diane von Fürstenberg,  Annie Buzantian (Firmenich), 20038. Daisy de Marc Jacobs. Daisy Eau So Fresh de Marc Jacobs, 2011. Notes : framboise, rose sauvage et prune15. Dali des parfums Salvador Dali,  Alberto Morillas, 1983140. Dans la nuit de Worth,  Maurice Blanchet, 1924141. Davana de Franka M. Berger, 1985142. Davidoff de Davidoff, 1987143. De Viris de Bogart, 1982143. Déclaration de Cartier,  Jean-Claude Ellena144. dédicace de Chéramy, 196689. Derby de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1985143,104. Derrick de Orlane, 1978145. Désir Princier de Lenthéric, 1910146. Desire Me d’Escada, 2009. Note : tiramisu147. Detchema de Revillon, 1953136. Di Borghese de Borghese, 19786. Dior Addict de Christian Dior,  Thierry Wasser148, 20021. Dior Dior, de Christian Dior, 197699. Dior Homme de Christian Dior, 2005. Dior Homme Intense de Christian Dior. Dior Homme Sport,  François Demachy, 2008. Notes : cèdre, gingembre, cédrat et iris149. Diorama de Christian Dior, 1949136. Diorella de Christian Dior,  Edmond Roudnitska, 1972. Composants : citron, basilic, chèvrefeuille, pêche, jasmin, vétiver et mousse de chêne150,151. Dioressence de Christian Dior,  Max Gavarry, 1979. Composants : géranium, jasmin, cannelle, vétiver, patchouli et mousse de chêne150,71. Diorissimo de Christian Dior,  Edmond Roudnitska, 1956. Composants : muguet, lys Saint-Jacques, jasmin, ylang-ylang, boronia et bois de rose150. Diorling de Christian Dior,  Paul Vacher, 1963. Chypre cuir89,152. Diva de Ungaro,  François Demachy, 1983127,153. Divine folie de Jean Patou, 193391. Dix de Balenciaga, 194661. Dix pétales de rose de Guerlain, 189925. Djedi de Guerlain, 192591. Dolce Vita de Christian Dior,  Pierre Bourdon et Maurice Roger, 1995 Double mixte de Revillon, 1984135. Douce ivresse d’Isabelle Lancray, 1985142. Drakkar de Guy Laroche, 1972145. Drakkar Noir de Guy Laroche, 1982. Composants : citron, mandarine, lavandin, coriandre, mousse de chêne, patchouli, cèdre et vétiver154. Dune de Christian Dior, 1991133. Notes : bergamote, vanille, benjoin. Dunhill for men de Dunhill, 1936155. Sommaire : E Eau d’Ikar de Sisley, 2011156. Eau d’orange verte de Hermès Eau de Camille d’Annick Goutal, 1983102. Eau de Campagne de Sisley,  Jean-Claude Ellena, 1987. Composants : feuilles de tomate, basilic, citron, jasmin, géranium, muguet et bois157. Eau de Caron de Caron, 1980158. Eau de Cartier de Cartier, 2001159. Eau de Chypre de Guerlain, 1850160. Eau de Cologne Originale de Jean Marie Farina (1685-1766), 1708/1709 161. Eau de Cologne d’Hermès, 1979162. Eau de Cologne à la bergamote de Chanel Eau de Cologne de Lanvin de Lanvin, 193491. Eau de Cologne impériale de Guerlain, 1853. Le flacon a été  Pierre-François-Pascal Guerlain163. Eau de Courrèges de Courrèges, 197499. Eau de Cristobal, de Balenciaga, 20031. Eau de Fleurs de Cédrat de Guerlain. Notes : cédrat164. Eau de Givenchy de Givenchy, 1980164. Eau de Gloire de Parfum d’Empire,  Marc-Antoine Corticchiato. Eau de Gucci de Gucci, 1982135. Eau de Guerlain de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1959165 Eau de Hongrie, 1370. Notes : romarin, esprit de vin, essence de lavande, bergamote, jasmin, cirse et ambre. Eau de Lubin de Lubin, 1969151. Eau de Parfum de Boucheron Eau de Parfum de Capucci, 1980135. Eau de Parfum de John Galliano, 2008, flacon silhouette drapée teintée d’un dégradé du framboise au violet, bouchon rose or surmonté d’un “G” gothique. Notes : rose, iris poudré, musc ambré. Eau de Patou de Jean Patou,  Jean Kerléo, 197699. Eau de Rochas de Rochas,  Nicolas Mamounas, 1970. Composants : Rose sauvage, citron vert, mandarine, narcisse, ambre, santal85,86. Eau de Rochas Fraîche de Rochas, 2010. Créée par Jean-Michel Duriez. Notes : Bergamote, Citron, Orange, Fleurs blanches, muscs blancs Eau de Rochas Homme de Rochas,  Gilles Romey (Quest), 1993166. Eau de Roche de Rochas, 1948. Ancêtre de l’Eau de Rochas. Eau de Sisley de Sisley, 2009167. Eau de Sisley 2 de Sisley, 20096. Eau de Sisley 3 de Sisley, 2009167. Eau de Thé Vert de Roger & Gallet,  Jean-Claude Ellena. Eau de Toilette de Cardin, 1976168. Eau d’Hermes,d’Hermes  Edmond Roudnitska, 1951169 Eau des merveilles d’Hermès,  Ralf Schwieger et Nathalie Feisthauer, 2004170. Parfum des Merveilles d’Hermès,  Jean-Claude Ellena et Ralf Schwieger, 2005170. Élixir des merveilles d’Hermès,  Jean-Claude Ellena, 2006170. Eau Claire des Merveilles d’Hermès,  Jean-Claude Ellena, 2010170. Eau Du Soir de Sisley. Eau Duelle de Diptyque. Notes : épices, vétiver, calamus, thé noir et oliban. Eau Ensoleillante de Clarins. Notes : mimosa, mandarine, pamplemousse, ylang-ylang, patchouli. Eau Fraîche de Léonard, 1974171. Eau Indigo, de Kenzo,  Christine Nagel, 200950. Eau Jeune de L’Orientale. Bouchon oriental. Notes : un oriental à la liqueur d’amande, jasmin et baume de tolu. Eau Noire de Dior,  Francis Kurkdjian8. Eau parfumée au thé vert de Bulgari,  Jean-Claude Ellena, 19927. Eau parfumée au thé blanc de Bulgari,  Jacques Cavallier, 2003. Eau parfumée au thé rouge de Bulgari,  Olivier Polge, 2006. Eau pour homme de Giorgio Armani, 198444. Eau sauvage de Christian Dior,  Edmond Roudnitska, 1966. Notes : bergamote, citron. Eau Sauvage Extrême de Christian Dior, 1984172. Eau Sensuelle de Rochas de Rochas, 2008. Créée par Jean-Michel Duriez. Notes : Orange sanguine, Mangue, Fleur d’Oranger, Iris, Fruits Secs. Eau Suave de Parfum d’Empire,  Marc-Antoine Corticchiato. Eau Svelte de Dior, 1996166. Ébène de Balmain, 1983. Composants : Lantana, vétiver, patchouli, mousses de chêne173. Éclat d’Arpège de Lanvin, 2002 Éclat d’Arpège Pour Homme de Lanvin, 2015 Éclat de Fleurs de Lanvin, 2015 Éclat de Jasmin d’Armani, 2007. Flacon en bois de kotibé africain aux lignes épurées. Notes florales : jasmin d’Égypte, patchouli, vétiver d’Haïti. Echo de Davidoff, 2003 Ecusson de Jean d’Albret, 1946136. Eden de Cacharel, 1994174. Égoïste de Chanel,  Jacques Polge et François Demachy, 1990153. Elle d’Yves Saint Laurent. Notes : freesia, pivoine, citron, litchi, baies roses, vétiver, patchouli. Elle Intense d’Yves Saint-Laurent, 2008. Ellipse de Jacques Fath, 1974175. Émeraude de Coty,  François Coty, 192126. Emeri Jean-Marie Farina de Roger & Gallet Emir de Dana,  Jean Carles, 193512. Empreinte de Courrèges, 197199. En Avion de Caron, 1932. Flacon  Félicie Wanpouille et Paul Ternat144. Encens et Lavande de Serge Lutens,  Serge Lutens et Christopher Sheldrake, 1996176. Enjoy de Jean Patou,  Jean-Michel Duriez, 2003. Notes : cassis, banane verte et poire147,177. Ensoleille-moi de Gas. Notes : tiaré, bergamote, ylang-ylang. Envol de Ted Lapidus, 1978178. Envy de Gucci,  Maurice Roucel, 1997147. Envy For Men de Gucci,  Daniela Andrier, 199822. Équateur de Bourjois, 1993 Équipage d’Hermès, 1970179. Erbe Marzoline d’Amanda Lacey, créé à Grasse par Richard Melchio, 2007. Notes : citron, ambre et musc. Escada acte 2 d’Escada. Le flacon évoque les jambes croisées d’une femme. Escale à Pondichéry de Dior,  François Demachy, 200950. Escale à Portofino de Dior. Escape de Calvin Klein, 1991133. Especially Escada d’Escada. 2011. Créée par Jean-Michel Duriez. Notes : Rose, Poire, fleurs blanches. Essence de Narciso Rodriguez,  Alberto Morillas, 2009. Notes : musc, iris, rose, ambre180. Essence de Cerruti de Cerruti, 2009181. Essência do Brasil Breu Branco de Ekos. Notes : Breu Branco, fleurs et épices. Essenza di Zegna d’Ermenegildo Zegna,  Alberto Morillas et Jacques Cavallier, 2003182. Eternity de Calvin Klein,  Sophia Grojsman, 1988183. Eternity For Men de Calvin Klein,  IFF, 1989184. Eternity Aqua de Calvin Klein. Étiquette Bleue des Parfums d’Orsay Étoile de Rem de Réminiscence. Notes : ylang-ylang, noix de coco, fleur d’oranger, vanille, bergamote. Étourdissant de Jean Desprez, 1939185. Etra d’Etro, 1988186. Étude d’Houbigant, 1931114. Euphoria Blossom de Calvin Klein186. Euphoria Crystalline de Calvin Klein. Évasion de Bourjois, 1970187. Excellence de Guerlain, 189025. Expression de Jacques Fath, 1977175. Extatic de Balmain, 2012  Sommaire : F Fahrenheit de Christian Dior,  Jean-Louis Sieuzac et Florasynth, 1988188. Fahrenheit 32 de Christian Dior,  François Demachy, 2007153. Fahrenheit Absolut de Dior, 2009. Notes : myrrhe, encens, bois de Oud et violette189. Fair Play de Cerruti, 1984190. Fan di Fendi de Fendi, 2011. Un fleuri, notes : rose, jasmin, poire, cassis191. Fantasque de Louis Féraud, 1980192. Farouche de Nina Ricci,  Michel Hy, 197492. Fashion de Léonard, 1970171. Fath de Fath, de Jacques Fath, 195374. Féerie de Van Cleef & Arpels,  Antoine Maisondieu, 2008. Flacon pierre facettée bleu saphir, cabochon argent surmonté d’une branche où une fée prend la pose. Notes florales : violette, cassis, rose, mandarine, iris et bois précieux193. Féerie Rubis de Van Cleef & Arpels, 2015. Femme Individuelle de Montblanc, 2004. Féminité du bois de Shiseido,  Serge Lutens, Pierre Bourdon et Christopher Sheldrake, 1992194. Femme de Rochas,  Edmond Roudnitska, 1945. Composants : pêche, prune, jasmin, ylang-ylang, ambre, musc85,195. Fête de Molyneux, 1962152. Fête des roses de Caron, 193610. Fidji de Guy Laroche, 1966123. Fiorucci Glittery de Fiorucci, 200724. First de Van Cleef & Arpels,  Jean-Claude Ellena, 1976. Flacon en cristal de Baccarat dessiné par Jacques Llorente196. Five O’Clock au Gingembre de Serge Lutens. Flash de Jimmy Choo,  Christine Nagel, 2013197. Fleur Chérie de L’Occitane Fleur d’Amour de Roger & Gallet, 1905115. Fleur d’Italie de Guerlain, 188425. Fleur de Fleurs de Nina Ricci, 1981135. Fleur défendue de Lolita Lempicka, 2008198. Fleur du Mâle de Jean Paul Gaultier,  Francis Kurkdjian, 2007. Notes : fleur d’oranger, fougère199. Fleur du Matin de Miller Harris. Notes : chèvrefeuille, jasmin et néroli. Fleur qui Meurt de Guerlain,  Jacques Guerlain, 1901200. Fleurs de Rocaille de Caron, 193310. Flirt d’Ed. Pinaud, 1891. Flora de Gucci Flower by Kenzo de Kenzo,  Alberto Morillas, 2000201 Flower by Kenzo Oriental de Kenzo. Notes : coquelicot, litchi, mandarine et gingembre. Flower bomb de Viktor & Rolf, 2005202. Folavril d’Annick Goutal,  Annick Goutal, 1981. Notes : jasmin, mangue, boronia102. Foliflora de Guerlain, 2003107. For Her de Narciso Rodriguez,  Francis Kurkdjian et Christine Nagel8. For Him de Narciso Rodriguez. Fougère Royale de Houbigant,  Paul Parquet, 18824,129. Fracas de Robert Piguet,  Germaine Cellier, 1948. Parfum préféré d’Edwige Feuillère203. Fragile de Jean Paul Gaultier,  Francis Kurkdjian, 1999204. French Line de Revillon, 1984205. French Lover des Éditions de parfums Frédéric Malle,  Pierre Bourdon, 2007. Notes : un boisé végétal épicé. Fuel for Life de Diesel, 2007. Fumée de Lubin, 1934206 Fumerie Turque de Serge Lutens. Notes : tabac Balkan corsé, raisin de Corinthe, cuir fumé, vieux rhum.  Sommaire : G Gardénia de Guerlain, 193591. Gardénia de Chanel, 192591. Gauloise de Molyneux, 198197. Gaultier de Jean Paul Gaultier, 2005 Gavotte de Guerlain, 189725.  Jacques Guerlain43. Gem de Van Cleef & Arpels, 1987142. Gianni Versace de Gianni Versace, 1982207. Giorgio Beverley Hill de Giorgio Beverly Hill. Notes : garénia, vanille. Giorgio Beverley Hill – G Giorgio Beverley Hill – Giorgo Aire Giorgio Beverley Hill – Red Giorgio Beverley Hill – Wings Givenchy Gentleman de Parfums Givenchy, 1974208. Givenchy Blue Label de Parfums Givenchy. Givenchy pour Homme de Parfums Givenchy. Givenchy III de Givenchy, 1970209. Glamour de Bourjois,  Henri Robert, 1955208. Globe de Rochas,  Nicolas Mamounas, 1990. Composants : mandarine, boldo, galbanum, maté, géranium, basilic, rose thé, vétiver, cyprès, encens, ambre, santal et rhubarbe210,86. Gloria de Cacharel, 200224. Glow de Jennifer Lopez en collaboration avec la société Coty, 2002211. Graffiti de Capucci, 1963. Notes : mousse de chêne, ambre gris, rose et jasmin102. Gramercy Park de Bond n°9, 20036. Grande Dame de Jean Desprez, 1939212. Green Pulp de Byredo Parfums, 2008. Green Tea d’Élizabeth Arden Green Water de Jacques Fath, 1953175. Gucci, dit également parfum 1 de Gucci, 1972213. Gucci Guilty de Gucci. Un oriental, 214notes : poivre, lilas, pêche, ambre215. Gucci N° 3 de Gucci, 1985213. Gucci pour Homme de Gucci, 1976145.  Michel Almairac. Guerlain Homme de Guerlain,  Thierry Wasser et Sylvaine Delacourte, 2008. Notes : Limette, thé vert, menthe, rhubarbe216. Guerlarose de Guerlain, 193491. Guerlinade de Guerlain, 1998107. Guerlinas de Guerlain, 193091. Guess Girl de Guess,  Laurent Le Guernec, 2013. Notes fruitées : nectar de framboise, melon, bergamote217. Guess Seductive Homme de Guess218. Guess Seductive Homme Blue de Guess,  Guillaume Flavigny, 2013. Notes de tête : agrumes, cardamome et poivre noir218. Guet Apens de Guerlain, 1999107. Guirlandes de Carven, 1982219. Gypsy Water de Byredo Parfums, 2008.  Sommaire : H Habanita de Molinard, 1921. Notes : vanille, musc et agrumes220. Habit Rouge de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1965. Notes : bruyère, mousse220. Halston Z-14 d’Halston,  Max Gavarry, 197671. Hammam Bouquet de Penhaligon’s,  William Penhaligon, 1872. Notes : rose turque, santal et cèdre78. Herbissimo Enebro de Dana, 19806. Héritage de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1992104. Hermessence Yunnan Osman d’Hermès Hervé Léger d’Hervé Léger en collaboration avec Procter & Gamble, 1999. Hervé Léger est lui-même le créateur de ce parfum221,222. Higher de Christian Dior,  Olivier Pescheux et Olivier Gillotin, 2001223. Higher Energy de Christian Dior, 2003223. Hiris d’Hermès,  Olivia Giacobetti, 1999224. Ho Hang de Balenciaga, 1971225. Holygrace de Comme des Garçons. Holygrapie de Comme des Garçons. Homme de Guerlain. Notes : mojito, rhum, limette, menthe, thé vert et vétiver. Hot Couture de Parfums Givenchy Hugo de Hugo Boss, 199559. Huile de Chaldée de Jean Patou, 1927226. Hypnôse de Lancôme,  Annick Menardo et Thierry Wasser (Firmenich), 2005. Notes : jasmin, vanille, vétiver, fleur de la passion148,227. Hypnôse pour Homme de Lancôme,  Maurice Roucel, 2007227.  Sommaire : I Ice Men de Thierry Mugler, 2007. Notes : patchouli, café frappé, muscade. Idéal d’Houbigant,  Paul Parquet, 1900228,129. Idole de Lubin,  Olivia Giacobetti, 2007. Notes : absolue de rhum, ébène, canne à sucre, cuir229. Idole de Giorgio Armani,  Bruno Jovanovic (IFF), 200937,119. Idylle de Guerlain,  Thierry Wasser, 200950. Idylle Duet de Guerlain,  Thierry Wasser, 2011. Notes : rose et patchouli15. Ilaya de Le Monde en Parfum,  Isabel Derroisné. Un oriental velouté. Notes : gingembre, cardamome, ylang-ylang, jasmin, baumes, myrrhe, encens, benjoin et café moka. Imprévu de Coty, 1965230. In Love Again d’Yves Saint Laurent, 1998231. Incanto Heaven de Salvatore Ferragamo. Un fleuri. Individuel de Montblanc, 2004. Infini de Caron,  Ernest Daltroff, 1912 (1re version)232,  Max Gavarry et Guy Robert, 1970 (2e version)71,233. Infusion d’Iris de Prada,  Daniela Andrier, 2007. Notes : iris, muguet, violette et héliotrope234,22. Infusion d’Homme de Prada,  Daniela Andrier, 2008. Notes : néroli de Tunisie, iris, cèdre et encens235. Initial de Boucheron, 2000. Notes : patchouli, amande, musc, poivre, mandarine24,236. Initiation de Molyneux, 1990237. Inlé de Memo,  Aliénor Massenet et Clara Molloy. Notes : osmanthus et thé. Innocent Rock de Thierry Mugler, 20082. Innocent Secret de Thierry Mugler, 2007. Vendu en exclusivité par le Club des créateurs de beauté238. Insensé de Givenchy,  Daniel Molière, 1993239,48. Insensé Ultramarine de Givenchy,  Jean Courtière et Takasago, 1994. Le flacon est dessiné par Pierre Dinand240 Insolence de Guerlain,  Maurice Roucel (Symrise) et Sylvaine Delacourte, 2006. Notes : violette, fruits rouge, iris236. Inspiration de Lacoste. Notes : mirabelle, grenade, mandarine. Intense d’Ungaro. Intense For Her de Narciso Rodriguez. Notes : ylang-ylang, jasmin, fleur d’oranger. Intense Stella Rose Absolute de Stella McCartney Iris & White Musk Cologne de Jo Malone,  Christine Nagel, 201021. Iris Nobile d’Acqua di Parma,  Francis Kurkdjian et Françoise Caron8. Iris Noir d’Yves Rocher. Irresistible Apple de Bath & Body Works, septembre 2007. Notes : bergamote, prune, pomme rouge, rose blanche, fleur d’oranger, fleur de lotus, iris, ambre, bois de santal, vanille, patchouli, praline, cannelle et musc. Iscles d’Or de Molinard, 1930241. Iskander de Parfum d’Empire,  Marc-Antoine Corticchiato. Notes : agrumes, estragon, coriandre, mousse et musc. It’s You d’Elizabeth Arden,  Edmond Roudnitska, 1939242. Ivoire de Chanel,  Ernest Beaux, 1931242. Ivoire de Balmain,  Michel Hy, 197992.  Sommaire : J J’adore de Christian Dior,  Calice Becker et Ann Gottlieb. Notes : ylang-ylang, rose de Turquie, jasmin sambac, tubéreuse, fleur d’oranger, vanille de Tahiti, fève tonka. Flacon en forme d’amphore243. J’adore l’Absolu de Dior,  François Demachy, 2009181,244. J’ai osé de Guy Laroche,  Max Gavarry (IFF), 197799,245. J’aime de Jacques Heim, 195689. Jacomo for Her de Jacomo, 2005. Jaipur de Boucheron, 199459. Jaïpur Bracelet de Boucheron, 2012. Jaïpur Homme de Boucheron, 1998 Jaïpur Saphir de Boucheron, 19991. Jaïpur Homme de Boucheron. Japon Noir de Tom Ford, 2007. Jardanel de Jean Desprez, 1973246. Jardin d’amour de Max Factor, 1986142. Jardins de Bagatelle de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1983135,247. Jardin de mon curé de Guerlain,  Jacques Guerlain, 189543,248. Jardin en Méditerranée de Hermès, 200577. Jardins de Bagatelle de Guerlain, 1983127. Jardins Romantiques Eau de Printemps d’Yves Saint Laurent, 2007 Jasmin de Corse de François Coty, 1906113. Jasmin du Siam de Guerlain, 1924113. Jasmin Noir de Bulgari, 2008. flacon noir élégant et graphite rehaussé d’or. Notes : jasmin, sève verte et pétales de gardénia, amande, réglisse, fève tonka et bois. Jasmiralda de Guerlain, 1917113. Jazz d’Yves Saint Laurent,  Takasago, 1988. Le flacon est dessiné par Jérôme Faillant. Notes : armoise, coriandre, patchouli, noix de muscade, santal, rose géranium, genièvre249,250. Jazz Prestige d’Yves Saint Laurent,  Jean-François Latty (Takasago), 1992. Notes: bergamote, santal et géranium250. Je Reviens de Worth,  Maurice Blanchet, 1932. Le flacon original est  Lalique251,250. Jean-Charles de Jean-Charles de Castelbajac, 1981252. Jean-Louis Scherrer de Jean-Louis Scherrer, 1979135. Jean-Marie Farina de Roger & Gallet, 180625. Jean Paul Gaultier de Jean Paul Gaultier,  Jacques Cavallier (Firmenich), 1993. Notes : ylang-ylang, vanille, musc, ambre, gingembre253. Jean’s Couture Glam de Versace,  Francis Kurkdjian8. Jeanne Lanvin de Lanvin,  Anne Flipo, 2008. Le flacon est habillé de tulle de soie. Notes : mûre, framboise, poire, musc et ambre gris254,2. Jeanne Lanvin Couture de Lanvin, 2012 Je Reviens de Worth,  Maurice Blanchet, 193279. Jimmy Choo de Jimmy Choo, 2011 Jimmy Choo Illicit de Jimmy Choo, 2015 Jimmy Choo Man de Jimmy Choo, 2014 Jicky de Guerlain,  Aimé Guerlain, 1889255 Jitrois de Jean-Claude Jitrois, 1989142. Jolie Madame de Pierre Balmain,  Germaine Cellier, 1953136,256. Jontue de Revlon, 197599. Joop ! Homme de Joop !, 1989257. Joop ! Muse de Joop !, 2003257. Jour & Nuit de Lalique Jour de Louis Féraud, 1984135. Jour d’Hermes  Jean-Claude Ellena, 2013258 Joy de Jean Patou,  Henri Alméras, 1930. Notes: roses, jasmin119. Joyeux été de Lancôme, 1947136. Jules de Christian Dior, 1980143. Julia de Teo Cabanel. Notes : santal, ciste, framboise et musc. Jungle homme de Kenzo,  Olivier Cresp, 1998117. Jungle tigre de Kenzo,  Jean-Louis Sieuzac et Dominique Ropion, 1997117.  Sommaire : K Kapsule de Karl Lagerfeld, 2008, flacon carré et épuré, bouchon carré décentré. Kapsule Light. Notes : bigarade, jasmin d’eau, muscade, musc Kapsule Floriental. Notes : feuille de lierre, thé noir, violette Kapsule Woody. Notes : cèdre, mousse, prune Karess de Bourjois, 1921 Karl Classic de Karl Lagerfeld, 1978 Karl Lagerfeld Femme de Karl Lagerfeld, 2014 Karl Lagerfeld Homme de Karl Lagerfeld, 2014 Kashâya de Kenzo,  Sophie Grosjman, 1994. Le flacon est dessiné par Serge Mansau259 Kelly Calèche d’Hermès,  Jean-Claude Ellena144. Kenzo Amour de Kenzo. Notes : un floral poudré : riz, fleurs de cerisier, bois de thanaka. Kenzo de Kenzo aussi appelé Kenzo et Kenzo Signature de Kenzo,  Françoise Caron (Givaudan-Roure), 1988. Le flacon est dessiné par Serge Mansau260,259. Kenzo pour Homme de Kenzo, 1991133. Kenzo Power de Kenzo, 2008. Notes florales : coriandre, baume et bois. Kenzo Vintage Edition de Kenzo, 2008. Fragrance typique des années 1970, notes : fève tonka, fleur d’héliotrope. Kenzoki Énergisant de Kenzo, 20016. Kenzoki Lotus de Kenzo,  Francis Kurkdjian8. K.L. ou KL de Lagerfeld,  Roger Pellegrino (Firmenich), 1982. Notes : mandarine, bergamote, rose, jasmin, ylang-ylang et patchouli261,262. Knize Ten (de), créé pour le tailleur viennois Knize, par François Coty et Vincent Roubert en 1924263. Knowing d’Estée Lauder,  Firmenich, 1988. Le flacon est dessiné par Ira Levy133,262. Kobako de Bourjois,  Ernest Beaux, 1936264. Kouros d’Yves Saint Laurent,  Pierre Bourdon, 1981. Composants : girofle, patchouli, ambre gris, encens, jasmin, herbes sauvages, armoise, rose249. Kouros Fraicheur d’Yves Saint Laurent,  Quest, 1995262.  Sommaire : L L de Lolita Lempicka,  Maurice Roucel, 2006. Notes : fleur d’immortelle, orange amère, cannelle, vanille et patchouli. L’Aimant de François Coty et Vincent Roubert, 1927265. Le flacon est imaginé par Pierre Camin11. L’Air du temps de Nina Ricci,  Francis Fabron, 1948. Flacon Lalique11. L’Air de Nina Ricci, 2011. Notes : magnolia, freesia, patchouli, chèvrefeuille et jasmin15,266. L’Âme d’un Héros (anciennement Coriolan) de Jean-Paul Guerlain. Notes : Absinthe et basilic. L’Anarchiste de Caron,  Richard Fraysse, 2000267. L’Eau Ambrée de Prada, 200924. L’Eau d’Ambre de L’Artisan Parfumeur, 197824. L’Eau d’été de Jean Paul Gaultier. Notes : fleurs blanches, vanille, musc et ambre. Flacon bustier avec chaque été une nouvelle décoration robe. L’Eau d’Hadrien d’Annick Goutal,  Annick Goutal, 1980268. L’Eau d’Issey d’Issey Miyake,  Jacques Cavallier (Firmenich), flacon en aluminium gris clair, 20077,269. L’Eau d’Issey Une Goutte de Nuage d’Issey Miyake, 2009270. L’Eau d’Issey Noir Absolu d’Issey Miyake. L’Eau d’Issey pour Homme d’Issey Miyake,  Jacques Cavallier, 1994269. L’Eau d’Issey pour Homme Intense d’Issey Miyake. L’Eau d’Issey pour Homme Sport d’Issey Miyake,  Jacques Cavallier, 2012. Notes : bergamote, pamplemousse et noix de muscade269. L’Eau de Balenciaga de Balenciaga, 196261. L’Eau de Bulgari de Bulgari,  Jean-Claude Ellena, 1992271. L’Eau de Gentiane Blanche d’Hermès,  Jean-Claude Ellena, 200950. L’Eau de printemps d’Yves Saint Laurent. L’Eau du temps de Nina Ricci. Flacon Lalique. Notes fraîches et aquatiques sur une base L’Air du Temps avec fleurs, agrumes et épices. L’Eau Nirique de Stéphanie de Saint-Aignan L’Eau par Kenzo de Kenzo, 19967. L’Eau Rose de Balenciaga,  Olivier Polge et Domitille Bertier, 2013. Notes : violette, mûre, rose, patchouli, cèdre et cyprès63 L’Essence de Balenciaga. Note : violette63. L’Heure bleue de Guerlain,  Jacques Guerlain, 191243. L’Homme de Lanvin L’Homme de Guerlain, 200877. L’Homme d’Yves Saint-Laurent. Flacon en édition limitée  l’architecte Jean Nouvel, socle octogonal. L’Instant de Guerlain,  Maurice Roucel et Sylvaine Delacourte, 2003107. L’Instant pour Homme de Guerlain  Béatrice Piquet (IFF), 2004272. L’Interdit de Givenchy, 1957236. Fleur d’Interdit de Givenchy,  Daniel Molière, 1994273,48. L’Œuvre Noire de By Kilian,  Kilian Hennessy, 2007. Cette collection comprend 10 parfums274 : Prélude to Love. Love. Beyond Love. Love and Tears, 2010. Straight to Heaven A Taste of Heaven, Notes : absinthe, rose turque, patchouli. Back to Black. Liaisons Dangereuses. Cruel Intentions. Sweet Redemption. L’Ombre dans l’eau de Diptyque. L’Origan de Coty,  François Coty, 1905275. La Collection Christian Dior de Christian Dior, 2010276. Bois d’Argent de Christian Dior,  Annick Ménardo277,276. Ambre Nuit de Dior, 2010276. Eau Noire de Dior, 2010276. Leather Oud de Dior, 2010276. Granville de Dior, 2010276. Cologne Royale de Dior, 2010276. New Look 1947 de Dior, 2010276. La Femme de Sahlini. Un oriental boisé. Notes : tubéreuse, ylang-ylang. La Fuite des Heures de Balenciaga, 194861. La Nuit de l’homme d’Yves Saint Laurent, 2009181. La Petite Robe noire de Guerlain,  Delphine Jelk, 2008278 La Rose d’Orsay des Parfums d’Orsay, 1908146. La Rose Jacqueminot de Coty,  François Coty, 1904279. La Vierge Folle de Gabilla, 1911280. La Vie est belle de Lancôme,  Dominique Ropion et Olivier Polge, 2012281. Lacoste for Women de Lacoste,  Jean-Michel Duriez, 1999282. Lacoste Pour Homme de Lacoste, 2002. Grande succès de la marque88. Lady Million de Paco Rabanne,  Anne Flipo, Béatrice Piquet et Dominique Ropion, 2010. Notes : bigarade, framboise, jasmin sambac, gardénia, patchouli et miel283. Lagerfeld de Lagerfeld, 1979261. Lalibela d’Aliénor Massenet,  Clara Molloy. Notes : rose mystique, pivoine, patchouli, coco, ciste, vanille et bois précieux. Lanvin Homme de Lanvin, 1997 Lanvin L’Homme Sport de Lanvin, 2009 Lauren de Ralph Lauren, 1990237. Le Baiser de Lalique de Lalique,  Laurent Bruyère, 199938. Le Baiser du Faune de Molinard, 1930241. Le De Givenchy de Givenchy,  Ernest Shiftan, 1957284. Le Dix de Balenciaga, 1947. Son nom fait référence au 10 avenue George V, l’adresse de la maison de couture64,285. Le Feu d’Issey Miyake Le Jardin d’Amour de Max Factor, 1986284. Le Jardin de Monsieur Li d’Hermes  Jean-Claude Ellena, 2015286 Le Mâle de Jean Paul Gaultier,  Francis Kurkdjian et Christopher Sheldrake, 1996. Oriental, notes : fève tonka, lavande, vanille, menthe86. Le Minaret des Parfums de Rosine,  Paul Poiret, 1913287. Le Muguet d’Annick Goutal. Notes : muguet et benjoin. Le Muguet de Rosine des Parfums de Rosine,  Marie-Hélène Rogeon et François Robert, 1995288. Le Sien de Jean Patou, 1929289. Léonard Homme de Léonard. Les Caprices de Lolita de Lolita Lempicka, 2007. Notes : violette, amarena et réglisse en trois fragrances. Les Cascades de Rochas – Eclat d’Agrumes de Rochas, créée par Jean-Michel Duriez, 2012. Notes : Mandarine, Poivre de Sichuan290. Les Espionnes du Tsar de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Les Grandes Amours du Taj-Mahal de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Les Grandes Prêtresses Incas de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Les Impératrices Japonaises de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Les Maîtresses de Louis XIV de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Les Princesses de Venise de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Les Souveraines d’Egypte de Roméa D’Améor,  Pierre Bourdon, 2007291. Liberté de Cacharel,  Domitille Bertier et Olivier Polge, 2007. Notes : chypre, orange, patchouli292. Light Blue de Dolce&Gabanna,  Alberto Morillas, 2007120. Lily Chic d’Escada,  Francis Kurkdjian8. Lily of the Valley de Penhaligon’s. Notes : muguet. Lily and Spice de Penhaligon’s Liu de Guerlain,  Jacques Guerlain, 192991. Lola de Marc Jacobs108. Oh, Lola de Marc Jacobs, 2011293. Solide Lola de Marc Jacobs. Notes : pivoine, poivre et géranium. Lolita Lempicka de Lolita Lempicka,  Annick Menardo (Firmenich), 1997198. Lolita Lempicka Eau du désir de Lolita Lempicka, 20106. Louis XV de Bourjois, 1891 Loulou de Cacharel,  Jean Guichard, 1987133. Énorme succès commercial pour Cacharel174. Loulou Blue de Cacharel. Louve de Serge Lutens Love in White de Creed Love, Ralph Lauren de Ralph Lauren, 200874. Love Story de Louis Féraud, 1997. Note de cassis. Lovely Prism de Givenchy,  Marc Buxton (Symrise), 2007. Notes fruitées : pomme verte et cassis294. Lumière de Rochas, 1984. Composants : coriandre, chèvrefeuille, acacia, magnolia, ambre gris, fève tonka85. Lux de By Terry,  Mona Di Orio, 2006100. Luxe Patchouli par Comme des Garçons  Sommaire : M M/Mink de Byredo Parfums, 2010. Notes : encre295. Ma Griffe de Carven,  Jean Carles, 1946101. Ma liberté de Jean Patou,  Jean Kerléo, 1987142,296. Macassar de Rochas, 1980. Composants : laurier, armoise, géranium, tabac, bois de santal, bois de Guaiac210. Madame de Carven, 1979159. Madame de Rochas,  Guy Robert, 1960. Composants : Néroli, jacinthe, jasmin, rose de Bulgarie, cèdre, ambre, santal, bois précieux, iris85,297. Madame Torrente de Torrente, 1978298. Mademoiselle Chanel de Chanel, 1948. Mademoiselle Ricci de Nina Ricci, 196789. Nouvelle version en 2012, créée par Alberto Morillas, notes : rose centifolia, églantine, musc, bois blanc, laurier rose et poivre rose299. Madrigal de Molinard, 1935300. Magie Noire de Lancôme,  Jean-Charles Niel, 197899,272. Magnifique de Lancôme, 2008. Notes : rose, safran et nagarmotâ2. Mahora de Guerlain, 2001107. Mam’zelle Victoire des Parfums de Rosine,  Henri Alméras, 191886. Manifesto d’Yves Saint Laurent,  Anne Flipo et Loc Dong, 2012. Notes : muguet, cassis, jasmin, cèdre, santal, vanille et tonka301. Masculin de Bourjois,  Henri Robert, 1972302. Masculin 2 de Bourjois, 1975145. Masculin Or de Bourjois, 1980302. Masculin Vetyver de Bourjois, 1985302. Masculin Absolu de Bourjois, 1989302. Masculin Extrême de Bourjois, 2000302. Masculin Barbare de Bourjois, 2005302. Métal de Paco Rabanne,  Firmenich, 1977303. Mi-mai de Guerlain, 1914163. Michelle de Balenciaga, 1979. Le nom fait référence au mannequin vedette de la marque durant les années 1960225. Midnight in Paris de Van Cleef & Arpels,  Domitille Bertier et Olivier Polge, 2011. Oriental ambré cuiré. Le flacon reproduit la voute céleste304. Ming Shu d’Yves Rocher,  Gérard Anthony (Firmenich), 19978. Minuit noir de Lolita Lempicka. Notes : iris, violette305. Miracle de Lancôme,  Alberto Morillas, 2000120. Miracle Homme de Lancôme,  Francis Kurkdjian8. Miss Balmain de Balmain,  Roure, 1967. Notes : patchouli, ambre, vétiver, jonquille287. Miss Boucheron de Boucheron,  Dominique Ropion et Anne Flipo, 2007. Notes : violette, rose, grenade et poivre rose59,292. Miss Dior de Christian Dior,  Jean Carles, Bertrand Dupont, Paul Vacher, 1947287. Miss Dior Chérie de Christian Dior, 2005. Le parfum change de nom en 2012, l’appellation Miss Dior Chérie disparait. Notes : Fraise des bois, mandarine et pop-corn. Eau de Parfum Miss Dior, de Dior,  François Demachy, 2006153. Miss Worth de Worth,  Odette Breil-Radius (Roure), 1979. Notes : iris, rose, santal, ciste et cyprès306. Miss Zadig d’Emilio Pucci, 197799. Missoni de Missoni, 1982307. Mitsouko de Guerlain,  Jacques Guerlain, 191943. Mode de Caron, 193091. Molinard de Molinard, 1979308. Mon Parfum de Bourjois, 1919309. Moment suprême de Jean Patou,  Henri Alméras, 192991,79. Monogram de Ralph Lauren, 1985143. Monsieur Balmain de Balmain, 1964. Notes : citronnelle, verveine310. Monsieur de Carven, 1978145. Monsieur de Givenchy, 1959155. Monsieur Lanvin de Lanvin, 1961. Composants : herbes coupées, trèfle, sauge, mousse de chêne311. Monsieur Rochas de Rochas, 1969. Composants : sauge, cyprès, cèdre, cannelle, poivre, épices, basilic210. Mouchoir de Monsieur de Guerlain,  Jacques Guerlain, 190443,155. Moustache de Rochas, 1949155. Muguet de Guerlain, 1908 (1re version)163, 1998 (2e version)107. Muguet des Bois de Coty,  Henri Robert, 1941312. Muguet du Bonheur de Caron,  Michel Morsetti, 1952312. Mûre et Musc de L’Artisan Parfumeur,  Jean-François Laporte, 1978313,271. Mûre et Musc Extrême de L’Artisan Parfumeur,  Karine Dubreuil48. Musc Ravageur des Éditions de parfums Frédéric Malle,  Maurice Roucel. Oriental, 2001132. Muse de Rochas, 20111. Musk for men de Fabergé, 1976145. My Sin de Lanvin, 192562. Mystère de Rochas,  Max Gavarry, 1978. Composants : cascarille, narcisse, violette, mousse de chêne, cyprès85,71.  Sommaire : N No 5 de Chanel,  Ernest Beaux, 1921. Notes : un fleuri-aldéhydé. No 5 Eau Première de Chanel,  Jacques Polge, 200950. No 18, 2007  Jacques Polge. No 19 de Chanel, 1970.  Henri Robert, il est le dernier parfum sorti du vivant de Coco Chanel314 No 22, 1922 No 55, 1925 Nahéma de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1979315. Naïade  Christian Breton. Notes : anis, lierre, violette, fève tonka, iris, vanille, praline et musc. Narcisse Noir de Caron, 1911280. New West For Him d’Aramis, 1988316. Niagara de Courrèges,  Francis Camail (Robertet), 1995317. Nina de Nina Ricci, 1987133. Nina L’Éxilir de Nina Ricci. Notes : citron vert, fruits rouges, jasmin, musc. Nino Cerruti de Cerruti, 197974. Nirmala de Molinard, 1955300. Nocturnes de Caron, 1981318. Noa de Cacharel 1998 Noa Perle de Cacharel. Flacon perle. Notes fleuries et acidulées : fleurs blanches et kumquat. Nombre Noir de Shiseido, 1982135. Normandie de Jean Patou, 1935226. Nu d’Yves Saint-Laurent,  Jacques Cavallier, 2001109. Nuit de Longchamp de Lubin, 1937125. Nuit de Noël de Caron, 192210.1991 Number One d’Hugo Boss, 1985127. N° de oro , parfum d’équivalence retravailler en laboratoir. Sommaire : O Ô de Lancôme, 196989,  Robert Gonnon. Notes : romarin, basilic, bergamote, chèvrefeuille. Ô oui ! de Lancôme, 1999319. Ô d’Azur de Lancôme, 2009320. Ô de l’Orangerie de Lancôme,  Dominique Ropion et Anne Flipo, 2011. Notes : fleur d’oranger, agrumes, jasmin15,321,320. Ô pour Homme de Lancôme, 19966. Obsession de Calvin Klein,  Bob Slattery (Givaudan-Roure) en 1985. Notes : ambre, mandarine, bergamote, jasmin, coriandre, santal, vétiver, musc et encens. Le flacon est  les ateliers Dinand319. Ode de Guerlain,  Jacques Guerlain en collaboration avec Jean-Paul Guerlain, 1955322,89. Odeur 53 de Comme des garçons, 1998323. Ombre Bleue de Jean-Charles Brosseau, 1987324. Ombre rose de Jean-Charles Brosseau, 1981135. Omnia de Bulgari,  Alberto Morillas, 2003. Notes florales : iris, rose et bois120 Omnia Améthyste de Bulgari, 2003. Omnia Coral de Bulgari,  Alberto Morillas, 2012325. Onde de Giorgio Armani, 2008, flacon rétro, effet plissé et pampille. Onde Extase. Notes : cèdre, narcisse, sésame Onde Mystère, oriental musqué24. Onde Vertige. Notes : frangipanier, jasmin, réglisse, patchouli One Million de Paco Rabanne, 200877. Flacon en forme de lingot d’or. Ce parfum est le parfum pour homme le plus vendu en France en 2013 326 Opéra de Coryse Salomé, 193291. Opium d’Yves Saint Laurent, 1977. Composants : mandarine, jasmin, girofle, myrrhe, opoponax, castoreum, cèdre, santal, coriandre, prune, labdanum, œillet, muguet rose327.  Jean-Louis Sieuzac. Opium Fraîcheur d’Orient d’Yves Saint Laurent, 1998 Belle d’Opium d’Yves Saint-Laurent,  Honorine Blanc et Alberto Morillas, 2010. Notes : lys et gardénia328. Or de Torrente de Torrente, 1981135. Or et Noir de Caron, 1949. Le flacon a été dessiné par Félicie Wampouille et réalisé par Baccarat. Il est entièrement couvert d’un coque d’or329. Or noir de Pascal Morabito, 1980135. Organza de Parfums Givenchy,  Sophie Labbé, 19967,272. Organza Indécence de Parfums Givenchy. Oscar de la Renta d’Oscar de la Renta, 197799. Oud & Bergamot Cologne de Jo Malone,  Christine Nagel, 201021. Sommaire : P Paname de Jean Patou,  Jean-Michel Duriez, 2001330. Panthère de Cartier, 1987133. Paradoxe de Cardin, 1983168. Parce Que de Capucci, 1963102. Parfum d’Elle de Montana, 1990. Le flacon est  Serge Mansau237. Parfum d’Hermès d’Hermès, 1984179. Parfum de Peau de Claude Montana,  Édouard Fléchier, 1986331. Parfum des Champs Elysées de Guerlain, 1904.  Jacques Guerlain, son flacon est en forme de tortue43. Parfum Sacré de Caron, 1990332. Paris d’Yves Saint Laurent, 1983. Composants : mimosa, géranium, cassie, aubépine, rose, violette, mousse de chêne, iris, ambre, musc, santal135.  Sophia Grosjman. Paris Premières Roses d’Yves Saint Laurent38. Paris Roses des Bois d’Yves Saint Laurent, 2004 Parisienne d’Yves Saint Laurent,  Sophia Grosjman et Sophie Labbé, 200950. Parure de Guerlain, 1975333. Passage d’Enfer de Comme des garçons, 1999176. Patou Nacre de Jean Patou,  Jean-Michel Duriez, 2001330. Patou pour homme de Jean Patou, 1980226. Petit Guerlain de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1991104. Petite Chérie d’Annick Goutal,  Annick Goutal, 1998102. Philéas de Nina Ricci, 1984334. Philtre d’Amour de Guerlain, 2000107. Pleasures d’Estée Lauder,  Alberto Morillas, 1995244. Poême de Lancôme, 19957. Polo de Ralph Lauren, 1978268. Polo Crest de Ralph Lauren, 1991335. Polo Sport de Ralph Lauren, 1994335. Polo Sport For Women de Ralph Lauren, 1996335. Polo Explorer de Ralph Lauren, 2008, flacon kaki. Un boisé-ambré, notes : santal vert, ambre de la Baltique. Poison de Christian Dior,  Édouard Fléchier, 1985336. Hypnotic Poison de Christian Dior,  Annick Ménardo, 1998. Notes : santal, vanille, musc, rose, muguet227,277. Hypnotic Poison Eau Sensuelle de Christian Dior,  François Demachy, 2010337. Hypnotic Poison Eau Secrète de Christian Dior,  François Demachy, 2013338. Midnight Poison de Dior, 2007. Notes : mandarine, rose, patchouli, ambre, vanille339. Pure Poison de Dior,  Dominique Ropion, Olivier Polge et Carlos Benaïm, 2004340. Tendre Poison de Dior, 1994341. Portrait of a Lady des Éditions de parfums Frédéric Malle,  Dominique Ropion, 2010132. Pour homme de Balenciaga, 1990342. Pour homme de Léonard, 1979343. Pour homme de Paco Rabanne, 1973344. Pour homme de Yves Saint Laurent, 1971. Pour l’Homme de Cacharel, 1981. Le flacon est en forme de flasque345. Pour Lui d’Oscar de la Renta, 1979346. Pour Monsieur de Chanel,  Henri Robert, 1955. Eau de cologne. Puis en 1979, Jacques Polge crée une nouvelle version de Pour Monsieur347. Pour Monsieur eau de toilette concentrée,  Jacques Polge, 1991347. Pour un Homme de Caron, 1934, premier parfum exclusivement pour homme348. Pourpre d’Automne de Violet, 192429. Prélude de Balenciaga, 1982225. Premier Muguet de Bourjois, 1955349. Première de Jean-Charles de Castelbajac, 1980252. Private Collection d’Estée Lauder, 197374. Private Collection Tuberose Gardenia de Estée Lauder,  Aerin Lauder. Flacon orné de pierres semi-précieuses inspiré d’une broche de Josef Hoffmann (art viennois). Notes florales. Pure Vétiver d’Azzaro,  Laurent Bruyère38.  Sommaire : Q Quadrille de Balenciaga, 195561. Quand vient l’été de Guerlain, 1998107. Quartz de Molyneux, 1978350. Quelques fleurs de Houbigant,  Robert Bienaimé, 19124. Quorum de Puig,  Max Gavarry, 198271.  Sommaire : R Raffinée d’Houbigant, 1984114. Red d’Hugo Boss, 2013. Le flacon rouge est thermochromique351. Reflet d’eau de Rochas,  Jacques Huclier, 20064. Requête de Worth, 1945352. Rive Gauche d’Yves Saint Laurent,  Michel Hy et Jacques Polge, 1971. Composants : gardénia, chèvrefeuille, jasmin, ylang ylang, iris, géranium, magnolia, santal de Mysore, vétiver de Haïti327,92. Rive Gauche Pour Homme Light d’Yves Saint Laurent, 2004 Roadster de Cartier, 200877. Notes : menthe sauvage, vanille et patchouli. Rocabar d’Hermes  Gilles Romey, 1998353 Rochas Man de Rochas, 1999.  Maurice Roussel. Composants : Cappucino, Feuilles de Framboisier, fougère. Rococo à la Parisienne de Guerlain, 188725. Rose de Paul Smith, 2008124. Rose Barbare de Guerlain,  Francis Kurkdjian8. Rose Cardin de Pierre Cardin, 1990. Le flacon est  Raison pure354. Rose Water & Vanilla Cologne de Jo Malone,  Christine Nagel, 201021. Rumeur de Lanvin,  André Fraysse, 1932355. Notes : musc, patchouli, ambre. Rumeur 2 Rose de Lanvin, 2008 Rykiel de Sonia Rykiel, 1997109. Sommaire : S Samsara de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1989. Le flacon est réalisé par Robert Granai356. Un Air de Samsara de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1995104. Sans Adieu de Worth,  Maurice Blanchet, 192979. Santos de Cartier,  les nez de Givaudan, 1981357. Scandal de Lanvin,  André Fraysse, 1932355. Scarlett de Cacharel. Scarlett, Le Jardin Cacharel de Cacharel, 2011. Notes : jasmin, chèvrefeuille et fleur d’oranger15. Senso d’Ungaro, 1987133. Sensous d’Estée Lauder, 200937. Septième Sens de Sonia Rykiel, 1979358. Shalimar de Guerlain,  Jacques Guerlain, 1925. Notes : bergamote, citron, rose, vanille43. Eau de Shalimar de Guerlain,  Mathilde Laurent, 2008. Shalimar Eau Légère, 200374. Shalimar Light, 2004. Shalimar, Ode à la Vanille de Guerlain, 201024.  Thierry Wasser. Fleur de Shalimar de Guerlain148. Shalimar Black de Guerlain, 2007148. Shalimar, Parfum Initial de Guerlain,  Thierry Wasser, 2011148. Shalimar, Parfum Initial L’Eau Si Sensuelle de Guerlain,  Thierry Wasser, 2013. Notes : bergamote, néroli et pamplemousse, rose de Damas, iris, jasmin, anille et fève de tonka148. Shandoah de Jacques Heim, 1960359. Shéhérazade de Jean Desprez, 1983360. Shocking d’Elsa Schiaparelli,  Jean Carles, 1937101. Signor Vivara d’Emilio Pucci, 1970361. Sikkim de Lancôme (1971) Silences de Jacomo, 197874. Notes : narcisse, cassis, rose et santal. Flacon noir. Silences Purple de Jacomo, 2004. Notes : freesia, frangipanier, santal, patchouli. Flacon pourpre. Sillage de Guerlain, 1907163. Si Lolita de Lolita Lempicka, 200937. L’Eau de Minuit Si Lolita de Lolita Lempicka. Sira des Indes de Jean Patou,  Jean-Michel Duriez, 2006. Notes : milk-shake banane et vanille282. Sketch de Violet, 192429. Skine de Guerlain, 188525. So Pretty de Cartier, 1995. Le flacon est réalisé par Joël Desgrippes362. Soir de Paris de Bourjois,  Ernest Beaux, 1929363 Sortilège de Le Galion, 193742. Sous le vent de Guerlain, 193391. Spiritueuse Double Vanille de Guerlain, 200724. Notes : vanille, rhum et bois. Styx de Coty,  François Coty, 191126. Sublime de Jean Patou,  Jean Kerléo, 1992260. Suzuro de Shiseido, 19766. Sommaire : T Tabac Blond de Caron. Parfum pour femme d’inspiration masculine203. Tabu de Dana, 1932.  Jean Carles364 et considéré comme le précurseur de Poison de Christian Dior203. Tactics de Shiseido, 197974. Tamango de Léonard, 1977171. Terre d’Hermès d’Hermès,  Jean-Claude Ellena, 2006. Gros succès de la maison de parfum77,365. Terre de Bois de Miller Harris366. Tiffany For Men de Tiffany & Co.. Tiffany For Men Sport de Tiffany & Co., 19986. Tocade de Rochas,  Maurice Roucel, 1994367. Tonka Impériale de Guerlain, 201024. Trèfle Incarnat de L.T. Piver,  Armingeat, 1896368,369. Trésor de Lancôme,  Sophia Grosjman, 1990369. Trésor L’Absolu Désir de Lancôme,  Dominique Ropion, 2011. Notes : rose centifolia, jasmin, vanille bourbon370. Trésor Midnight Rose de Lancôme,  Anne Flipo, 2011. Notes : rose, framboise, jasmin, pivoine, cassis, musc, vanille et cèdre371. Triomphe de France de Roger & Gallet,  Paul Pellerin, 1920312. Trouble de Boucheron, 20041. Trussardi de Trussardi, 1980372. Trussardi Uomo de Trussardi, 1984372. Truth de Calvin Klein,  Jacques Cavallier, 20008. Tsao Ko de Guerlain, 189825.  Jacques Guerlain43. Tubéreuse de Caron,  Richard Fraysse, 2003373. Tubéreuse criminelle de Serge Lutens373. Turbulences de Revillon, 1981205.  Sommaire : U Un Air embaumé de Rigaud, créé en 1912374. Un Amour de Jean Patou,  Jean-Michel Duriez, 1998. Notes : Osmanthe282. Un Bois Vanille de Serge Lutens, 200324. Ungaro d’Emanuel Ungaro, 1977. Notes : jasmin, ambre et safran375. Un Jardin après la Mousson d’Hermes  Jean-Claude Ellena, 2008376 Un Jardin en Méditerranée, d’Hermes  Jean-Claude Ellena, 2003377 Un Jardin sur Le Nil, d’Hermes  Jean-Claude Ellena, 2005378 Un Jardin sur le Toit d’Hermes  Jean-Claude Ellena, 2011379 Sommaire : V Vacances de Jean Patou, 19366. Le flacon en cristal gravé et irisé montre le soleil, la mer et les voiliers. Valentina de Valentino380. Valentina Acqua Floreale de Valentino,  Olivier Cresp, 2013. Notes : bergamote, fleur d’oranger, néroli, mimosa, jasmin et tubéreuse380. Van Cleef de Van Cleef & Arpels (1994). Floral-tubéreuse. Flacon  Serge Mansau. Vanilla Musk de Coty,  Jacques Huclier, 19944. Véga de Guerlain, 193691. Vent Vert de Balmain,  Germaine Cellier, 1947203. Vera Violetta de Roger & Gallet, 1892381. Versailles pour homme de Jean Desprez, 1980360. Vert et Blanc de Carven,  Jean Carles (Roure), 1958382. Very Irrésistible de Givenchy,  Dominique Ropion, Carlos Benaïm et Sophie Labbé, 2003. Notes : rose, verveine et anis. Le flacon est imaginé par Pablo Reinoso383,272. Very Irrésistible Givenchy For Men de Givenchy. Very Irrésistible L’Intense de Givenchy, 2011. Notes : rose, musc blanc, violette et patchouli15. Very Irrésistible Sensual Velvet. Notes : rose, verveine, anis étoilé, vanille et patchouli. Very Irrésistible Summer Cocktail. Notes : feuilles de menthe, rose. Very Irrésistible Cèdre d’Hiver. Notes : rose, cèdre, musc blanc et ambre clair. Very Irresistible Poésie d’un Parfum d’Hiver de Givenchy. Vétiver de Guerlain,  Jean-Paul Guerlain, 1959. Notes : vétiver, santal, tabac382. Vétiver Eau légère de Guerlain, 2004107. Vétiver de Carven,  Firmenich, 1957. Notes : citron, bergamote, vétiver, noix de muscade382. Vétiver Dry de Carven, 1988384. Vétyver de Lanvin, 1966122. Violette à deux sous de Guerlain, 193691. VIP Spécial Réserve Pour Homme de Giorgio, 1990385. Visa de Robert Piguet,  Germaine Cellier, 1945386. Vivara d’Emilio Pucci, 196689. Vivre de Molyneux,  Max Gavarry, 1971387,71. Vœu de Noël de Caron, 1939. Son ancien nom était Rose de Noël10. Voilà pourquoi j’aimais Rosine de Guerlain, 190025.  Jacques Guerlain43. Voilette de Madame de Guerlain,  Jacques Guerlain, 190443,388. Vol de nuit de Guerlain,  Jacques Guerlain en hommage à Saint-Exupéry, 193343,91. Votre Main de Jean Desprez, 1939389. Voyage d’Hermès,  Jean-Claude Ellena, 2010144. Voyageur de Jean Patou, pour homme,  Jean Kerléo en 1995. Le flacon est présenté dans un paquebot de métal.  Sommaire : W Wazamba, de Parfum d’Empire,  Marc-Antoine Corticchiato, 200950. Weil de Weil de Weil, 19716. White Linen d’Estée Laudet,  Sophia Grojsman (IFF), 1978390. White Patchouli de Tom Ford, 2009181. Winter Delice de Guerlain, 2000107. Womanity de Thierry Mugler, 201049.  Sommaire : X Xeryus de Givenchy, 1986391. Xmas Bells de Molinard, 192693. XS de Paco Rabanne, 

1Monroe, pseudoniem van Norma Jeane Mortenson (Los Angeles (Californië), 1 juni 1926 – aldaar, 4 augustus 1962),[1][2] was een Amerikaans fotomodel, actrice en zangeres. Ze werd als sekssymbool een icoon in de jaren vijftig. Marilyn Monroe (/’mær?l?n m?n’ro?/; born Norma Jeane Mortenson; June 1, 1926 – August 4, 1962) was an American actress, model and singer. Famous for playing comedic “blonde bombshell” characters, she became one of the most popular sex symbols of the 1950s and early 1960s and was emblematic of the era’s sexual revolution. She was a top-billed actress for only a decade, but her films grossed $200 million (equivalent to $2 billion in 2020) by the time of her death in 1962.[3] Long after her death, she continues to be a major icon of pop culture.[4] In 1999, the American Film Institute ranked Monroe sixth on its list of the greatest female screen legends from the Golden Age of Hollywood. Born and raised in Los Angeles, Monroe spent most of her childhood in foster homes and an orphanage; she married at age 16. She was working in a factory during World War II when she met a photographer from the First Motion Picture Unit and began a successful pin-up modeling career, which led to short-lived film contracts with 20th Century Fox and Columbia Pictures. After a series of minor film roles, she signed a new contract with Fox in late 1950. Over the next two years, she became a popular actress with roles in several comedies, including As Young as You Feel and Monkey Business, and in the dramas Clash by Night and Don’t Bother to Knock. She faced a scandal when it was revealed that she had posed for nude photos before she became a star, but the story did not damage her career and instead resulted in increased interest in her films. By 1953, Monroe was one of the most marketable Hollywood stars; she had leading roles in the film noir Niagara, which focused on her sex appeal, and the comedies Gentlemen Prefer Blondes and How to Marry a Millionaire, which established her star image as a “dumb blonde”. The same year, her nude images were used as the centerfold and on the cover of the first issue of Playboy. She played a significant role in the creation and management of her public image throughout her career, but she was disappointed when she was typecast and underpaid by the studio. She was briefly suspended in early 1954 for refusing a film project but returned to star in The Seven Year Itch (1955), one of the biggest box office successes of her career. When the studio was still reluctant to change Monroe’s contract, she founded her own film production company in 1954. She dedicated 1955 to building the company and began studying method acting under Lee Strasberg at the Actors Studio. Later that year, Fox awarded her a new contract, which gave her more control and a larger salary. Her subsequent roles included a critically acclaimed performance in Bus Stop (1956) and her first independent production in The Prince and the Showgirl (1957). She won a Golden Globe for Best Actress for her work in Some Like It Hot (1959), a critical and commercial success. Her last completed film was the drama The Misfits (1961). Monroe’s troubled private life received much attention. She struggled with addiction and mood disorders. Her marriages to retired baseball star Joe DiMaggio and to playwright Arthur Miller were highly publicized, and both ended in divorce. On August 4, 1962, she died at age 36 from an overdose of barbiturates at her home in Los Angeles. Her death was ruled a probable suicide, although several conspiracy theories have been proposed in the decades following her death. Marilyn Monroe [‘m????l?n m?n’?o?]1, née Norma Jeane Mortenson2,3,4,5 (Norma Jeane Baker selon son certificat de baptême6) le 1er juin 1926 à Los Angeles et morte le 4 août 1962 dans la même ville, est une actrice, mannequin et chanteuse américaine. Elle se destine initialement au mannequinat avant d’être repérée par Ben Lyon et signer son premier contrat d’actrice avec la 20th Century Fox en août 1946. Au début des années 1950, elle accède au statut de star hollywoodienne et de sex-symbol. Ses grands succès au cinéma incluent Les hommes préfèrent les blondes (1953), Sept ans de réflexion (1955) ou encore Certains l’aiment chaud (1959), pour lequel elle reçoit le Golden Globe de la meilleure actrice dans une comédie en 1960. En dépit de sa grande notoriété, sa vie privée est un échec et sa carrière la laisse insatisfaite 7 . Elle connaitra également des mariages ratés avec la star du base-ball Joe DiMaggio et avec l’écrivain Arthur Miller. Les causes de sa mort à 36 ans demeurent l’objet de vives spéculations (suicide, surdose de barbituriques, assassinat politique), contribuant à son statut d’icône culturelle. Selon le Guide de la culture populaire des États-Unis, seuls Elvis Presley et Mickey Mouse comptent parmi ses rares rivaux en popularité. Sommaire Biographie Ascendance Enfance et adolescence Carrière de mannequin et premier pas au cinéma Consécration L’année 1962 Mort Incertitudes autour de la cause de sa mort Postérité Popularité La robe blanche de Marilyn Monroe Carrière de modèle Vie privée Mariages Relations avec les Kennedy Marilyn Monroe et le judaïsme Filmographie Chansons Publications Distinctions Récompenses Nominations Honneurs de son vivant Honneurs posthumes Œuvres inspirées par l’artiste Arts graphiques Théâtre Littérature Roman graphique Musique Cinéma et télévision Séries d’animation Notes et références Annexes Bibliographie En français En anglais Liens externes Biographie Ascendance Marilyn Monroe (/’mæ??l?n m?n’?o?/), pseudonimo di Norma Jeane Mortenson Baker (Los Angeles, 1º giugno 1926[2] – Los Angeles, 5 agosto 1962), è stata un’attrice, cantante, modella e produttrice cinematografica statunitense, tra le più celebri attrici della storia del cinema. Dopo aver trascorso gran parte della sua infanzia in case-famiglia, Marilyn cominciò a lavorare come modella, prima di firmare il suo primo contratto cinematografico nel 1946; dopo alcune parti minori, film come Giungla d’asfalto e Eva contro Eva, entrambi del 1950, furono i suoi primi successi di pubblico. Negli anni successivi, le sue interpretazioni in Niagara e Gli uomini preferiscono le bionde vennero apprezzate dalla critica e le valsero un Henrietta Award ai Golden Globe 1954. La definitiva consacrazione internazionale avvenne poi con le pellicole Come sposare un milionario, Quando la moglie è in vacanza, Fermata d’autobus e A qualcuno piace caldo, per la quale vinse un Golden Globe per la migliore attrice in un film commedia o musicale nel 1959.[3] Nel 1999, Monroe è stata inserita dall’American Film Institute al sesto posto nella lista delle più grandi star femminili di tutti i tempi e tra le 100 donne più attraenti di tutti i tempi.[4] Fra i successi come cantante vi sono My Heart Belongs to Daddy di Cole Porter,[5] Bye Bye Baby e Diamonds Are a Girl’s Best Friend, inserite in Gli uomini preferiscono le bionde, e I Wanna Be Loved by You, cantata in A qualcuno piace caldo. Per il suo fascino e la sua sensualità venne inoltre ritratta in numerose foto di pubblicità e di riviste, diventando un simbolo fuori da ogni tempo e, secondo Marlene Dietrich, la prima vera sex symbol.[6] Negli anni e nei decenni successivi alla sua morte, la Monroe è stata spesso citata come vera e propria icona della cultura pop.[7] Le circostanze della sua prematura morte, dovuta a un’overdose di barbiturici, sono state oggetto di numerose congetture, sebbene il suo decesso sia ufficialmente classificato come “probabile suicidio”.[8] La successiva sparizione di tracce e documenti dalla casa dell’attrice, dove sembra fosse stato anche Bob Kennedy la sera della morte, nonché innumerevoli omissioni e varie incongruenze nelle dichiarazioni dei testimoni e nel referto autoptico, hanno dato adito a molteplici dubbi sugli eventi di quella notte. Tra le varie versioni formulate, una ipotizza la complicità dei Kennedy, che vedevano nella Monroe, che si era detta pronta a dichiarare pubblicamente le loro relazioni con lei, una minaccia per la loro carriera politica.[9] Indice Biografia I primi anni L’inizio della carriera I primi film La consacrazione I successi internazionali Gli ultimi anni La morte e gli sviluppi successivi Filmografia Film o documentari dove appare Marilyn Monroe Riconoscimenti Discografia Album Raccolte e Compilation (dal 1962 al 1989) Singoli Brani musicali eseguiti da Marilyn Monroe nei film in cui è stata protagonista Marilyn Monroe nella cultura di massa Nel cinema Nell’arte Doppiatrici italiane Note Bibliografia Voci correlate Altri progetti Collegamenti esterni Biografia I primi anni A sinistra il certificato di nascita di Norma Jeane Mortenson, a destra nel 1927. Norma Jeane nacque martedì 1º giugno 1926, alle 9:30 del mattino, al County Hospital di Los Angeles; la madre, Gladys Pearl Monroe (1902-1984), che lavorava alla Consolidated Film Industries ed era riuscita a ricoverarsi solo grazie a una colletta, era figlia di Otis Elmer Monroe e Della Hogane e si sposò una prima volta con John Newton Baker, dal quale ebbe due figli, Robert Jasper “Jackie” Baker e Bernice Inez Gladys Baker. Dopo il divorzio con Baker, del quale mantenne però il cognome, divenne suo marito Martin Edward Mortenson, un fornaio norvegese, ma i due si separarono prima che Gladys rimanesse nuovamente incinta.[10] L’identità del padre di Marilyn Monroe non è mai stata chiarita definitivamente; i biografi concordano che Mortenson, sebbene fosse indicato come tale nel certificato di nascita di Norma Jeane, non fosse in realtà il suo vero padre. Sembra più probabile che fosse Charles Stanley Gifford, un impiegato alle vendite della Consolidated Film Industries, che avrebbe lasciato Gladys non appena lei lo informò della sua gravidanza; si ipotizzò anche che la madre fosse rimasta incinta dopo uno stupro.[11] Alcuni mesi dopo il parto, la bambina venne battezzata come “Norma Jeane Baker Monroe”; molti biografi suggeriscono che Gladys le abbia dato i suoi cognomi per evitare che venisse dichiarata illegittima.[12] Gladys era mentalmente instabile e finanziariamente non era in grado di prendersi cura della figlia; non riuscendo a convincere la madre Della a occuparsi della bambina, decise di affidare Norma Jeane a Wayne e Ida Bolender, una coppia molto religiosa di Hawthorne, una località a sud-ovest di Los Angeles, che si occupava di bambini in affido in cambio di denaro, con cui Norma Jeane visse fino all’età di sette anni. Nella sua autobiografia, My Story, scritta con Ben Hecht, Marilyn disse che era convinta che loro fossero i suoi genitori finché Ida non la corresse in malo modo, affermando che non doveva chiamarla “madre” e che avrebbe incontrato quella vera il giorno dopo;[13] dopo la morte di Marilyn Monroe, Ida dichiarò che rimasero sempre in contatto e che aveva avuto la seria intenzione di adottarla, cosa che non poté fare per il mancato consenso di Gladys. Norma venne poi affidata a una coppia di inglesi, prima di tornare ad abitare con Gladys in una piccola casa bianca, insieme con la coppia britannica.[14] Dopo pochi mesi, in seguito a una caduta dalle scale, sua madre, che soffriva di un esaurimento nervoso a causa dei numerosi problemi familiari,[15] venne prima ricoverata al Los Angeles General Hospital e poi portata al Norwalk State Asylum, dove le venne diagnosticata schizofrenia paranoide.[16] Dopo che la madre venne dichiarata incapace di intendere e di volere,[17] Norma Jeane fu presa in custodia dalle autorità statali; la migliore amica di Gladys, Grace McKee, archivista di pellicole alla Columbia Pictures, divenne la sua tutrice, nonostante i pareri contrari dei suoi amici; con Grace cominciò ad appassionarsi al cinema e alla vita hollywoodiana.[17] Dopo il matrimonio della donna con Ervin Silliman Goddard il 4 aprile 1935,[18] Norma Jeane fu mandata all’orfanotrofio Children’s Home Society di Los Angeles, dove rimase dal 13 settembre 1935 al 1938;[19] qui lavorò per la prima volta come vivandiera con uno stipendio di 5 centesimi al mese.[20] Durante la permanenza nell’istituto, venne affidata a diverse famiglie,[21] dove subì violenze e disattenzioni, e ogni volta ritornava all’orfanotrofio, venendo accusata di commettere furti; in alcuni casi, lei stessa affermava di maltrattare alcune bambine. Ricorda anche un episodio di molestie sessuali subite da un certo signor Kirmel all’epoca in cui aveva circa nove anni.[22] Nel 1938, per quattro mesi, ritornò da Grace; la ragazzina affermava di essere molestata da Ervin, fatto di cui le fonti dubitano,[23] venendo poi affidata prima a Olive Brunings, una prozia che viveva a Compton, e poi, nei primi mesi del 1938, ad Ana Lower, un’altra zia residente a Van Nuys.[20] L’inizio della carriera Marilyn Monroe, appena diciannovenne, nella rivista Yank nel 1945 Nel settembre 1941, Norma tornò da Grace. In questi anni, frequentò la Emerson junior High School, una scuola pubblica, e il Van Nuys High School;[24] in quest’ultimo istituto Norma Jeane conobbe il figlio di un vicino, James Dougherty, con il quale cominciò una relazione. Diversi mesi dopo, Grace e Ervin decisero di trasferirsi in Virginia, dove l’uomo aveva ricevuto un’offerta vantaggiosa di lavoro, senza tuttavia voler portare Norma con loro; per non farla tornare in orfanotrofio, Grace volle che Norma Jeane si sposasse con James, il quale, nonostante fosse inizialmente riluttante, si convinse nell’accettare la proposta. Sebbene Dougherty abbia in seguito confermato che i due erano innamorati e che avrebbero vissuto felici se i sogni di successo di Norma non l’avessero allontanata da lui, la Monroe ha sempre affermato che quello fosse un rapporto di convenienza organizzato da Grace, che pagava Dougherty perché le desse appuntamento. Il matrimonio venne organizzato da Ana Lower e si celebrò il 19 giugno 1942;[23] Norma, all’epoca sedicenne, abbandonò gli studi per dedicarsi alla vita coniugale, divenendo di fatto una casalinga.[25] Nel 1944 il marito decise di arruolarsi nella marina mercantile;[26] inizialmente i due vissero a Isola di Santa Catalina, poi James partì per il Pacifico. Lo stesso anno, Norma Jeane traslocò a Los Angeles, coabitando con la suocera.[27] Qui lavorò come operaia alla Radio Plane, la stessa fabbrica dove prima lavorava il marito: inizialmente fece l’impacchettatrice di paracadute, poi divenne addetta alla verniciatura delle fusoliere dei vari modelli di aeroplani.[28] Il 26 giugno 1945 David Conover andò allo stabilimento per fotografare “ragazze che tenessero su il morale delle truppe al fronte” per un servizio per la rivista Yank;[29] Il fotografo la esortò a intraprendere la carriera di modella[30] e per quelle immagini venne eletta “Miss lanciafiamme”. James e Norma divorziarono nel giugno 1946.[27] Posò poi per André De Dienes, che la pagava 200 dollari a ogni servizio fotografico.[31] Le sue foto arrivarono sul tavolo di Emmeline Snively, direttrice della Blu Book School of Charm and Modeling, la più importante agenzia pubblicitaria di Hollywood: la Snively le schiarì i capelli, le insegnò come sorridere e la giusta tonalità della voce da utilizzare ma, a suo dire, fallì nell’insegnarle come camminare.[32] Lavorò quindi con Joseph Jasgur dell’Hollywood Citizen-News per un servizio fotografico.[31] Il 26 aprile 1946, all’età di 19 anni e mezzo, una sua foto scattata da De Dienes venne scelta per la copertina di Family Circle; Norma Jeane firmò un contratto con la rivista il 23 luglio 1946.[31] Le foto fecero il giro del mondo: sul settimanale di cinematografia e teatro italiano Film d’oggi comparve in tenuta da spiaggia, in Francia su Cinemonde apparve nelle vesti di una babysitter.[31] In quei tempi Norma lavorò anche con Earl Moran. Il 29 luglio comparve, con il nome di Norma, sul Los Angeles Times.[33] L’agente della ragazza sfruttò l’occasione riuscendo a ottenere alcune chiamate da importanti case cinematografiche, la Howard Hughes e la 20th Century Fox. Norma Jeane prese appuntamento e, dopo aver precedentemente parlato con il talent scout Ivan Kahn,[34] si recò alla Fox, facendo una buona impressione al regista Ben Lyon, che la paragonò a Jean Harlow:[35] il 24 agosto 1946 firmò il suo primo contratto cinematografico della durata di sei mesi, per un compenso di 125 dollari a settimana.[36][37] Lo stesso Lyon le consigliò poi di cambiare nome, suggerendole inizialmente di utilizzare come nome d’arte “Carole Lind”, ispirandosi a Carole Lombard e Jenny Lind; seguendo le orme di Harlow, i due decisero di utilizzare il nome da nubile di sua madre, “Monroe”, accantonando l’idea di usare “Carole Lind” come nome e scegliendo dunque “Jeane Monroe”.[11] Lyon poi suggerì di usare “Marilyn”, pensando a Marilyn Miller, apprezzando il suono sensuale e la doppia “M”.[38][39] I primi film Marilyn Monroe nei camerini del set di Orchidea bionda (1948), foto di Edward William Cronenweth per la Columbia Studios Marilyn, per affinare le sue doti recitative, studiò all’Actors Lab di Hollywood e recitò al Bliss-Hayden Miniature Theatre di Beverly Hills. Nel 1947, prese parte al suo primo film, The Shocking Miss Pilgrim di George Seaton, con il ruolo, non accreditato, di una centralinista; per questo motivo l’attrice non compare nella pellicola, mentre si ode la sua voce.[40] Recitò poi in Scudda Hoo! Scudda Hay!, con la regia di Arthur Pierson, che per alcuni problemi uscì nelle sale solo dopo alcuni mesi; la sua parte fu quasi completamente tagliata durante il montaggio, rimanendo alla fine un’unica scena dove lei saluta la protagonista della pellicola, June Haver.[41] Dopo aver fatto la comparsa ne I verdi pascoli del Wyoming (Green Grass of Wyoming) di Louis King e in You Were Meant for Me di Lloyd Bacon, senza venire accreditata in entrambi i film, Marilyn Monroe prese parte a Dangerous Years di Frederick Hugh Herbert, uscito nel 1948, dove il nome della diva appariva come quattordicesimo nei crediti.[42] Lo stesso anno vinse il concorso di bellezza Miss California Artichoke Queen.[11][43] Il 25 agosto 1947 il rapporto con la Fox terminò e il contratto non le fu rinnovato: Darryl Zanuck, capo della 20th Century, la reputò non adatta al cinema per la sua «insufficiente recitazione drammatica».[44] Si ritrovò dunque nuovamente senza lavoro; secondo Donald Spoto, in questo periodo fu costretta a prostituirsi lungo Sunset Boulevard per pagarsi le spese.[45] In seguito, grazie all’agente Max Arnow, ottenne un nuovo contratto alla Columbia Pictures,[46] della durata di altri sei mesi per 175 dollari alla settimana.[47] Girò come attrice protagonista l’unico film previsto, Orchidea bionda (Ladies of the Chorus), un musical a basso costo affidato alla regia di Phil Karlson sotto la supervisione di Harry Cohn, non limitandosi alla recitazione ma cantando anche due canzoni previste all’interno della pellicola;[48] il film però non portò alcun successo né alla Monroe, né alla Columbia.[49] Il 9 settembre 1948, dopo la fine delle riprese del film, il contratto scadde, senza ricevere un’offerta di rinnovo.[50] In questo periodo conobbe e frequentò per un breve periodo due figli di Charlie Chaplin, Charles Chaplin Jr. e Sydney Chaplin,[51] cominciando inoltre a seguire i corsi di recitazione di Natasha Lytess, che trovava la giovane attrice impacciata, criticando anche il modo nel quale le avevano insegnato a parlare, senza muovere le labbra;[52][53] da allora le due cominciarono una lunga collaborazione, terminata solo nel 1954.[54] Per impostare al meglio il suo timbro vocale nella dizione e nel canto, prese lezioni da Fred Karger, di cui Marilyn si innamorò; lui si limitava a criticarla in continuazione, e alla fine la lasciò, sposando anni dopo l’attrice Jane Wyman.[55] Poco dopo, come conferma Richard Lamparski, cominciò a lavorare come spogliarellista nel Mayan Theatre di Los Angeles.[56] Nel 1949 ebbe una piccola parte in Una notte sui tetti, pellicola dei fratelli Marx diretta da David Miller e prodotta da Lester Cowan per la United Artists; nell’incontro, Harpo e Groucho le chiesero di camminare e al vederla la paragonarono a Theda Bara, Bo Peep e Mae West fuse insieme.[57] Avendo letto sul Los Angeles Examiner che lo stesso Cowan la voleva mettere sotto contratto, si recò subito da lui ma, a detta del produttore, il contratto non era pronto. In seguito Cowan ritirò in parte quanto promesso, comunicandole che doveva partire per pubblicizzare Una notte sui tetti; l’attrice quindi partì in treno, andando prima a New York, poi a Detroit, a Cleveland, a Chicago, a Milwaukee e a Rockford.[58] Non avendo alcun contratto cinematografico, cercò una parte in qualche film, senza però riuscire a ottenere alcun ingaggio.[59] Per il lancio pubblicitario del film fu intervistata da Earl Wilson, che la introdusse al pubblico come “Mmmmmmm Girl”.[60] Ottenne poi una piccola parte in La figlia dello sceriffo (A Ticket to Tomahawk) della Fox, un western di Richard Sale dove Norma comparve in più scene rispetto al passato, senza tuttavia recitare alcuna battuta.[61] Fu poi il soggetto di un servizio fotografico di László Willinger, che la spinse a fare alcuni piccoli ritocchi di chirurgia plastica al naso e al mento, ammorbidendo il suo aspetto.[62] Marilyn Monroe in Giungla d’asfalto: seppur marginale la sua parte nel film, l’interpretazione venne acclamata per la prima volta dalla critica Il 31 dicembre 1948 incontrò, a una festa organizzata dal produttore Sam Spiegel, Johnny Hyde,[63] un associato dell’agenzia William Morris che aveva apprezzato la sua recitazione nel film dei fratelli Marx; il talent scout, che presto si innamorò di lei, credeva che Marilyn fosse destinata a diventare una grande stella e aveva i mezzi per aiutarla in questo senso. Hyde aveva già scoperto Lana Turner e annoverava Rita Hayworth tra le sue clienti; con la sua insistenza, grazie anche all’amica Lucille Ryman della Metro-Goldwyn-Mayer, la fece inserire nel cast di Giungla d’asfalto (The Asphalt Jungle) di John Huston, dopo aver superato un provino nel quale recitava sdraiata sul pavimento.[64] Marilyn interpreta la parte di Angela Phinlay, amante di un ricco e malvagio avvocato, e la sua performance ebbe recensioni contrastanti.[58] Joseph L. Mankiewicz, su suggerimento di Hyde, la inserì poi nel cast di Eva contro Eva (All About Eve), recitando la parte dell’amante di un critico teatrale.[65] Hyde continuò a cercare di firmare un contratto con la MGM senza riuscirci, nonostante i contatti con Dore Schary, trovandole comunque un ruolo per la Fox. Il suo salario era stato stabilito di 350 dollari a settimana ma Hyde riuscì a portarlo a 500 per il secondo film, convincendo Zanuck.[66] Contattata da Tom Kelley il 27 maggio 1949,[67] decise di posare nuda per 50 dollari, soldi necessari per pagare l’affitto della sua abitazione, convinta che essendo un volto anonimo ciò non avrebbe danneggiato la sua immagine; la fotografia, venduta per 900 dollari, venne inserita, senza citare il suo nome, nel calendario sexy Miss Golden Dreams.[38][68] Nel 1952 un ricattatore minacciò di rendere il fatto di pubblico dominio, ma Norma, consigliata dalla Fox, decise di rivelare lei stessa ai media di aver posato nuda per sfuggire alla miseria; questa sua confessione fece apparire la vicenda commovente, comportando apprezzamenti e simpatie per la sua condizione di attrice in difficoltà e accrescendo la sua popolarità.[33][69] Hugh Hefner comprò poi il diritto di usare quelle fotografie, che vennero proibite in diversi stati,[38] per il primo numero della sua nuova rivista Playboy.[11] La consacrazione Magnifying glass icon mgx2.svg Marilyn Monroe e Keith Andes in La confessione della signora Doyle (1952) Tra il 1949 e il 1950, Hyde chiese ripetutamente a Marilyn di sposarlo, assicurandole che avrebbe lasciato moglie e figli per lei e promettendole una vita nel lusso, ma lei rifiutò; il suo agente cercò anche di assicurarle la parte di protagonista in Nata ieri (Born Yesterday).[70] Quando Hyde ebbe un attacco di cuore fatale a Palm Springs il 18 dicembre 1950, Marilyn, che era in sua compagnia, si incolpò della sua morte;[71] subito prima di morire, le aveva garantito il futuro professionale procurandole un contratto settennale alla 20th Century Fox col compenso di 750 dollari alla settimana. Secondo la biografia di Spoto, dopo la morte del suo agente, Marilyn rinnovò il contratto con il produttore e cofondatore degli studios Joseph Schenck,[72][73] Nonostante Johnny Hyde avesse lasciato disposizioni perché venisse trattata come una della famiglia, Monroe venne cacciata dalla sua casa dalla moglie e il giorno successivo al funerale tentò il suicidio, abusando di farmaci a casa di Lytess, che riuscì a trovarla in tempo.[74] In questo periodo, Marilyn strinse una relazione, secondo quanto riferito dalla stessa Lytess, con il regista Elia Kazan.[41] Marilyn ebbe alcuni ruoli minori in film come Lo spaccone vagabondo (The Fireball) di Tay Garnett, Il messicano (Right Cross) di John Sturges, Home Town Story di Arthur Pierson, Le memorie di un dongiovanni (Love Nest) di Joseph M. Newman e L’affascinante bugiardo (As Young as You Feel) di Harmon Jones;[64] durante le riprese di quest’ultima pellicola, l’attrice era spesso in lacrime per dover nuovamente interpretare un ruolo minore e privo di espressività.[75] Sempre nel 1950, Monroe apparve sulla rivista Collier. Nel 1951 recitò in Mia moglie si sposa (Let’s Make It Legal) di Richard Sale e fu protagonista di un nuovo scandalo: Earl Theisen le scattò una foto vestita soltanto da un sacco di patate.[76] Nel marzo 1951, fu una delle presentatrici della cerimonia di premiazione degli Oscar.[77] Si iscrisse poi all’Università della California, Los Angeles, dove studiò critica letteraria e artistica.[78] In questo periodo prese alcune lezioni di recitazione da Michael Chekhov.[79] Il 7 aprile 1952 apparve per la prima volta sulla copertina del settimanale Life.[80][81] Dopo pochi mesi uscì il film La confessione della signora Doyle (Clash by Night) diretto da Fritz Lang; nell’occasione all’attrice venne data la possibilità di lavorare per la RKO Pictures, lo studio in cui la madre lavorava come montatrice negli anni venti. Lang mal vedeva i ritardi dell’attrice e la sua dipendenza da Lytess.[82] La pellicola ebbe un buon successo ai botteghini, in parte attribuito alla curiosità suscitata dalla Monroe, che ricevette recensioni generalmente positive da parte della critica; questo fu il primo film nel quale il nome di Marilyn comparve nella locandina.[83] Alcuni giornali, venendo a conoscenza della malattia di sua madre, l’accusarono pubblicamente di non assisterla a sufficienza.[76] Marilyn Monroe e Cary Grant ne Il magnifico scherzo (1952) Sempre nel 1952, cominciò una relazione con il critico letterario Robert Slatzer, conosciuto anni prima. Dopo qualche giorno trascorso a Malibù i due viaggiarono fino a Tijuana dove si sposarono il 4 ottobre.[84] Secondo quanto raccontò Slatzer a tale unione erano molto contrari Zanuck e Lytess, e vista la loro influenza su Norma, tre giorni dopo i due sposi decisero di annullarlo.[85] Monroe conobbe poi Joan Crawford, con la quale ebbe l’unico rapporto saffico da lei confermato;[86] dopo qualche tempo scoprì che Crawford l’aveva definita volgare, considerazione dovuta, secondo Monroe, a un suo rifiuto dell’attrice come amante.[87][88] Per la vicenda del calendario e dell’onestà delle sue risposte riceveva molta più posta delle altre attrici, arrivando a quasi settemila lettere alla settimana.[89] Alcune pellicole del 1952 contribuirono ad accrescere la sua fama; tra queste vi sono Matrimoni a sorpresa (We’re Not Married!) di Edmund Goulding con Ginger Rogers e Il magnifico scherzo (Monkey Business) di Howard Hawks con Cary Grant, Ginger Rogers e Charles Coburn, primo film nel quale apparve con i capelli biondo platino.[90] La tua bocca brucia (Don’t Bother to Knock) di Roy Ward Baker, con Richard Widmark e Anne Bancroft, fu il suo primo film da protagonista; recitando la parte di Nell Forbes, una babysitter dal passato turbolento, che si innamora di un pilota, “regala un bel ritratto di una donna fragile e sperduta”.[91] Fece poi parte di Il poliziotto e il salmo (The Cop and the Anthem), un episodio diretto da Henry Koster de La giostra umana (O. Henry’s Full House), con Charles Laughton. Marilyn venne poi invitata alla parata per Miss America, il 2 settembre 1952,[92] nella quale le ragazze sfilavano in costume da bagno, facendosi fotografare per pubblicizzare la campagna di reclutamento; un’immagine che evidenziava la sua scollatura destò scandalo.[38] Marilyn Monroe in Niagara (1953) Nel 1953 avvenne la definitiva consacrazione che la portò a essere considerata una delle più grandi stelle del cinema. Darryl F. Zanuck, notando nell’attrice del potenziale recitativo, pensò a lei per il cast di Niagara, diretto da Henry Hathaway; il ruolo scelto per lei era quello di una femme fatale che trama per uccidere il marito.[93] Durante le riprese, Allan Snyder, il truccatore della Monroe, notò in lei la paura del palcoscenico, sentimento che segnò il suo comportamento sui set cinematografici nel corso della sua carriera.[94] Il film, fortemente caratterizzato dalla presenza e dalla sensualità di Monroe, fu un successo; le recensioni sull’attrice furono generalmente positive, anche se la critica rilevò che la sua recitazione fosse imperfetta.[95] Il suo comportamento in occasione degli eventi promozionali per Niagara ricevette a volte dei commenti negativi, dovuti in parte agli abiti corti e provocanti con i quali si presentava alle serate di gala.[96][97] Marilyn Monroe si esibisce con Diamonds Are a Girl’s Best Friend nella celebre scena de Gli uomini preferiscono le bionde (1953) Gli uomini preferiscono le bionde (Gentlemen Prefer Blondes) di Howard Hawks vide l’attrice protagonista del musical, nel quale doveva recitare, cantare e ballare insieme con Jane Russell; celebre sono i brani Bye Bye Baby e Diamonds Are a Girl’s Best Friend, cantato indossando un vestito rosa di William Travilla che verrà celebrato e imitato nei decenni successivi.[98] Le due attrici divennero amiche, con Russell che ha descritto Monroe come una ragazza “molto timida, molto dolce e molto più intelligente di quanto la gente potesse dar credito”.[99] Ha poi ricordato che Monroe mostrava notevole dedizione nel provare le coreografie ogni sera, anche dopo che la maggior parte della troupe aveva smesso di lavorare, arrivando tuttavia abitualmente in ritardo sul set per le riprese. Rendendosi conto che Marilyn rimaneva nel suo camerino per la paura del palcoscenico e che Hawks stava diventando impaziente per i suoi continui ritardi, Russell cominciò ad accompagnarla fino al set.[99] In occasione della première del film a Los Angeles, Monroe e Russell lasciarono la loro firma e le loro impronte nel piazzale del Grauman’s Chinese Theatre di Hollywood. L’adattamento cinematografico del romanzo di Anita Loos diventa un capolavoro del cinema, incassando oltre il doppio rispetto ai costi di produzione, e Marilyn diventa una vera e propria star del cinema, ricevendo nuovamente molte recensioni positive.[11][100] Marilyn Monroe e Jane Russell firmano il marciapiede del Grauman’s Chinese Theatre di Los Angeles nel 1953 Anche Come sposare un milionario (How to Marry a Millionaire), una commedia romantica di Jean Negulesco della quale fecero parte anche Betty Grable e Lauren Bacall, riscosse un notevole successo commerciale. Monroe riuscì a calarsi in un personaggio più comico e brillante rispetto ai precedenti ruoli, avendo anche apprezzamenti dalla critica e dal pubblico.[101] Sempre nel 1953, a soli 27 anni, si classificò al primo posto della Quigley Poll, la classifica degli attori di maggiore successo commerciale, posizione che conservò fino al 1956.[102] Tentando di uscire dallo stereotipo della dumb blonde (“oca bionda”), disse al New York Times: “Voglio crescere, svilupparmi e recitare importanti ruoli drammatici. La mia insegnante di recitazione, Natasha Lytess, dice a tutti che ho una grande anima, ma finora nessuno se n’è interessato.”[103] Apparve poi per la prima volta in un programma televisivo, il Jack Benny Show di Jack Benny,[104] e, nel mese di ottobre, firmò un contratto discografico con la RCA Records.[105] Dopo che Darryl F. Zanuck rifiutò di farle fare un provino per Sinuhe l’egiziano,[106] entrò a far parte del cast del western La magnifica preda (River of No Return) di Otto Preminger, con Robert Mitchum. Marilyn Monroe Ir a la navegaciónIr a la búsqueda Para la canción de Pharrell Williams, véase Marilyn Monroe (canción). Marilyn Monroe Marilyn Monroe, Epoca.jpg Monroe en 1954 Información personal Nombre de nacimiento Otros nombres Nacimiento Los Ángeles, California, Estados Unidos Fallecimiento Los Ángeles, California, Estados Unidos Causa de muerte Nacionalidad Familia Padres Cónyuge Joe DiMaggio (matr. 1954; div. 1955) Arthur Miller (matr. 1956; div. 1961) Información profesional Ocupación Años activa Discográfica Firma Web Sitio web [editar datos en Wikidata] Marilyn Monroe ( /’mær?l?n_m?n’ro?/; nacida como Norma Jeane Mortenson; Los Ángeles, California, 1 de junio de 1926-ib., 4 de agosto de 1962) fue una actriz, modelo y cantante estadounidense. Famosa por interpretar personajes cómicos de “rubia tonta”, se convirtió en uno de los símbolos sexuales más populares de la década de 1950 y principios de la de 1960 y fue emblemática de la revolución sexual de la época. Fue una actriz de renombre durante solo una década, pero sus películas recaudaron $200 millones (equivalente a $2 mil millones en 2020) en el momento de su muerte en 1962.4? Mucho después de su muerte, sigue siendo un ícono importante de la cultura pop, siendo considerada como uno de los mayores iconos pop.5? Monroe es considerada popularmente como uno de los mayores iconos del Star-System hollywoodiense. En 1999, el American Film Institute clasificó a Monroe en sexto lugar en su lista de las más grandes leyendas del cine femenino de la Edad de Oro de Hollywood. Nacida y criada en Los Ángeles, Monroe pasó la mayor parte de su infancia en hogares de acogida y un orfanato y se casó a los 16 años. Trabajaba en una fábrica durante la Segunda Guerra Mundial cuando conoció a un fotógrafo de la Primera Unidad Cinematográfica y comenzó una exitosa carrera de modelo pin-up,6?7? que llevó a contratos cinematográficos de corta duración con 20th Century Fox y Columbia Pictures que iniciaron su carrera en Hollywood con el nombre artístico de Marilyn Monroe. Después de una serie de papeles menores en películas, firmó un nuevo contrato con Fox a finales de 1950; durante esa etapa, destacan sus participaciones en The Asphalt Jungle (1950), y All About Eve (1950). Durante los dos años siguientes, se convirtió en una actriz popular con papeles en varias comedias, incluidas As Young as You Feel y Monkey Business, y en los dramas, Clash by Night y Don’t Bother to Knock; siendo este último su primer papel protagonista. Se enfrentó a un escándalo cuando se reveló que había posado para fotos desnuda antes de convertirse en una estrella, pero la historia no dañó su carrera y, en cambio, resultó en un mayor interés en sus películas. En 1953, Monroe era una de las estrellas de Hollywood más comercializables; tuvo papeles principales en la película negra, Niagara, que se centró en su atractivo sexual, y en las comedias Gentlemen Prefer Blondes y How to Marry a Millionaire, que estableció su imagen estrella como una “rubia tonta”. El mismo año, sus imágenes de desnudos se utilizaron como página central y en la portada del primer número de Playboy. Desempeñó un papel importante en la creación y gestión de su imagen pública a lo largo de su carrera, pero se sintió decepcionada cuando el estudio la encasilló y la pagó mal. Fue suspendida brevemente a principios de 1954 por rechazar un proyecto cinematográfico, pero volvió a protagonizar The Seven Year Itch (1955), uno de los mayores éxitos de taquilla de su carrera. Cuando el estudio todavía se mostraba reacio a cambiar el contrato de Monroe, fundó su propia compañía de producción cinematográfica, Marilyn Monroe Productions en colaboración con el fotógrafo Milton Greene en 1954.8? Dedicó 1955 a construir la compañía y comenzó a estudiar el método de actuación con Lee Strasberg en el Actor’s Studio. Más tarde ese año, Fox le otorgó un nuevo contrato, que le dio más control y un salario más alto. Sus papeles posteriores incluyeron una actuación aclamada por la crítica en Bus Stop (1956) y su primera producción independiente en The Prince and the Showgirl (1957). Su protagonista más elogiado fue el de Sugar Kane para la película de Billy Wilder, Some Like it Hot (1959), un éxito comercial y de crítica, por el que ganó un Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.9? En sus últimos años actuó en películas como Let’s Make Love (1960) y The Misfits (1961), escrita por su marido Arthur Miller. La convulsa vida privada de Monroe recibió mucha atención. Luchó contra la adicción y los trastornos del estado de ánimo. Su primer esposo fue James Dougherty. Sus matrimonios con la estrella de béisbol retirada Joe DiMaggio y con el dramaturgo Arthur Miller fueron muy publicitados y ambos terminaron en divorcio. Además le atribuyeron relaciones sentimentales con los hermanos Robert Francis Kennedy y John Fitzgerald Kennedy. El 4 de agosto de 1962 murió a los 36 años por una sobredosis de barbitúricos en su casa de Los Ángeles, en circunstancias nunca esclarecidas. La primera hipótesis fue un probable suicidio, pero esta nunca pudo ser corroborada,9? y por ende se han propuesto varias teorías de conspiración en las décadas posteriores a su muerte. Índice Primeros años Carrera y vida personal 1944-1948: Modelaje y primeros papeles actorales 1949-1952: Años de avance 1953: Consagración 1954-1955: Conflictos con 20th Century-Fox y matrimonio con Joe DiMaggio 1956-1959: Aclamación de la crítica y matrimonio con Arthur Miller 1960-1962: Decadencia profesional y dificultades personales Muerte y funeral Personalidad Filmografía Cronología Premios Globos de Oro Premio David de Donatello Premios BAFTA Reflexión en el arte Bibliografía Notas Referencias Enlaces externos Primeros años Monroe cuando era un bebé, c.?1927. Monroe nació como Norma Jeane Mortenson el 1 de junio de 1926 en Los Angeles County Hospital en Los Ángeles, California.10? Su madre, Gladys Pearl Baker (de soltera Monroe)11? era de una familia pobre del Medio Oeste que había emigrado a California a principios de siglo.12? A la edad de 15 años, se casó con John Newton Baker, un hombre abusivo nueve años mayor que ella. Tuvieron dos hijos llamados Robert (1917-1933)13? y Berniece (n. 1919).14? Ella solicitó con éxito el divorcio y la custodia exclusiva en 1923, pero Baker secuestró a los niños poco después y se mudó con ellos a su Kentucky natal.15? A Monroe no le dijeron que tenía una hermana hasta los 12 años, y conoció a Berniece por primera vez cuando era adulta.16? Después del divorcio, Gladys trabajó como cortadora de negativos de película en Consolidated Film Industries.17? En 1924, se casó con Martin Edward Mortensen, pero se separaron solo unos meses después y se divorciaron en 1928.18? Se desconoce la identidad del padre de Monroe, y ella usó con mayor frecuencia a Baker como su apellido.19?b? Fue inscrita, según consta en el Registro Civil, con el nombre de Norma Jeane Mortenson, para que no fuera ilegítima, y llamada Norma Jeane Baker (apellido de la madre) en la práctica.24?25? Su madre la llamó Norma porque su actriz favorita era Norma Talmadge y Jeane por la también actriz Jean Harlow. Aunque Gladys no estaba preparada mental y económicamente para un niño, la primera infancia de Monroe fue estable y feliz.26? Gladys colocó a su hija con los padres adoptivos cristianos evangélicos Albert e Ida Bolender en el pueblo rural de Hawthorne.27? También vivió allí durante los primeros seis meses, hasta que se vio obligada a regresar a la ciudad por motivos de trabajo.28? Luego comenzó a visitar a su hija los fines de semana.26? En el verano de 1933, Gladys compró una pequeña casa en Hollywood con un préstamo de Home Owners ‘Loan Corporation y se mudó con Monroe, de siete años.29? No me gustaba el mundo que me rodeaba porque era un poco lúgubre … Cuando escuché que esto era actuar, dije que eso es lo que quiero ser. … Algunas de mis familias de acogida solían enviarme al cine para sacarme de la casa y allí me sentaba todo el día y hasta bien entrada la noche. Delante, allí con la pantalla tan grande, un niño pequeño completamente solo, y me encantó. —Dijo Monroe aclarando que sus experiencias de la infancia, la hicieron querer convertirse en actriz en primer lugar.30? Compartieron la casa con inquilinos, los actores George y Maude Atkinson y su hija, Nellie.31? En enero de 1934, Gladys sufrió un colapso mental y se le diagnosticó esquizofrenia paranoide.32? Después de varios meses en una casa de reposo, fue internada en el Hospital Estatal Metropolitano.33? Pasó el resto de su vida entrando y saliendo de hospitales y rara vez estaba en contacto con Monroe.34? Monroe se convirtió en un pupilo del estado, y la amiga de su madre, Grace Goddard, asumió la responsabilidad de los asuntos de ella y de su madre.35? Grace despertó el interés de la niña por el cine y quien la incentivó para que fuera, en un futuro, actriz.25?22? En los siguientes cuatro años, la situación de vida de Monroe cambió con frecuencia. Durante los primeros 16 meses, continuó viviendo con los Atkinson y es posible que haya sido abusada sexualmente durante este tiempo.36?c? Siempre una niña tímida, después también desarrolló un tartamudeo y se volvió retraída.42?En el verano de 1935, se quedó brevemente con Grace y su esposo Erwin “Doc” Goddard y otras dos familias.43? En septiembre de 1935, Grace la colocó en Los Angeles Orphans Home.44? El orfanato era “una institución modelo” y sus compañeros lo describieron en términos positivos, pero Monroe se sintió abandonada.45? Monroe con su primer marido, James Dougherty, c. 1943–44. Se casaron cuando ella tenía 16 años. Animada por el personal del orfanato que pensaba que Monroe sería más feliz viviendo en una familia, Grace se convirtió en su tutora legal en 1936, pero no la sacó del orfanato hasta el verano de 1937.46? La segunda estadía de Monroe con los Goddard duró solo unos meses porque Doc abusó de ella.47? Luego vivió breves períodos con sus parientes y los amigos y parientes de Grace en Los Ángeles y Compton.48? Ella volvió a ser abusada a los doce años.24? Monroe encontró un hogar más permanente en septiembre de 1938, cuando comenzó a vivir con la tía de Grace, Ana Lower, en Sawtelle.49? Estaba inscrita en la escuela secundaria Emerson y asistía a los servicios semanales de Ciencia cristiana con Lower.50? Por lo demás, Monroe era un estudiante mediocre, pero se destacó en la escritura y contribuyó al periódico de la escuela.51? Debido a los problemas de salud del anciano Lower, Monroe regresó a vivir con los Goddards en Van Nuys alrededor de principios de 1941.52? El mismo año, comenzó a asistir a la escuela secundaria Van Nuys.53? En 1942, la empresa que empleaba a Doc Goddard lo trasladó a Virginia Occidental.54? Las leyes de protección infantil de California impidieron que los Goddard se llevaran a Monroe fuera del estado, y ella se enfrentó a tener que regresar al orfanato.55? Para evitarlo, tomó una decisión que cambiaría su vida: se casó con el hijo de 21 años de sus vecinos, el obrero James Dougherty, el 19 de junio de 1942.56? Norma tenía dieciséis años y James, veintiuno. Desde entonces, ella dejó de estudiar para dedicarse a su papel de buena esposa y buena ama de casa.22? Se encontró que ella y Dougherty no coincidían y más tarde declaró que se estaba “muriendo de aburrimiento” durante el matrimonio.57? En 1943, cuando Estados Unidos estaba inmerso en plena Segunda Guerra Mundial, Dougherty se enroló en la Marina Mercante y fue enviado como instructor a la Isla Santa Catalina, frente a Los Ángeles, donde Monroe se mudó con él.58? Luego se embarcarco hacia Australia.58? Monroe, al quedarse sola, se trasladó a casa de su suegra, con quien trabajó en la fábrica de municiones Radio Plane de Burbank.22?58? Carrera y vida personal 1944-1948: Modelaje y primeros papeles actorales Foto de Monroe tomada por David Conover a mediados de 1944 en Radioplane Company. A fines de 1944; mientras trabajaba en la fábrica Radio Plane; conoció al fotógrafo David Conover, que había sido enviado por la Primera Unidad de Cinematografía de las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos a la fábrica para tomar fotografías de trabajadoras que levantaran la moral.59? Sin saberlo, había descubierto a la que dentro de poco sería la gran Marilyn Monroe.60? Aunque no se utilizó ninguna de sus fotografías, dejó de trabajar en la fábrica en enero de 1945 y comenzó a modelar para Conover y sus amigos.6?61?22? Desafiando a su esposo desplegado, se mudó por su cuenta y firmó un contrato con la Agencia de Modelos del Libro Azul en agosto de 1945.62? La agencia consideró que la figura de Monroe era más adecuada para el modelo de pin-up que para el modelaje de alta costura, y apareció principalmente en anuncios y revistas para hombres.63? Para ser más empleable, se alisó el cabello y se lo tiñó de rubio.60? Según Emmeline Snively, propietaria de la agencia, Monroe se convirtió rápidamente en una de sus modelos más ambiciosas y trabajadoras; a principios de 1946, había aparecido en 33 portadas de revistas para publicaciones como Pageant, U.S. Camera, Laff y Peek.64? Como modelo, Monroe usó ocasionalmente el seudónimo de Jean Norman.60? Una sonriente Monroe sentada en una playa y recostada sobre sus brazos. Lleva bikini y sandalias de cuña. Monroe haciéndose pasar por modelo pin-up para una fotografía de postal c. 1940. A través de Snively, Monroe firmó un contrato con una agencia de actuación en junio de 1946.65? Después de una entrevista fallida en Paramount Pictures, Ben Lyon, un ejecutivo de 20th Century-Fox, le hizo una prueba de pantalla.66? El director ejecutivo Darryl F. Zanuck no se mostró entusiasmado al respecto,67? pero le dio un contrato estándar de seis meses para evitar que la firmara con el estudio rival, RKO Pictures.d? El contrato de Monroe comenzó en agosto de 1946, y ella y Lyon seleccionaron el nombre artístico “Marilyn Monroe”.69? El primer nombre fue elegido por Lyon, que recordaba a la estrella de Broadway; Marilyn Miller; el último era el apellido de soltera de la madre de Monroe.70? En septiembre de 1946, se divorció de Dougherty, quien estaba en contra de su carrera.71?69? Monroe pasó sus primeros seis meses en Fox aprendiendo actuación, canto y baile, y observando el proceso de realización de películas.72? Su contrato fue renovado en febrero de 1947, y le dieron sus primeros papeles cinematográficos, papeles en Dangerous Years (1947) y Scudda Hoo! Scudda Hay! (1948).65?73?e? El estudio también la inscribió en el Teatro Laboratorio de Actores, una escuela de actuación que enseña las técnicas del Teatro de Grupo; más tarde declaró que era “mi primera probada de lo que podría ser la actuación real en un drama real, y me enganché”.75? A pesar de su entusiasmo, sus profesores la consideraban demasiado tímida e insegura para tener un futuro en la actuación, y Fox no renovó su contrato en agosto de 1947.76?77? Regresó al modelaje mientras también realizaba trabajos ocasionales en estudios de cine, como trabajar como bailarina “marcapasos” detrás de escena para mantener los protagonistas en los sets musicales.76? Monroe en una foto publicitaria tomada en 1948. Monroe estaba decidida a triunfar como actriz y continuó estudiando en el Laboratorio de Actores. Tuvo un pequeño papel en la obra Glamour Preferred en el Bliss-Hayden Theatre, pero terminó después de un par de funciones.78? Para trabajar en red, frecuentaba las oficinas de los productores, se hacía amiga del columnista de chismes Sidney Skolsky y recibía a invitados masculinos influyentes en funciones de estudio, una práctica que había comenzado en Fox.79? También se convirtió en amiga y ocasional compañera sexual del ejecutivo de Fox; Joseph M. Schenck, quien convenció a su amigo Harry Cohn, el director ejecutivo de Columbia Pictures, para que la contratara en marzo de 1948.80? En Columbia, la apariencia de Monroe se inspiró en Rita Hayworth y su cabello era rubio platino decolorado.81? Comenzó a trabajar con la entrenadora principal de teatro del estudio, Natasha Lytess, quien sería su mentora hasta 1955.82? Su única película en el estudio fue el musical de bajo presupuesto Ladies of the Chorus (1948), en el que tuvo su primer papel protagónico como una corista que es cortejada por un hombre rico.74? También hizo una prueba de pantalla para el papel principal en Nacida ayer (1950), pero su contrato no fue renovado en septiembre de 1948.83? Ladies of the Chorus fue lanzado al mes siguiente y no fue un éxito,84? por lo que su contrato fue rescindido.67? 1949-1952: Años de avance Monroe en The Asphalt Jungle (1950). Esta fue una de sus primeras interpretaciones en ser notada por los críticos. Cuando terminó su contrato en Columbia, Monroe volvió de nuevo al modelaje. Ella filmó un comercial para la cerveza Pabst y posó en desnudos artísticos para los calendarios de John Baumgarth (usando el nombre ‘Mona Monroe’).85? Monroe había posado anteriormente en topless o vestida en bikini para otros artistas como Earl Moran, y se sentía cómoda con la desnudez.86?f? Poco después de dejar Columbia, también conoció y se convirtió en la protegida y amante de Johnny Hyde, el vice presidente de William Morris Agency.87? A través de Hyde, Monroe consiguió pequeños papeles en varias películas,g? incluso en dos obras aclamadas por la crítica: el drama All About Eve (1950) de Joseph Mankiewicz88? y la película negra de John Huston; The Asphalt Jungle (1950).89?90? A pesar de que su tiempo de pantalla fue solo de unos minutos en este último, ganó una mención en Photoplay y, según el biógrafo Donald Spoto, “pasó efectivamente de modelo de película a actriz seria”.91? En diciembre de 1950, Hyde negoció un contrato de siete años para Monroe con 20th Century-Fox.92?93?94? Según sus términos, Fox podría optar por no renovar el contrato cada año.95? Hyde murió de un ataque cardíaco pocos días después, lo que dejó a Monroe devastada.96? En 1951, Monroe tuvo papeles secundarios en tres comedias de Fox de éxito moderado: As Young as You Feel, Love Nest y Let’s Make It Legal.97?98? Según Spoto, las tres películas la presentaban “esencialmente [como] un adorno sexy”, pero recibió algunos elogios de los críticos: Bosley Crowther de The New York Times la describió como “excelente” en As Young As You Feel y Ezra Goodman de Los Angeles Daily News la llamó “una de las [actrices] más brillantes y prometedoras” de Love Nest.99? En febrero de 1951, se inscribió en las clases nocturnas de arte y literatura de la Universidad de California.100? Su popularidad entre el público también estaba creciendo: recibió varios miles de cartas de admiradores a la semana y fue declarada “Miss Cheesecake de 1951” por el periódico del ejército Barras y estrellas, reflejando las preferencias de los soldados en la Guerra de Corea.101? En febrero de 1952, la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood nombró a Monroe “la mejor personalidad de taquilla joven”.102? En su vida privada, Monroe tuvo una breve relación con el director Elia Kazan y también salió brevemente con otros hombres, incluido el director Nicholas Ray y los actores Yul Brynner y Peter Lawford.103? A principios de 1952, comenzó un romance muy publicitado con la estrella de béisbol retirada de los New York Yankees, Joe DiMaggio, una de las personalidades deportivas más famosas de la época.104? Monroe con Keith Andes en Clash by Night (1952). La película le permitió a Monroe mostrar más de su rango de actuación en un papel dramático. Monroe se encontró en el centro de un escándalo en marzo de 1952, cuando reveló públicamente que había posado para un calendario de desnudos en 1949.105? El estudio se había enterado de las fotos y que se rumoreaba públicamente que ella era la modelo unas semanas antes, y junto con Monroe decidieron que para evitar dañar su carrera lo mejor era admitirlas mientras enfatizaba que estaba arruinada en ese momento.106? La estrategia ganó la simpatía del público y aumentó el interés en sus películas, por las que ahora estaba recibiendo la máxima facturación. A raíz del escándalo, Monroe apareció en la portada de Life como la “Charla de Hollywood” y la columnista de chismes; Hedda Hopper la declaró la “reina de la tarta de queso” convertida en “éxito de taquilla”.107? Fox lanzó tres de las películas de Monroe—Clash by Night, Don’t Bother to Knock y We’re Not Married!—poco después para capitalizar el interés público.108? A pesar de su nueva popularidad como símbolo sexual, Monroe también deseaba mostrar más de su rango de actuación. Había comenzado a tomar clases de actuación con Michael Chekhov y la mímica Lotte Goslar poco después de comenzar el contrato con Fox,109? y Clash by Night y Don’t Bother to Knock la mostraban en diferentes roles.110? En el primero, un drama protagonizado por Barbara Stanwyck y dirigido por Fritz Lang, interpretó a una trabajadora de conservas de pescado; para prepararse, pasó un tiempo en una fábrica de conservas de pescado en Monterrey.111? Recibió críticas positivas por su actuación: The Hollywood Reporter declaró que “se merece el estatus de estrella con su excelente interpretación”, y Variety escribió que “tiene una facilidad de entrega que la convierte en un juego de niños para la popularidad”.112?113? Este último fue un thriller en el que Monroe interpretó a una niñera con trastornos mentales y que Zanuck usó para probar sus habilidades en un papel dramático más pesado.114? Recibió críticas mixtas de los críticos, y Crowther de The New York Times la consideró demasiado inexperta para el papel difícil,115? y Variety culpó al guión de los problemas de la película.116?117? Monroe, con una bata de encaje transparente y aretes de diamantes, sentada en un tocador y mirando fuera de cámara con una expresión de asombro. Monroe en Don’t Bother to Knock (1952). Las otras tres películas de Monroe en 1952 continuaron con su encasillamiento en papeles cómicos que se centraron en su atractivo sexual. En Were Not Married!, su papel como concursante de un concurso de belleza fue creado únicamente para “presentar a Marilyn en dos trajes de baño”, según su guionista Nunnally Johnson.118? En Monkey Business, dirigida por Howard Hawks,119?120? en la que actuó junto a Cary Grant, interpretó a una secretaria que es una “rubia tonta e infantil, inocentemente inconsciente de los estragos que causa su sensualidad a su alrededor”.121? En O. Henry’s Full House, tuvo un papel menor como trabajadora sexual.121? Monroe se sumó a su reputación como un nuevo símbolo sexual con trucos publicitarios ese año: usó un vestido revelador cuando actuó como Gran Mariscal en el desfile de Miss América, y le dijo al columnista de chismes Earl Wilson que generalmente no usaba ropa interior.122? A finales de año, la columnista de chismes Florabel Muir nombró a Monroe la “It girl” de 1952.123? Durante este período, Monroe se ganó la reputación de ser difícil de trabajar, lo que empeoraría a medida que avanzaba su carrera. A menudo llegaba tarde o no se presentaba en absoluto, no recordaba sus líneas y exigía varias repeticiones antes de estar satisfecha con su actuación.124? Su dependencia de sus entrenadoras de actuación—Natasha Lytess y luego Paula Strasberg—también irritó a los directores.125? Los problemas de Monroe se han atribuido a una combinación de perfeccionismo, baja autoestima y miedo escénico.126? No le gustaba su falta de control en los sets de filmación y nunca experimentó problemas similares durante las sesiones de fotos, en las que tenía más voz sobre su actuación y podía ser más espontánea en lugar de seguir un guión.126?127? Para aliviar su ansiedad y su insomnio crónico, comenzó a consumir barbitúricos, anfetaminas y alcohol, lo que también agravó sus problemas, aunque no se volvió severamente adicta hasta 1956.128? Según Sarah Churchwell, parte del comportamiento de Monroe, especialmente más adelante en su carrera, también fue en respuesta a la condescendencia y el sexismo de sus coprotagonistas y directores masculinos.129? De manera similar, la biógrafa Lois Banner ha declarado que fue intimidada por muchos de sus directores.130? 1953: Consagración Monroe en Niagara. Un primer plano de su rostro y hombros; ella lleva aretes de oro y una blusa rosa impactante. Monroe en Niagara (1953), que se centró en su atractivo sexual. Monroe en Los caballeros las prefieren rubias. Lleva un vestido rosa impactante con guantes a juego y joyas de diamantes, y está rodeada de hombres con esmoquin. Monroe interpretando la canción «Diamonds Are a Girl’s Best Friend» en Los caballeros las prefieren rubias (1953). Monroe en How to Marry a Millionaire. Lleva un traje de baño naranja y está sentada junto a Betty Grable, que lleva pantalones cortos y una camisa, y Lauren Bacall, que lleva un vestido azul. Monroe, Betty Grable y Lauren Bacall en How to Marry a Millionaire, su mayor éxito de taquilla de 1953. Monroe protagonizó tres películas que se estrenaron en 1953 y emergió como un símbolo sexual importante y uno de los artistas más rentables de Hollywood.131?132? La primera fue la película negra de Technicolor; Niagara, en la que interpretó a una mujer fatal que planeaba asesinar a su marido, interpretado por Joseph Cotten.133? Darryl F. Zanuck, el entonces presidente de la 20th Century-Fox, solicitó el papel expresamente para Monroe.134? Así fue como Marilyn Monroe sustituyó a Anne Bancroft.135?136? Para entonces, Monroe y su maquillador Allan “Whitey” Snyder habían desarrollado su look de maquillaje “característico”: cejas arqueadas oscuras, piel pálida, labios rojos “relucientes” y un lunar.137? Según Sarah Churchwell, Niagara fue una de las películas más abiertamente sexuales de la carrera de Monroe.121? En algunas escenas, el cuerpo de Monroe estaba cubierto solo por una sábana o una toalla, lo que el público contemporáneo consideraba impactante.138? La escena más famosa de Niagara es una toma larga de 30 segundos detrás de Monroe, donde se la ve caminando con las caderas balanceándose, lo que se utilizó mucho en el marketing de la película.138? Cuando Niagara fue lanzado en enero de 1953, los clubes de mujeres protestaron por ser inmoral, pero resultó ser popular entre el público.139? Si bien Variety lo consideró “cliché” y “morboso”, The New York Times comentó que “las cataratas y la señorita Monroe son algo para ver”, ya que aunque Monroe puede no ser “la actriz perfecta en este momento…puede ser seductora—incluso cuando camina”.140?141? Monroe continuó atrayendo la atención al usar atuendos reveladores, el más famoso en los premios Photoplay en enero de 1953, donde ganó el premio a la “Estrella en ascenso”.142? Llevaba un vestido de lamé dorado ajustado a la piel, lo que llevó a la veterana estrella Joan Crawford a calificar públicamente su comportamiento de “impropio de una actriz y una dama”.142? Mientras Niagara convirtió a Monroe en un símbolo sexual y estableció su “look”, su segunda película de 1953, la comedia musical satírica Los caballeros las prefieren rubias, consolidó su personalidad en la pantalla como una “rubia tonta”.143? Basada en la novela de Anita Loos y su versión de Broadway, la película se centra en dos coristas “buscadores de oro” interpretadas por Monroe y Jane Russell.144? El papel de Monroe estaba originalmente destinado a Betty Grable, quien había sido la “bomba rubia” más popular de 20th Century-Fox en la década de 1940; Monroe la estaba eclipsando rápidamente como una estrella que podía atraer tanto al público masculino como al femenino.145? Como parte de la campaña publicitaria de la película, ella y Russell presionaron sus manos y pisadas en concreto húmedo afuera del Teatro Chino de Grauman en junio.146? Gentlemen Prefer Blondes se estrenó poco después y se convirtió en uno de los mayores éxitos de taquilla del año.147? Crowther de The New York Times y William Brogdon de Variety comentaron favorablemente sobre Monroe, destacando especialmente su interpretación de «Diamonds Are a Girl’s Best Friend»;148? según este último, demostró la “capacidad de sexar una canción, así como de señalar los valores visuales de una escena con su presencia”.149?150? En septiembre, Monroe hizo su debut televisivo en el Jack Benny Show, interpretando a la mujer fantástica de Jack en el episodio «Honolulu Trip».151? Coprotagonizó con Betty Grable y Lauren Bacall en su tercera película del año, How to Marry a Millionaire, estrenada en noviembre. Presentaba a Monroe como una modelo ingenua que se une a sus amigos para encontrar maridos ricos, repitiendo la fórmula exitosa de Los caballeros las prefieren rubias. Fue la segunda película lanzada en Cinemascope, un formato de pantalla ancha que Fox esperaba que atrajera al público a los cines, ya que la televisión comenzaba a causar pérdidas en los estudios cinematográficos.152? A pesar de las críticas mixtas, la película fue el mayor éxito de taquilla de Monroe en ese momento de su carrera.153?154? Monroe fue incluido en la encuesta anual Top Ten Money Making Stars Poll tanto en 1953 como en 1954,132? y según el historiador de Fox, Aubrey Solomon se convirtió en el “mayor activo” del estudio junto con CinemaScope.155? La posición de Monroe como símbolo sexual líder se confirmó en diciembre de 1953, cuando Hugh Hefner la presentó en la portada y en la página central del primer número de Playboy para explotar el creciente estrellato de la actriz; Monroe no dio su consentimiento para la publicación.156? La imagen de la portada era una fotografía de ella tomada en el desfile de Miss América en 1952, y la página central mostraba una de sus fotografías desnudas de 1949, cuando ella era una desconocida de cabello más largo y oscuro, y se había tomado para un calendario.156?157? 1954-1955: Conflictos con 20th Century-Fox y matrimonio con Joe DiMaggio En 1954, la actriz apareció en el wéstern de Otto Preminger, River of No Return (Río sin retorno), junto a los actores Robert Mitchum, Rory Calhoun, Tommy Rettig y Murvyn Vye. Interpretó el papel de una cantante que conoce a un rudo vaquero, con el que vive diferentes aventuras. En la comedia musical There’s No Business Like Show Business (Luces de candilejas), compartió escena con Ethel Merman, Donald O´Connor y Mitzy Gaynor.158? La película recibió críticas negativas y no consiguió una buena recaudación. Aunque Monroe se había convertido en una de las actrices más relevantes de la 20th Century Fox, su contrato no había cambiado desde 1950: su salario era inferior al de otros actores y no contaba con la libertad de elegir sus proyectos ni sus compañeros de trabajo. Cansada de interpretar papeles de «rubia tonta», se negó a participar en el rodaje de la comedia musical The Girl in Pink Tights, al lado de Frank Sinatra. Como consecuencia de su negativa, el estudio la suspendió temporalmente el 4 de enero de 1954. Monroe y Joe DiMaggio después de casarse en el Ayuntamiento de San Francisco en 1954. Su suspensión fue analizada por los principales columnistas de Hollywood y la actriz inmediatamente inició una campaña publicitaria para contrarrestar cualquier negativa de los periodistas y para fortalecer su posición en el enfrentamiento con el estudio. El 14 de enero se casó con Joe DiMaggio en el Ayuntamiento de San Francisco y celebraron su luna de miel en Japón. Su noviazgo interesó a los medios desde 1952. Monroe, sola, se trasladó de Japón a Corea con el fin de entretener a las tropas estadounidenses que se dirigían a la guerra. Durante cuatro días, interpretó canciones de sus películas para setenta mil marinos. En febrero, regresó a Hollywood y fue galardonada con el premio Photoplay a la estrella femenina más popular. Al mes siguiente, el estudio le ofreció un contrato más ventajoso desde el punto de vista comercial y artístico: cien mil dólares por protagonizar la versión cinematográfica de la obra teatral de Broadway The Seven Year Itch. En abril, se estrenó la película wéstern River of No Return, de Otto Preminger, donde compartió escena con Robert Mitchum. Sobre esta producción, Monroe comentó: «es una película de vaqueros de serie Z en la que la escenografía y el proceso de Cinemascope son más importantes que las actuaciones», sin embargo, tuvo buena acogida comercial. El primer filme que rodó tras reincorporarse a Fox fue el musical There’s No Business Like Show Business (Luces de candilejas), que aunque no era de su agrado, se vio obligada a interpretar como compensación por haber rechazado actuar en The Girl in Pink Tights. Estrenado en diciembre, fue un fracaso comercial y muchos críticos tacharon de vulgar la actuación de Monroe. Monroe posando para fotógrafos en The Seven Year Itch (1955). Tras un breve receso, Monroe aceptó el papel de “La Chica” en la comedia The Seven Year Itch, de 1955, adaptación cinematográfica de la obra teatral del mismo nombre.159?160? Por su trabajo en esta película, recibió críticas positivas y su primera nominación al premio BAFTA como mejor actriz extranjera. The Seven Year Itch fue un gran éxito comercial con una recaudación de más de ocho millones de dólares.161? Sin embargo, contribuyó a la crisis matrimonial entre Monroe y DiMaggio, disgustado principalmente por la famosa escena del vestido levantado por el viento en Nueva York y, en general, por la imagen provocativa que Marilyn proyectaba. La pareja se divorciaría meses después. El estudio mejoró el contrato de la actriz, en el que se incluyeron dos cláusulas: la primera señalaba que recibiría un porcentaje de la recaudación y la segunda le concedía la posibilidad de realizar una producción independiente al año.162?163? A mediados de la década de 1950, Monroe se mudó a Nueva York y dejó de actuar durante un tiempo, porque quería formar su propia productora de cine y perfeccionar sus dotes como actriz. Se inscribió, por sugerencia de su amigo Truman Capote, en las clases de teatro dirigidas por Constance Collier, quien murió días después del inicio del curso. Entonces, decidió matricularse en el Actor’s Studio, en las clases impartidas por Lee Strasberg.164? Cuando Strasberg consideró que ella estaba lo suficientemente preparada para actuar frente a la clase, le sugirió que interpretase junto con Maureen Stapleton una escena de la obra Anna Christie, de Eugene O’Neill.165? Por su actuación en esta pieza teatral, recibió críticas muy positivas por parte de Strasberg y de sus compañeros.165?166?167? 1956-1959: Aclamación de la crítica y matrimonio con Arthur Miller La actuación dramática de Monroe en Bus Stop (1956) marcó una desviación de sus comedias anteriores. En 1956, Monroe regresó al cine interpretando el papel de “Cherie” en la película Bus Stop. Gracias a su nuevo contrato firmado con la Twentieth Century Fox, la actriz pudo elegir director. Optó por Joshua Logan, que había sido formado con el mismo método de interpretación que Marilyn.168? Nuevamente, la actuación de Monroe recibió buenas críticas. Logan, en su autobiografía, escribió: «Marilyn es una de las actrices más talentosas de todos los tiempos, ella es realmente brillante. Creo que debió haber sido nominada como mejor actriz a los premios Óscar». Bosley Crowther, del periódico The New York Times, señaló: «Marilyn Monroe se probó a sí misma que es una actriz».169? Ese año fue nominada al Globo de Oro como mejor actriz de comedia o musical.170? El 29 de junio de 1956, la actriz y Arthur Miller se casaron en una doble ceremonia, civil y religiosa.171? Miller practicaba el judaísmo por lo que Marilyn debió convertirse a dicha religión para poder casarse en una ceremonia religiosa de rito judío. La prensa accedió a la casa donde se celebró el evento, pero en una de las persecuciones en busca de fotografías murió accidentalmente una periodista que cubría el acontecimiento.167? Después, el matrimonio se trasladó a Londres, donde Monroe rodó la primera película de la Marilyn Monroe Productions, El príncipe y la corista (1957), dirigida por Laurence Olivier, que fue también co-protagonista. El rodaje resultó ser muy angustioso para la actriz, que estaba embarazada, y sufrió un aborto espontáneo. Durante este período, debido a sus trastornos emocionales y anímicos, se volvió adicta al alcohol y a los barbitúricos.172? La actuación de Monroe tuvo muy buena aceptación por parte de los críticos de cine, incluso ganó el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en Italia y estuvo nominada al premio BAFTA como mejor actriz. Monroe en Some Like it Hot (1959). En 1959, Monroe participó en la película Some Like it Hot (Con faldas y a lo loco o Una Eva y dos Adanes en algunos países de Latinoamérica), con un elenco encabezado por Jack Lemmon y Tony Curtis, dirigida por Billy Wilder.173? Durante el rodaje, Monroe siempre llegaba tarde, constantemente pedía repetir las tomas y con mucha dificultad lograba memorizar sus líneas; esto provocó que se enemistara con sus compañeros, especialmente con Tony Curtis. El rodaje de la cinta fue también bastante angustioso, porque allí quedó embarazada, supuestamente, tras un breve idilio con Curtis, pero nuevamente abortó. La película fue muy aplaudida por crítica y público; fue la más taquillera de ese año y consiguió cinco nominaciones a los premios Óscar. Monroe interpretó a “Sugar Kane”, una chica romántica, desafortunada en el amor y vulnerable; una rubia superficial, no demasiado inteligente, víctima de la maldad de los otros. Por su interpretación, ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical. Más tarde, Wilder comentó que esta película fue uno de los logros más importantes de toda su carrera.174? 1960-1962: Decadencia profesional y dificultades personales Después de Some Like It Hot, la actriz firmó un nuevo contrato con la Twentieth Century Fox. Actuó en 1960 en el musical Let’s Make Love (El multimillonario), bajo la dirección de George Cukor. El rodaje de la película se retrasó por las condiciones físicas de Monroe y porque, a petición de ella, el guion fuera reescrito por Arthur Miller.175? Los cambios que realizó el dramaturgo hicieron que Gregory Peck rechazara encarnar el papel principal del filme; Cary Grant, Charlton Heston, Yul Brynner y Rock Hudson también lo rechazaron, por lo que el estudio se lo ofreció al actor y cantante francés Yves Montand.176? Monroe y Miller se hicieron amigos de Montand y su esposa, la actriz Simone Signoret. Cuando Signoret regresó a Francia para rodar una película, Monroe y Montand tuvieron un breve romance, estando ambos casados. Si bien ella le pidió que abandonase a Signoret, cuando el rodaje terminó, él volvió a su país con su esposa.177? La película obtuvo críticas negativas y no le fue bien económicamente.178? Durante este período, la salud y el estado emocional de Monroe se fueron deteriorando notablemente. Por las noches, para combatir su insomnio, llamaba con frecuencia por teléfono al Dr. Ralph Greenson, su psiquiatra y psicoanalista. También visitó a otros médicos cuando él creía que era necesario.179? Monroe, Estelle Winwood, Eli Wallach, Montgomery Clift, y Clark Gable en The Misfits (1961). Fue la última película completada por Monroe y Gable, quienes fallecieron dos años después. En el año 1960, Monroe formó parte del elenco de la película The Misfits (Vidas rebeldes), de John Huston, cuyo guion fue escrito especialmente para ella por Arthur Miller. La actriz interpretó a «Roslyn», un personaje que su esposo calcó de situaciones, diálogos y momentos de su vida. El elenco incluía, entre otros, a Clark Gable, Montgomery Clift y Thelma Ritter. El rodaje comenzó en julio de ese año y se llevó a cabo en el desierto de Nevada. El estado anímico de Monroe no era bueno: faltaba con frecuencia al rodaje, tenía dificultades para poder concentrarse, y para dormir consumía fuertes dosis de fármacos y alcohol.180? En el mes de agosto, Marilyn fue hospitalizada de urgencia en Los Ángeles durante diez días. Los periódicos informaron de que la actriz estaba cerca de la muerte, pero no revelaron las causas de su internamiento.181? Tras su ingreso hospitalario, Monroe regresó a Nevada y terminó de filmar la película.182? En noviembre, la actriz y su esposo regresaron separados a Nueva York y ella se refugió en casa de Lee Strasberg.183? The Misfits fue mal recibida por los críticos, pero la actuación de Monroe, al igual que la de Gable, recibió críticas muy positivas. En una entrevista, Huston dijo: «Marilyn excavó dentro de sus propias experiencias personales para sacar a la superficie algo único y extraordinario. No tenía técnica de actuación. Era todo verdad, era solo ella».184? Durante los siguientes meses, la adicción de Monroe a los fármacos y al alcohol la llevaron nuevamente al borde de la muerte.184? El 20 de enero de 1961 se divorció de Miller. En el mes de febrero, ingresó en la clínica psiquiátrica Payne Whitney, experiencia que ella misma describió como «una pesadilla». Después logró comunicarse con Joe DiMaggio, su segundo marido, quien hizo que la trasladaran del psiquiátrico a un hospital. Su delicado estado de salud le impidió trabajar el resto del año.185? Monroe en el set de rodaje de Something’s Got to Give. Estuvo ausente durante la mayor parte de la producción debido a una enfermedad y fue despedida por Fox en junio de 1962, dos meses antes de su muerte. En 1962, Monroe regresó a la actuación y protagonizó, junto a Dean Martin, la película Something’s Got to Give. En el momento de comenzar el rodaje, la actriz estaba muy delicada de salud, con sinusitis, bronquitis y síntomas cada vez más marcados de inseguridad. La 20th Century Fox confiaba en este proyecto para sanear su economía, ya que la empresa amenazaba con quebrar, debido a los desmesurados gastos que le generó la película Cleopatra. El 19 de mayo del mismo año tuvo lugar, en Nueva York, la gala de celebración del cumpleaños del entonces presidente estadounidense John F. Kennedy, en la que Monroe le cantó el “Happy Birthday Mr. President”. Para acudir a esta gala, la actriz se ausentó durante siete días del rodaje, a pesar de que el estudio le exigió que se quedara para cumplir con su trabajo.186? Monroe retornó después al rodaje de Something’s Got to Give y filmó las escenas en las que se mostraba desnuda en una piscina. Estas imágenes aparecieron en la portada de la revista Life, tras lo cual comentó que quería «…sacar a Elizabeth Taylor de las portadas de las revistas». Por sus retrasos y repentinas ausencias del rodaje, fue despedida. La Fox intentó terminar la película sustituyendo a Marilyn por otra actriz, pero Dean Martin se opuso, y la productora tuvo que readmitirla.187? En junio del mismo año, realizó su última y más recordada sesión fotográfica titulada póstumamente The last sitting, programada originalmente por la revista estadounidense Vogue y retratada por el fotógrafo Bert Stern. Después de que la readmitieran, Monroe retomó las negociaciones con la productora para discutir su futuro profesional.188? El estudio tenía pensado para ella retratar a Jean Harlow en una película biográfica, que sería protagonizada posteriormente por Carroll Baker. También quería que Marilyn actuara en las comedias Irma la Dulce, What a Way to Go! (Ella y sus maridos), ambas protagonizadas finalmente por Shirley MacLaine, y Kiss Me, Stupid, por Kim Novak.188? El acuerdo al que llegaron estableció que recibiría un millón de dólares por película y que tenía la libertad de elegir director y co-protagonistas.189? Muerte y funeral Artículo principal: Muerte de Marilyn Monroe El 5 de agosto de 1962, a las 4:55 de la madrugada, el jefe del departamento policial de Los Ángeles, Jack Clemmons, recibió una llamada inquietante. Su interlocutor era el doctor Greenson, psiquiatra de Marilyn Monroe, y el mensaje era claro: la actriz había muerto. Clemmons fue el primero en llegar al lugar y advirtió una serie de incongruencias en los testimonios de los dos médicos y el ama de llaves, que se mostraban muy nerviosos y se habían retrasado sospechosamente en avisar a las autoridades. La escena de la muerte parecía alterada, las sábanas estaban cambiadas y limpias y el cuerpo había sido movido. Clemmons notó que, a esa hora, la señora Murray estaba lavando ropa, lo que le causó gran sorpresa. Las livideces del cadáver no coincidían con la postura antinatural en la que yacía el cuerpo. En principio, tampoco había agua ni jarra ni vaso con que hubiera podido ingerir las pastillas, hecho que el oficial de la Policía hizo notar a los médicos. Más tarde, en la escena aparecería muy oportunamente un vaso con la llegada de otros policías y forenses. La autopsia reveló que había fallecido por una sobredosis de barbitúricos.190? Cripta de Marilyn Monroe ubicada en el cementerio Westwood Village Memorial Park en Westwood Village. El informe calificó la causa de la muerte como un «probable suicidio». Por falta de pruebas, muchos creen que fue asesinada. Sus médicos, Greenson y Engelberg, le recetaban diversos barbitúricos que pudieron acumularse en su organismo hasta alcanzar niveles peligrosos para la vida. Se cree que Marilyn falleció bastantes horas antes de que se diera aviso a las autoridades y que su habitación había sido manipulada y organizada convenientemente antes de la llamada telefónica. La hipótesis del suicidio distraería la atención sobre la posible responsabilidad de sus médicos personales en la muerte y los salvaría de cualquier imputación penal. Eunice Murray, su ama de llaves, quien fue recomendada por el doctor Greenson para trabajar con Marilyn, fue entrevistada veintitrés años después y confirmó que aquella noche no conseguía dormir. Según su versión, se levantó y observó que las luces de la habitación de Monroe estaban encendidas, se encontró con la puerta cerrada con llave por dentro, por lo que tuvo que salir de la casa para observar por la ventana de la habitación a la mujer, desnuda y sin vida sobre la cama. De inmediato, telefoneó al doctor Greenson que llegaría en compañía de Engelberg hacia la medianoche o el inicio de la madrugada. Lo que hicieron los médicos y el ama de llaves horas antes de avisar a la policía se desconoce. Según Greenson, estuvieron tratando de dar aviso primero a la Fox. Tres días después de la muerte, Joe DiMaggio, su segundo esposo, celebró el funeral en privado y con la sola presencia de familiares y amigos cercanos. No puedo decirle adiós a Marilyn, nunca le gustaba decir adiós. Pero, adoptando su particular manera de cambiar las cosas para así poder enfrentarse a la realidad, diré hasta la vista. Porque todos visitaremos algún día el país hacia donde ella ha partido. Lee Strasberg, actor y amigo de Marilyn Monroe. Fue sepultada en una cripta del cementerio Westwood Village Memorial Park ubicado en Westwood Village, Los Ángeles.191? Personalidad Monroe en Los caballeros las prefieren rubias (1953), en la película interpretó a una «rubia tonta» sexualmente atractiva e ingenua que ama las joyas y tiene un corazón de buenos sentimientos. Marilyn Monroe tenía varias facetas muy marcadas en su personalidad. Era una mujer que